Filmversteher

THE GREEN HORNET (ab 13.01.2011)

2011-01-13T23:48:00.003+01:00

Ein Superhelden-Film, der sich seines eigenen Platzes im dicht behangenen Superhelden-Universum explizit bewusst ist. Ein europäischer Regisseur, der sich mit skurrilen Einfällen empfohlen hat und nun unerschrocken anschickt, einem der klischeeverseuchtesten Genres besonders des US-Kinos eine neue Seite abzugewinnen. Ein verdienter, nun ja: immerhin deutschsprachiger Oscarpreisträger, der seinen Siegeszug als charismatischer Antagonistenmime fortsetzt. Das alles klingt vielversprechend und lässt auf ein sicheres Entkommen aus der berüchtigten Falle namens superhero movie hoffen. Wie man sich in den Fängen ebendieser dennoch heillos verstricken kann, beweist der französische Filmemacher Michel Gondry mit seinem neuen Werk The Green Hornet. Am beinahe ungebremsten Scheitern des besonders in Fankreisen heiß ersehnten Remakes kann auch der erneut herrlich sinistre Christoph Waltz wenig ändern.

Erschreckend ist von der ersten Filmminute an, wie brav sich Gondry an die jedem Gelegenheitszuschauer bestens bekannten Konventionen des Superhelden-Kinos hält. Statt echten Innovationen lässt der Film seine Figuren hemmungslos herumalbern, ohne dabei auch nur eine ansatzweise erkennbare Stringenz zu erzeugen. Hier setzt sich auf fatale Weise eine Tendenz fort, die sich bereits in Be Kind Rewind leise angedroht hatte. Erneut setzt Gondry in Sachen Humor ganz auf die Karte eines etablierten Komikers. Während man Jack Black aber manche unnötige Fratze noch verzeihen mochte, ist das Problem in The Green Hornet von grundsätzlicher Natur – es liegt in der denkbar einfach gestrickten Blödel-Comedy Seth Rogens, den Gondry nicht nur die Hauptrolle brabbeln, sondern gleich das vollständige Drehbuch verantworten lässt. Und das reduziert seinerseits die gesamte Story auf deren humoreske Seite, wodurch eine beschlussfähige Mehrheit der ursprünglichen „Green Hornet“-Serie ersatzlos getilgt wird.

Wie die Filmemacher sich die derzeit offenbar unumgängliche 3D-Technik zunutze gemacht haben, scheint dagegen vorbildlich. In der Tat bietet uns The Green Hornet kreative Effekte, den Comic-Stil sympathisch zitieren und dennoch geschickt um die dritte Dimension erweiten. Leider bezieht sich diese Einschätzung aber lediglich auf den flotten Abspann des Films. Sonst gilt auch für diesen Aspekt, dass die vielleicht gut gemeinten Ansätze weitgehend verpuffen. Dass man sich erst nach Ende der eigentlichen Dreharbeiten für den Aufsprung auf den 3D-Zug entschieden habe, sei Gondrys kontrollierter Verspieltheit nur zugute gekommen, deuten die Produzenten in einem Pressetext ihren opportunistischen Sinneswandel in einen vermeintlichen Vorteil um. Ganz so stümperhaft wie etwa beim nachträglich und lieblos verdreidimensionierten „Clash of the Titans“-Remake mögen Gondry und Konsorten sicher nicht verfahren sein, dennoch erfüllt die künstliche Räumlichkeit auch in The Green Hornet nur äußerst selten einen echten dramaturgischen Zweck.

Erstaunlich ideenlos und – zumindest in der deutschen Synchronfassung – ohne jedweden gelungenen Wortwitz ist The Green Hornet nicht mehr als eine dröge Superhelden-Adaption neben vielen. Besonders für Kenner der Originalserie und Anhänger des für seinen unkonventionellen Inszenierungsstil geschätzten Michel Gondry wird das eine herbe Enttäuschung sein.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER (ab 02.12.2010)

2011-01-13T23:27:00.001+01:00

Der in Jahre gekommene Alfie verlässt Jahrzehnten der Ehe seine Frau Helena, um mit einem schlichten Callgirl ein neues Glück zu finden. Die plötzlich Verlassene flüchtet sich in die wahnwitzigen Ratschläge einer geschäftstüchtigen Wahrsagerin. Auch Helenas Tochter Sally ist in ihrer Ehe kaum glücklicher: Ihr Mann Roy verdingt sich als längst von Glück und Erfolg verlassener Schriftsteller, der sich zudem zur geheimnisvollen Nachbarin Dia hingezogen fühlt. Sally hat sich ihrerseits in ihren Chef, den verheirateten Galeriebesitzer Greg verliebt – der sich wiederum auf eine Affäre ausgerechnet mit ihrer besten Freundin einlässt. Das allseitige Chaos ist vorprogrammiert.

Auch wenn Allens 41. Regiearbeit You Will Meet a Tall Dark Stranger die gewohnten Spitzen enthält, bleiben die ganz großen Fiesheiten diesmal aus. Wie man diese vermeintliche Zurückhaltung des Autors und Regisseurs bewertet, liegt freilich im Auge des Betrachters. Einerseits kann man es als ironische Selbstreferenz und bewusste Nichterfüllung eigens geschürter Erwartungen sehen, wenn der Film gleich mehrere Gelegenheiten auslässt, den Plot durch eine raffgierige Bluttat aufzumischen. Im bisherigen Spätwerk Allens mussten ähnlich unheilvoll anklingende Verstrickungen jedenfalls beinahe unvermeidlich in offene Grausamkeiten münden. Dass Stranger dagegen ohne Mord und Totschlag auskommt, mag andererseits als neue Zahmheit des bald 75-Jährigen verstanden werden. Natürlich ist es nicht ohne Reiz – und ohne Zutun Allens –, dass und wie der Film das sicherlich vielfach herbeigesehnte Kapitalverbrechen auslässt. Zurück bleibt somit aber gleichzeitig eine gewisse Beliebigkeit. Zudem scheint sich das arg abrupte Ende um den Verbleib gleich mehrerer Charaktere wenig zu scheren, auch die entscheidenden Fragen der Geschichte bleiben völlig offen.

Mit Anthony Hopkins, Naomi Watts, Josh Brolin, Antonio Banderas und der jungen Frieda Pinto aus Slumdog Millionaire ist auch You Will Meet a Tall Dark Stranger fraglos brillant besetzt. Aber gerade Pintos Part als „Frau im gegenüberliegenden Fenster“ zeigt auch die Schwierigkeiten der Handlungsentwicklung, bleibt ihre Rolle doch selbst dann auf eben diesen Gemeinplatz beschränkt, als sie von der flüchtigen Fernansicht in die Nähe der Kamera gerückt ist. Die mit Abstand interessantesten Ansätze zeigt die von Gemma Jones gespielte Quasi-Hauptrolle der sinnsuchenden Seniorin Helena, endet aber ihrerseits mindestens dreiviertelfatal. Übrig lässt Woody Allen in seinem neuen Werk einen gehörigen emotionalen Scherbenhaufen, der weder wirklich lustig ist noch zum Grübeln anstiftet – sondern eher recht deprimierend daherkommt.

Wertung: ■■■■■■■■□□□□□□□ (8/15)

UNSTOPPABLE (ab 11.11.2010)

2010-11-11T11:34:00.001+01:00

Der Trailer von Unstoppable – Ausser Kontrolle mag auf manchen Filmfreund wie ein kleines Déjà-vu wirken. Atemlose Action auf funkensprühenden Gleisen wird dem Zuschauer da versprochen, in der Hauptrolle Denzel Washington, inszeniert von Genre-Spezialist Tony Scott. Wie jeder gut informierte Mainstream-Cineast weiß, haben diese drei Kriterien bereits auf Scotts letzten Film zugetroffen, in dem es Washington mit einem gekaperten Zug zu tun hatte. Zugegeben, in The Taking of Pelham 1 2 3 (2009) spielte sich dieses Schienenverkehrschaos noch unter Tage ab, da der nämliche Titel auf die gleichnamige U-Bahnlinie verweist.

In Unstoppable nimmt das Unheil überirdisch seinen Lauf. Und schuld ist diesmal nicht ein geisteskranker Entführer, sondern schlicht ein nachlässiger Rangierarbeiter, dem – klingt komisch, beruht aber auf wahren Geschehnissen – ein Güterzug abhanden kommt. Da die eigenmächtig weiterfahrende Eisenbahn obendrein hochexplosive Chemikalien geladen hat, sind nunmehr nicht bloß ein paar Dutzend Pendler in Gefahr, sondern ganze Kleinstädte, auf die der herrenlose Zug zurast. Einsatz Washington: Zusammen mit Greenhorn Will ist er mit seiner Lokomotive die letzte Hoffnung ganzer Gemeinden in Nordwest-Ohio. Wagemutig jagen die beiden Männer der rollenden Bombe hinterher, um den Filmtitel Lügen zu strafen.

Tony Scotts immer weiter fortschreitender audiovisueller Expressionismus hat seinen Höhepunkt mit Man on Fire (2004) und Domino (2005) erreicht. Dass diese Entwicklung zuletzt mit Pelham 1 2 3, also ausgerechnet jenem Vorjahres-Eisenbahn-Thriller, kräftig ins Leere gelaufen war, lässt vom verdächtig ähnlich anmutenden Nachfolger wenig Gutes erhoffen. Umso erstaunlicher, dass Unstoppable tatsächlich weitaus besser funktioniert: Nicht nur ist der Film um Welten packender, es gelingt Scott diesmal sogar, die Bahn als eigene Filmfigur zu etablieren. Ganz im Gegensatz zum übersättigten, stotternden Vorgänger steht dem vordergründigen Thrill diesmal eine ausgereifte Topografie der Spannung zur Seite. Auch wenn weder der routinierte Denzel Washington noch Youngstar Chris Pine ihren eindimensionalen Charakteren – samt klischeeverseuchten Vorgeschichten – echte Originalität abgewinnen können, bleibt die Situation in der Enge des Führerhauses stets dramatisch. Die Bedrohung, die das stählerne Geschoss darstellt, wird zudem durch die fortlaufende TV-Berichterstattung hergestellt, die ein integraler Bestandteil der Erzählung ist, deren Künstlichkeit jedoch wieder einmal unverkennbar bleibt. Wie Scott Zug 777 auf seiner unaufhaltsamen Irrfahrt durch dicht besiedeltes Gebiet inszeniert, bleibt indes der Garant der Spannung. So ist Unstoppable genau das, was man von dem Film erwarten durfte, ohne sich vom Vorgängerfilm abschrecken zu lassen: grundsolides Actionkino, das anderthalb unterhaltsame Stunden bietet.

Wertung: ■■■■■■■■■□□□□□□ (9/15)

MACHETE (ab 04.11.2010)

2010-11-04T14:37:00.000+01:00

Die Entstehungsgeschichte von Robert Rodriguez’ neuem Streifen ist eine wahrhaft einmalige. Machete dürfte nämlich das einzige Werk zumindest der Mainstream-Geschichte sein, für das zunächst ein vollständiger Trailer angefertigt worden ist – und erst Jahre später der eigentliche Hauptfilm. Hintergrund dieser bemerkenswerten Genese: Für das Doppelprojekt Grindhouse lassen dessen Regisseure Rodriguez und Quentin Tarantino als Rahmenprogramm 2007 einige Fake-Trailer drehen – aufwendige Quasi-Vorschauen für nicht existente Filme. Unter dem Titel „Machete“ steuert Rodriguez damals einen der Trailer selbst bei, basierend auf der gleichnamigen Nebenfigur aus seinen drei „Spy Kids“-Filmen. Fans und Macher lässt die Verheißung dieser unvollendeten Ankündigung fortan nicht los. Gemeinsam mit seinem langjährigen Cutter Ethan Maniquis hat Rodriguez aus diesen Ansätzen nun tatsächlich einen abendfüllenden Film entwickelt.

Gemäß dem großartigen Fake-Trailer erzählt auch die Langfassung die Geschichte eines Mannes, der in ein aberwitziges Geflecht aus korrupten Politikern und ebenso machtgierigen Berufsverbrechern gerät. Eigentlich soll Machete einen rassistischen Senator erschießen, der in bester Seehofer-Manier über angebliche Überfremdungstendenzen schwadroniert. Doch schnell wird der alternde Killer selbst zur Zielscheibe übler Gesellen. Unverhoffte Unterstützung erhält Machete durch ein Untergrund-Netzwerk, in dem sich systematisch unterdrückte Mexikaner organisiert haben. Zwischen den Fronten operiert eine attraktive Agentin der Einwanderungsbehörde, die sich bald für eine der beiden Seiten entscheiden muss.

Die Figur Machetes ist untrennbar mit dem mexikanischstämmigen Darsteller Danny Trejo verbunden, der den nach seinem bevorzugten Tötungsinstrument benannten Mann seither verkörpert hat. Und so ist Trejo nunmehr auch in Spielfilmlänge in der Rolle jener Personifikation des überschaubaren Mexploitation-Genres zu sehen. An seiner Seite prügelt und schießt sich eine illustre Riege namhafter Kollegen durch die mitnichten einfach gestrickte Story. Neben Jessica Alba, Robert De Niro, Michelle Rodriguez, Lindsay Lohan und einigen üblichen Verdächtigen wie Cheech Marin oder Tom Savini hält Machete zwei faustdicke Überraschungen parat: Don Johnson als gnadenloser Grenzpolizist und kein Geringerer als Steven Seagal als noch skrupelloserer Drogenboss. Alleine wie Rodriguez den finalen Kampf zwischen dem Titelhelden und Seagals Antagonisten auflöst, ist schlichtweg genial – und verrät des Filmemachers feines Gespür für die Filmografien seiner Stars und die hohe Kunst des tiefgründigen Trashs.

Auch insgesamt ist Machete in der Tat trash as trash can – nämlich eben nicht nur albern, sondern mit der genau richtigen Portion Sozialkritik und Selbstreferenz versehen. Rodriguez’ Film bietet alles, was der Trailer seinerzeit versprochen hat: Danny Trejo, Erotik und jede Menge Blut – verursacht nicht nur, aber am Spektakulärsten durch die titelgebende Machete.

Wertung: ■■■■■■■■■■■□□□□ (11/15)

JUST WRIGHT (ab 27.10.2010)

2010-10-28T13:50:00.001+02:00

Es ist die klassische Mär des vermeintlich hässlichen Entleins: Eine minimal überproportionierte Physiotherapeutin lebt, obwohl schon Mitte 30, noch beim fürsorgenden Papa und will den rechten Partner partout nicht finden. Jeder findet die gewitzte Leslie Wright auf Anhieb grundsympathisch – doch ebendas ist das Problem: Männer sehen in Leslie eher den netten Kumpeltyp denn die Frau fürs Leben. Zufällig lernt Leslie eines Tages Scott McKnight kennen, den Superstar der Basketballliga NBA – auf den es ihre äußerst attraktive und unbedingt heiratswillige Schwester Morgan angesehen hat. Es kommt, wie es kommen muss: Scott freundet sich mit Leslie an – und ehelicht die hübsche Morgan. Erst als Scott eine schwere Verletzung erleidet, die seine Karriere ernsthaft gefährdet, ändert sich alles.

Der Lichtblick dieses ansonsten in der Kategorie solider Durchschnitt zu verbuchenden Werkes ist Common, der heimliche Star von Just Wright. Dass der junge Mann mit dem bürgerlichen Namen Lonnie Lynn nicht in das übliche Schema „erfolgreicher Musiker wird zum mittelmäßigen Schauspieler“ passt, verrät bereits der Status Commons im Hip-Hop-Zirkel. Dort ist Common zwar ein weithin anerkannter Künstler, aber eben kein Mainstream-Rapper mit uneingeschränkter Radiotauglichkeit. Stattdessen verdingt er sich seit rund 15 Jahren als nachdenklicher Straßenpoet mit samtweicher Stimme, der zumeist mit vollständiger Live-Band tourt. Auch ins Filmgeschäft ist Common nicht etwa Hals über Kopf – d.h. in Form einer auf den Leib geschnittenen Hauptrolle – gestürzt, sondern betont behutsam durch die Hintertür. Statt 8 Mile oder Get Rich or Die Tryin’ etabliert sich Common in der Nachbarindustrie zunächst über kleine Nebenrollen und ernsthaften Schauspielunterricht. Auch in Just Wright übernimmt er nun allenfalls den Part des Co-Protagonisten, denn die zentrale Figur der Erzählung und Namensgeberin des Titels wird von einer anderen Ex-Rapperin gespielt, Queen Latifah. Die ist ihrerseits freilich längst in Hollywood angekommen und seit ihrem Auftritt in Chicago immerhin Oscar-Nominee. Latifah gibt die lebenslustige und doch beziehungsfrustrierte Leslie in gewohnt schlagfertiger Manier. Neben seiner ebenbürtigen darstellerischen Eignung beeindruckt die Sporttauglichkeit Commons, der als Starspieler auch für Basketballkenner uneingeschränkt glaubwürdig ist. Auch insgesamt liegt in den erstaunlich aufwendigen und realistischen Spielszenen, in denen zahlreiche echte Stars zu bewundern sind, zumindest für alle Fans der NBA ein zusätzlicher Gewinn.

Dennoch bleibt Just Wright letztlich ein bis zum unvermeidlichen Ende zu formelhafter Film, der als nette Romantic Comedy mit guter Besetzung und sportlicher Note als unverfängliche Abendunterhaltung aber durchaus taugt.

Wertung: ■■■■■■■■□□□□□□□ (8/15)

RED (ab 27.10.2010)

2010-10-28T13:49:00.001+02:00

Bruce Willis, Morgan Freeman, John Malkovich, Hellen Mirren, Richard Dreyfuss, Brian Cox – das ist eine Schauspieler-Lineup, die Eindruck hinterlässt. Auch der Name des Mannes hinter der Kamera, der dieses Klassentreffen großer Namen verantwortet, ist kein unbekannter – und verwundert doch: Robert Schwentke ist der Regisseur der rasanten Actionkomödie RED. Wie sicher der Stuttgarter, mit Flightplan und The Time Traveller’s Wife unlängst in Hollywood angekommen, das Schaulaufen der Superstars im Griff hat, davon zeugt das sehenswerte Ergebnis seiner Arbeit: RED ist ein turbulenter Kinospaß mit irrer Story, der dennoch stets luftig und locker daherkommt. Das ist zunächst dem kreativen und schwarzhumoresken Drehbuch des Films zu verdanken, das wiederum auf einer eher unbekannten Comicserie beruht.

RED ist andererseits ein weiterer Film über das Alter und stellt der beeindruckenden Kollektion nicht mehr ganz blutjunger Star-Darsteller eine würdige Erzählung an die Seite. Samt und sonders handelt es sich bei den rüstigen Pensionären nämlich um ehemalige CIA-Killer, die wegen ihrer Beteiligung an einem folgenschweren Einsatz vor Jahrzehnten kaltgestellt werden sollen. Denn „R.E.D.“ ist ein Akronym und steht für „Retired (and) Extremely Dangerous“, was der deutsche Verleih mit der arg platten Tagline „Älter, härter, besser“ aufzunehmen versucht.

Mit der nötigen, aber sicher nicht selbstverständlichen Selbstironie amüsieren sich Freeman, Willis & Co. über das eigene Älterwerden, stellen aber gleichzeitig ihre weiterhin unbestreitbare Action-Tauglichkeit unter Beweis. Dennoch verkommt RED nie zu einer aufgepimpten Rentnerveranstaltung. Nicht von der Hand zu weisen ist nämlich einerseits, dass die jung gebliebene Mittvierzigerin Mary-Louise Parker der Altherren-Reunion (plus schießwütige Dame) beizeiten die Show stiehlt. Die dankbar flotten Sprüche der einzigen Nicht-Geheimdienstlerin des gesamten Drehbuches platziert Parker mit glänzendem Timing und avanciert schließlich zur unangefochtenen Identifikationsfigur des Films. Zweitens gelingt es Karl Urban, der Figur des eigentlichen Antagonisten – des Agenten, der die „REDs“ in den endgütigen Ruhestand versetzen soll – eine merkwürdige Liebenswürdigkeit abzugewinnen, die dem eigentlichen Klischee der Rolle herrlich entgegenläuft.

Auch wenn RED keine Neuerfindung der Actionkomödie darstellen mag, ist Schwentkes Film ein erfrischend unterhaltsamer Kinospaß, der klug ersonnen und ansprechend umgesetzt worden ist.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

MAX SCHMELING (ab 07.10.2010)

2010-10-25T11:56:00.001+02:00

Manchmal wünscht man sich, einen Film völlig unvorbelastet sehen zu können. Nichts über den Regisseur, dessen früheres Werk, dessen – vorsichtig formuliert – merkwürdiges Gebaren und Selbstverständnis zu wissen. Sich nicht bewusst zu sein, dass Max Schmeling, das Biopic über die deutsche Boxerlegende des vergangenen Jahrhunderts, von einem Mann verantwortet wird, der für gewöhnlich ein gefühltes Dutzend stumpfsinnige Videospielverfilmungen pro Jahr auf den Markt wirft. Von einem Mann, der sich trotz sehr überschaubarem Talent und ruhrpottlerischer Schlichtheit im Brustton der Überzeugung mit Regie-Größen vergleicht, deren Namen hier aus Gründen der Pietät nicht wiederholt werden. Uwe Boll heißt dieser unsympathische Geselle, dessen einzig nennesswerte auch nur ansatzweise filmische Hinterlassenschaft in seinen unübertroffen unterhaltsamen DVD-Audiokommentaren besteht.

Wenn sich Boll nunmehr – zwischen so klangvoll-bedenklichem Videogame-Trash wie Rampage und Bloodrayne: The Third Reich – erstmals ins Genre des historischen Dramas wagt, alarmiert das in vielerlei Hinsicht. Alleine Bolls Gehversuche auf dem Gebiet der politischen Satire und des Horrorfilms (beide 2007) sollte hinreichend unterstrichen haben, dass des Wermelskircheners dümmliche Ballerspiel-Adaptionen durchaus qualitativ zu unterbieten sind.

Fernab von Bolls fragwürdiger Paradedisziplin ist Max Schmeling in der Tat eine ernst gemeinte und – das lässt sich ganz sachlich festhalten – sicherlich bemühte Filmbiografie. Ausstattung und Filmmusik sind grundsolide und entsprechen anstandslos dem Standard nicht nur inländischer Historiendramen. Die etwas ungelenken Markierungen zeitlicher und örtlicher Sprünge kann man guten Gewissens mit der fehlenden Genre-Erfahrung des Machers entschuldigen.

Letztlich steht und fällt der Erfolg von Max Schmeling jedoch mit der Besetzung der Titelrolle – und die steht und fällt in der Tat, nicht nur im wörtlichen Sinn. Einerseits ist Henry Maske aus sportlicher Sicht fraglos ein Glücksfall, dem die fraglose Authentizität der Boxszenen zu verdanken ist. Andererseits gibt es im gesamten Film nicht eine einzige Dialogszene, in der man vergessen könnte, dass Maske keinerlei Schauspielausbildung besitzt. Wie hölzern und leiernd Maske Sprüchlein um Sprüchlein aufsagt, das ist Grundschultheaterniveau. Das ist deshalb umso tragischer, weil die Kamera das zerfurchte Antlitz des Boxers unverkennbar liebt. Selbst außerhalb des Rings macht Maske eine wahrhaft blendende Figur, nicht nur als Imitation Schmelings. Es ist solch ein Jammer, dass Maske nicht einmal die einfachste Begrüßungsformel glaubhaft zu artikulieren imstande ist, dass man sich ernstlich wünscht, Boll hätte sich in der Not zu einer Stummfilmfassung seines schön fotografierten Werkes gezwungen gesehen. Zur Verteidigung des eifrigen Maske sei allerdings hinzugefügt, dass auch einige der gestandenen Darsteller – darunter Heino Ferch als Coach und Susanne Wuest als Anny Ondra – berechtigte Schwierigkeiten mit der Phrasendrescherei des Drehbuches haben.

Max Schmeling, dieses betont unaufgeregte Biopic, das auch die ambivalenten NS-Verwicklungen des Boxers recht neutral wiedergibt, hinterlässt einen zweigeteilten Eindruck. Diese Erkenntnis ist im Oeuvre des Uwe Boll sicherlich nahe einer Sensation. Tatsächlich lassen sich aber sowohl die Vorzüge – vor allem die lupenreine Optik – wie auch die Nachteile des Filmes – insbesondere der textliche Aspekt in Theorie und Praxis – weitgehend unabhängig von der persönlichen Leistung des Regisseurs betrachten. Auch wenn die Präsenz des Machers auch dank eines Gastauftrittes als Ringrichter nie ganz auszublenden ist, mag das wohl das größte Kompliment sein, das man einem Uwe-Boll-Film machen kann: das er nicht wie ein solcher wirkt.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

THE AMERICAN (ab 16.09.2010)

2010-10-25T11:54:00.001+02:00

George Clooney im beschaulichen Italien als Waffenlieferant einer Auftragskillerin – diese Umschreibung könnte, mit etwas Phantasie, als metaphorische Lebensbeschreibung des längst nach Europa ausgewanderten Star-Schauspielers und verschmitzten Frauenschwarms verstanden werden. Insofern ist Clooney die Rolle des mysteriös-charismatischen The American, der in Europa Auftragsmorde organisiert, wie auf den Leib geschnitten. Nachdem Jack in Schweden enttarnt und von wesentlich unkultivierteren Gesellen um ein Haar über den Haufen geschossen worden ist, flieht er nach Italien. Dort schickt ihn sein Auftraggeber in ein verschlafenes Bergdorf in den Abruzzen. Doch selbst in dieser ländlichen Idylle ist es um die Ruhe bald geschehen, als Jack in den Bann zweier Frauen gerät, von denen wenigstens eine Tödliches im Schilde führt.

The American seine störrische Ruhe, seine demonstrative Unaufgeregtheit vorzuwerfen, wäre paradox. Zu offensichtlich und systematisch ist Regisseur Anton Corbijn – ja, der Starfotograf – auf ein ungebrochenes Stillleben aus, zu akribisch setzt er seinen bescheidenen Suspense in plastisch sichtbaren Einzelbausteinen zusammen. Das führt, so sehr Corbijn diesen Effekt auch beabsichtigen mag, zu einer schleppenden Langsamkeit, zu einer zähen Schönheit addierter Augenblicke. Nie verliert der Regisseur dabei ein Minimum an Erzählfluss aus den Augen, nie entsteht dabei andererseits ein Spannungsmoment, der wirklich packen würde. Nicht nur im Angesicht der malerischen Dörflichkeit Südeuropas, die auch The American als Setting dient, erinnert der Film an Jim Jarmuschs meisterlichen Limits of Control aus dem vergangenen Jahr. Bei Corbijn fehlen indes die philosophisch-rätselhaften Begegnungen des einsamen Auftragskillers, mit denen Jarmusch sein filmisches Gemälde die entscheidende Facette verliehen hatte. Aber für solch graue Theorie interessiert sich Corbijn schlicht nicht. Ihm werden die zahlreichen Klischees, die sein Film anreißt, wohl bewusst und keine Freude sein. Doch The American bricht diese Gemeinplätze nicht durch Variation, sondern indem er sie mit geradezu aufreizender Gelassenheit ins Leere laufen lässt. Der alternde Sünder, die liebesdurstige Hure, der fehltretende Hirte – sie alle schleichen sehenden Auges in ihr unvermeidliches Schicksal. So holzschnittartig diese Charaktere angelegt sind – dank ihrer behutsamen, aber sorgfältigen Ausdifferenzierung nimmt man all diesen Figuren den praktizierten Fatalismus gleichwohl jederzeit ab.

The American, dem das eingeschobene Adjektiv „quiet“ wohl nur fehlt, weil es diesen Titel als Philip-Roth-Roman und -Verfilmung bereits gibt, ist ein denkbar leiser Thriller, von zwei deutschen Kollaborateuren Corbijns wunderschön fotografiert und vertont. Die Kamera Martin Ruhes fasst die dankbare Ästhetik Mittelitaliens in wohltemperierte Bilder, kein geringerer als Herbert Grönemeyer steuert eine verträumte Filmmusik bei, die in mehrerlei Hinsicht als „piano“ bezeichnet werden kann. Überhaupt trifft The American diese Beschreibung vielleicht am besten: Der Film ist wie eine ruhige Klaviersonate, die es sich zur Aufgabe gemacht hat, die großen Themen des Lebens zu erzählen – als Krimi.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

THE SORCERER'S APPRENTICE (ab 02.09.2010)

2010-09-02T13:47:00.001+02:00

Dass man Terry Gilliam nicht mit der Verfilmung der Harry-Potter-Romane betraut hat, ist eine der größten Fehlentscheidungen der Filmhistorie – und es ist eine, die natürlich nie gänzlich zu ermessen ist. Nicht zuletzt seit den seltsamerweise dennoch erfolgreichen Potter-Filmen erlebt die Zauberei im Kino eine Hochkonjunktur. Christopher Nolans The Prestige und The Illusionist mit Edward Norton dürfen als die besten der magischen Filme der letzten Jahre gelten. Mit The Socerer’s Apprentice schickt Mega-Produzent Jerry Bruckheimer nun einen neuerlichen Filmzauber ins Rennen. Doch so ganz ernst nimmt sich dieser Film – der übrigens keine Adaption von Goethes „Zauberlehrling“ ist (oder eine sehr, sehr weit entfernte) und hierzulande Duell der Magier heißt – nicht, zum Glück.

Bereits die Vortitelsequenz von The Socerer’s Apprentice ist derart überbordend und hochtrabend, dass man zunächst nur hofft, dieser hektische Abriss im Slapstick-Tempo sei wenigstens teilweise ironisch gemeint. Vom Zauberer aller Zauberer, dem großen Merlin, ist da die Rede und wie sich dessen drei Schützlinge gründlich in die Haare bekommen. Einen von ihnen, Balthazar (Nicolas Cage), treffen wir kurz darauf im New York der Gegenwart wieder. Nach zehnjähriger Gefangenschaft in einer Vase hat Balthazar zwei Aufgaben: Er muss den legitimen Nachfolger Merlins, den in Sachen Magie scheinbar ahnungslosen Physik-HiWi Dave (Jay Baruchel) von dessen immensem Erbe überzeugen und seinen Widersacher Horvath (Alfred Molina) daran hindern, die Weltherrschaft zu übernehmen.

Dass Balthazar vom wie immer hemmungslos overactenden Nicolas Cage gespielt wird, erweist sich schnell als Glücksgriff. Nach der üblichen Eingewöhnphase, in der Cage wie ein übermotivierter Provinztheatermime wirkt, ist schnell klar, dass ihm die Absurdität des Geschehens von The Socerer’s Apprentice sehr wohl bewusst ist. Ebenso goldrichtig sind die Besetzung seines widerwilligen Lehrlings durch den trottelig über die Leinwand stolpernden Jay Baruchel und die des verzweifelt um sein Antagonistendasein ringenden (weil eigentlich viel zu netten) Alfred Molina als Horvath. Als erfrischend unkompliziert erweist sich auch des Nachwuchszauberers Love Interest. Jene Becky Barnes – der alliterative Name darf abermals als Augenzwinkern verstanden werden, hier scheint die handelsübliche Superhelden-Nomenklatur Pate gestanden haben – ist nett anzusehen, nett und erstaunlich unzickig. Sicher hätte der von der unbekannten Teresa Palmer gespielte Part weiter ausgebaut werden können, aber neben ihrer fixen Bereitschaft, die schier unglaublichen Verwicklungen ihres viel zu nerdigen Neu-Freundes zu schlucken, greift Becky gar im Showdown entscheidend ein. Der wiederum ist das gelungene Finale eines natürlich dämlichen Plots, dessen Umsetzung dank zahllosen kreativen Drehbuch- und Regie-Einfällen und einer gepfefferten Portion Selbstironie wesentlich mehr Spaß macht, als es der peinliche Misserfolg an den amerikanischen Kinokassen vermuten ließe.

An diesem Flop ist möglicherweise die PR-Strategie des Filmes schuld, da der Trailer zu Socerer’s Apprentice ausgerechnet auf düsteren Realismusbezug setzt. Weder Mythos noch Illusion noch Einbildung sei das Filmgeschehen, heißt es in der viel zu ernsten Vorschau, in der das Duell der Magier nach einem bierernsten Zauberei-Spektakel klingt. Dass Jon Turteltaubs Film das eben nicht ist, deutet erst das Ende des Trailers an; dass er es auch nie sein will, macht den tatsächlichen Film sehr erträglich.

Wertung: ■■■■■■■■□□□□□□□ (8/15)

THE EXPENDABLES (ab 26.08.2010)

2010-08-31T09:39:00.003+02:00

Bereits seit sich vor einem Jahr erste Gerüchte über ein Gipfeltreffen der versammelten Action-Stars und -Opas Hollywoods als real erwiesen haben, dürfte klar sein, was von The Expendables zu erwarten ist. Jener Streifen, in dem Sylvester Stallone als Regisseur und Hauptdarsteller Schwergewichte wie Dolph Lundgren, Mickey Rourke, Jason Statham und Jet Li um sich schart, würde vor allem eines bieten: tonnenweise absurde Action. Auch dass das ebenfalls von Stallone mitverantwortete Drehbuch kaum diese Bezeichnung verdient, sollte nicht überraschen. Tatsächlich versammelt The Expendables nicht nur ein volles Dutzend bekannter Haudrauf-Mimen, sondern ein wesentlich umfangreicheres Sammelsurium einschlägiger (!) Klischees. Mit seinem Trupp natürlich ganz knallharter Killermaschinen soll Stallone eine kleine Insel im Golf von Mexiko von seinem grausamen Diktator befreien – und vom amerikanischen Anzugträger, der im Hintergrund die Fäden zieht. Natürlich hat das Eiland auch eine einzige schöne Frau hervorgebracht, natürlich ist die Dame die Tochter des Diktators und natürlich obendrein der lokale Kontakt der Befreier. Wie die heilsbringenden Amerikaner das – immerhin ebenfalls von einem Ami verschuldete – Chaos aufmischen, das geschieht freilich auf Kosten Hunderter Statisten und mit Hilfe der Dreijahresration Dynamit eines mittelgroßen Steinbruchs.

Wäre das alles klar ironisch gemeint, man könnte seinen bescheidenen Spaß an diesem heillosen Tohuwabohu finden, das vor lauter Hektik, Dunkelheit und Schnittfrequenz nur selten Freund von Feind unterscheiden lässt. Eine augenzwinkernde Selbstreflektion bietet The Expendables aber allenfalls punktuell. Einzig der Kurzauftritt Arnold Schwarzeneggers – neben Stallone selbst komplettiert Bruce Willis den Trialog – gerät zu einem großen Spaß, eine Anspielung auf des Gouvernators tatsächliche politische Ambitionen inklusive. Darüber hinaus nimmt Regisseur Stallone sich und die gesamte Idiotie der Handlung aber erschreckend ernst. Humor sucht dieser Film allenfalls in der gesteigerten Durchschlagskraft von Waffen oder den üblichen frauenfeindlichen Sprüchlein, die so öde sind, dass man sie mit einem Schulterzucken neutralisieren kann. Diese Beliebigkeit trifft auch den gesamten Film, dessen Titel wieder einmal die perfekte Steilvorlage zu seiner eigenen Aburteilung liefert: The Expendables ist in der Tat genau dies: lahm, trivial und ziellos – eben verzichtbar.

Wertung: ■■■■■□□□□□□□□□□ (5/15)

SALT (ab 19.08.2010)

2010-08-31T09:27:00.000+02:00

Wer ist Salt? Auf dieser kurzen Fragestellung fußt die gesamte Werbekampagne des neuen Films von Regisseur Phillip Noyce, Salt. Dass alleine der ausgetauschte Name diese Tagline von der Kampagne zu The Bourne Identiy unterscheidet, 2002 Auftakt einer sehr erfolgreichen Spionagethriller-Trilogie, ist kein Zufall. Das Prinzip ist denkbar ähnlich: Ein amerikanischer Geheimdienstler mit Nahkampferfahrung scheint als Doppelagent enttarnt – doch welcher Seite fühlt er sich tatsächlich verpflichtet? Wesentliches Novum in Salt scheint zunächst, dass der titelgebende Spion diesmal weiblich ist. Dass ursprünglich Tom Cruise als Protagonist vorgesehen gewesen sein soll, beweist dagegen die Austauschbarkeit des Titelstars – zumindest in den Augen der Hollywood’schen Produzenten. Nun ist jedenfalls Angelina Jolie in der Hauptrolle des Films zu sehen und das ist gut so. Es braucht nur wenig Phantasie – oder einen einfachen Fingerzeit in Richtung Knight and Day, in dem Cruise jüngst als Geheimagent floppte –, um sich auszumalen, wie öde Salt ohne Jolie gewesen wäre.

In jedem Moment glaubwürdig verkörpert Jolie jene Evelyn Salt, die der Film zunächst als Top-Agentin der CIA mit unbequemem Feindkontakt und deutschem Ehemann (August Diehl) vorstellt. Durch die Aussage eines russischen Überläufers gewinnt selbst dieses nicht eben beschauliche Dasein an Brisanz: Salt stehe in Wahrheit im Dienst seiner Landsleute und habe den Auftrag, den in New York gastierenden Präsidenten Russlands zu ermorden. Da es der resoluten Agentin nicht gelingt, ihren Vorgesetzten (Liev Schreiber) und einen alarmierten Kollegen für innere Angelegenheiten (Chiwetel Ejofor) von der Unsinnigkeit dieser Behauptung zu überzeugen, flieht Salt Hals über Kopf. Auf sich alleine gestellt, muss Salt drei Dinge gleichzeitig erledigen: Ihren verschollenen Gatten ausfindig machen, die Ermordung des russischen Präsidenten verhindern und ihre eigene Unschuld beweisen. Aber ist Salt tatsächlich unschuldig?

Mit der nötigen Rasanz entfaltet Salt eine ausgetüftelte Tour de force mit allerlei Schauwert. Vollkommen ebenbürtig mit der Atemlosigkeit der Bourne-Filme bietet Salt spektakuläre Action und ein recht cleveres Drehbuch. Wer hier tatsächlich wer ist und vor allem für welche Seite kämpft, bleibt dank der wendungsreichen Erzählung lange offen. Schade bloß, dass Regisseur Noyce die Kombinierfähigkeiten seines Publikums beizeiten unterschätzt und übererklärt. Wer einigermaßen wachsam mitdenkt, dem wird in mindestens einem Fall eine spätere Wendung durch eine überflüssige Detailaufnahme bereits viel zu früh für verraten. Trotz einzelnen Vorhersehbarkeiten schlägt die Story dennoch ausreichend Haken, um oft zu verblüffen. Auch wer herrlich abstruse Verschwörungsszenarien mag, wird Salt lieben. Der findig konstruierte Zusammenhang des Plots mit historischen Mysterien ist denkbar brisant: Flugs bestätigt eine Rückblende die Einzeltätertheorie der JFK-Ermordung als gezielte russische Geheimdienstbemühungen. Das ist zwar relativ abstrus und offenbart ein reaktionäres Verständnis des Kalten Krieges, hat als Spielfilmfiktion aber unbestreitbaren Unterhaltungswert. Überhaupt ist dieser halsbrecherische Agententhriller wenig innovativ, erfüllt aber jederzeit seinen Hauptzweck: Salt ist Entertainment in Formvollendung.

Wertung: ■■■■■■■■■□□□□□□ (9/15)

INCEPTION (ab 29.07.2010)

2010-08-31T09:22:00.001+02:00

Schon Siegfried Kracauer, der große deutsche Filmtheoretiker, wusste um die Traumhaftigkeit des Kinos. In der Dunkelheit des Lichtspieltheaters versinke der Zuschauer allzu leicht in einen tranceartigen Zustand, verliere sich in der Welt des Films wie in einem Traum, so Kracauer. Träumereien sind andererseits immer schon ein beliebter Gegenstand filmischer Handlungen. Einen menschlichen Traum zu audiovisualisieren, gehört zu den spannendsten Versuchsanordnungen des Kinos. Dass Hollywood seine Funktion als ‚Traumfabrikʻ aber so wörtlich nimmt wie in Inception, dem neuen Film des Briten Christopher Nolan, ist dennoch selten.

Nach dessen Über-Blockbuster The Dark Knight mag Inception, dieser sehr unvermittelt in der Kinolandschaft aufgetauchte Film, zunächst als kleine Fingerübung Nolans erscheinen, als willkommene Autorenkino-Ablenkung vor dem nächsten Mega-Hit. Aber kann ein 160-Millionen-Dollar-Filmprojekt eine Fingerübung genannt werden? Bei näherer Betrachtung ergibt sich ein beinahe umgekehrtes Bild: Das erste Treatment zu Inception, Nolans Idee zu einer Traum-Diebesbande, ist bereits runde 10 Jahre alt. Bevor er die Umsetzung dieser irren Idee gewagt habe, heißt es, habe Nolan lieber etwas Erfahrung sammeln wollen – und sei kurzerhand auf den „Batman“-Zug aufgesprungen. (Man erinnere sich an das Erstaunen seinerzeit, dass man ausgerechnet dem verschrobenen Genie hinter Memento diese traditionsreiche Franchise anvertraute.) So gesehen erscheint der Mainstream-Ausflug Nolans, der also eher nebenbei in den sechsterfolgreichsten Film aller Zeiten gemündet war, in Wahrheit als Nebenprodukt eben diese Herzensprojektes namens Inception.

Ein weiter Grund, warum Nolans neues Werk zunächst vielerorts als nettes Independent-Filmchen wahrgenommen worden ist, ist ebenfalls Folge einer durchdachten Strategie. Mit einer ebenso systematischen wie erfolgreichen Geheimhaltetaktik, die durchaus der „James Bond“-Maschinerie würdig ist, haben Nolan & Co. nicht nur Details des Projektes, sondern gleich dessen gesamte Existenz – oder zumindest Präsenz – erstaunlich lange unter Verschluss gehalten. Einzig ein kryptischer Teaser kündete schon Wochen vor Kinostart von Inception, der die wahren Dimensionen des Films jedoch allenfalls erahnen lässt.

Die Einzigartigkeit von Inception lässt sich alleine daran messen, wie verzweifelt allerorten in der Filmhistorie nach vergleichbaren Werken gekramt wird. Spielbergs Minority Report steht, so scheint es, ganz oben auf der Liste der eiligst bemühten Verwandten, dicht gefolgt von Dark City und Memento. (Naheliegender sind dagegen der kaum bekannte Post-Golfkrieg-Thriller The Jacket mit Adrian Brody und der großartige Abre los ojos samt ebenfalls hervorragendem Hollywood-Remake Vanilla Sky.) Und natürlich The Matrix, dessen bloße Nennung kräftig werbewirksam und – nach reiflicher Reflektion – nicht einmal völlig irreführend ist.

Wer oder was ist also Inception? Nolans Film erweist sich als wüster Genremix, der in souverän ausgelegten Bahnen verläuft und dennoch in jeder Szene gänzlich unvorhersehbar bleibt. Es ist ein Science-Fiction-Mystery-Spy-Action-Mindfuck-Thriller-Drama, das clever mit seinen Figuren und dem Publikum spielt, das spektakuläre Schauwerte ebenso zu bieten hat wie (ernsthaft) philosophischen Diskurs, in dessen Kern eine traurige Liebesgeschichte ruht – kurzum ein fabelhafter Film, der jederzeit fesselt und fordert. Es ist ein Film, der mit unter anderem Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Cillian Murphy, Marion Cotillard und Michael Caine hervorragend besetzt und technisch nicht weniger als brillant umgesetzt ist. Und Inception ist eben ein Film, der den allermeisten Beschreibungen spottet; ein Film, der durch eine schnöde Inhaltsangabe nicht nur unangemessen gewürdigt, sondern womöglich verdorben wird. Es ist ein surrealer Film über das Träumen, unser brüchiges Bild vom Träumen, über die Manipulation von Träumen.

Inception ist andererseits ein Film über den Film, über das Kino. Ähnlich der Kracauer’schen Perspektive springt der Plot in der Tat von Traumebene zu Traumebene – und verhaart dabei selbst unaufhörlich in einem traumhaften Zustand. Ob oder wo dieser Traum im Film tatsächlich endet, wie viel und welche vermeintliche (Film-)Realität uns Inception überhaupt zeigt, überlässt Nolan dem Publikum. Gleichzeitig legt er Hunderte Fährten, wie das existenzielle Fragezeichen, mit dem das Abenteuer scheinbar abrupt abgebrochen wird, aufzulösen ist. Es gibt mindestens ein halbes Dutzend legitimer Möglichkeiten, wer in diesem Film wann was träumt. Für sämtliche dieser Variationen gibt es triftige Gründe – manche trivialer, manche spannender –, viele schließen sich gegenseitig aus, andere lassen sich gar miteinander in Einklang bringen. Wer vor dem Rätsel, dem labyrinthartigen Puzzle, das Nolan uns vorsetzt, nicht ehrfürchtig kapituliert, dem ergibt sich aber so oder so – egal, welcher Inception-Glaubensgemeinschaft man sich zugehörig fühlt – ein denkbar komplexes metaphysisches Geflecht, das im Kopf des Zuschauers seine notwendige Rekapitulation und Fortsetzung findet. Einzig die innerfilmische Metapher kann wohl niemand ernsthaft bestreiten: Wie nebenbei erweist sich die Gesamtheit der Erzählung als Sinnbild für den Prozess des Filmemachens, inklusive Regisseur, Drehbuchautor, Produzent, Darstellern und Narration. Aber das ist nur die offensichtlichste Metaebene dieses Meisterwerkes.

Auf mindestens zwei Arten kratzt Inception, das macht diesen Film so bärenstark, an den Grundfesten der menschlichen Erkenntnis. Mit voller Wucht stößt uns Nolan auf eben jenen Moment, der unsere sämtliche Erfahrungsgabe in einen unüberwindbaren Restzweifel münden lässt. Die Aufgabe aller Aufgaben, den Anfang und das Ende des Traums (und somit der Wirklichkeit) zu bestimmen, treibt die Menschheit seit mindestens zweieinhalb Jahrtausenden um. Anschaulicher ist dieses ewige Dilemma selten komprimiert worden. Andererseits fordert dieser Film unsere Auffassungsgabe in einem überschaubareren Kontext von knapp zweieinhalb Stunden – die uns an unserer Fähigkeit zu einer sicheren Erkenntnis aber ebenso sehr zweifeln lassen. Diese doppelte Mühe verspricht indes entsprechenden Lohn: Wem es gelänge, wenigstens das verschachtelte Konstrukt dieses Films zu entschlüsseln, dem winkt, das ist die Verheißung, wenigstens diese eine Anteilnahme am höchsten aller Gedankengüter. Insofern ist Inception, das lässt sich mit ein wenig Pathos, einem kräftigen Augenzwinkern und allerlei Fug und Recht behaupten, nicht weniger als ebendies: ein Traum.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■■■ (15/15)

>>> Filmstarts 29. April 2010:

2010-04-29T17:17:00.000+02:00

All About Steve (Verrückt nach Steve, USA 2009, Regie: Phil Traill)
Auf der sicheren Seite (D 2009, Regie: Corinna Wichmann)
Baarìa – La Porta del Vento (Baarìa – Eine italienische Liebesgeschichte, I 2009, Regie: Giuseppe Tornatore)
I Love You Phillip Morris (USA 2009, Regie: Glenn Ficarra, John Requa)
The Last Song (Mit Dir an meiner Seite, USA 2010, Regie: Julie Ann Robinson)
She’s Out of My League (Zu scharf, um wahr zu sein, USA 2009, Regie: Jim Field Smith)
Sin Nombre (USA/Mexiko 2009, Regie: Cary Joji Fukunaga)

>>> Filmstarts 22. April 2010:

2010-04-29T17:16:00.001+02:00

Chloe (USA/F/Kanada 2009, Regie: Atom Egoyan)
Les Herbes Folles (Vorsicht sehnsucht, F 2009, Regie: Alain Resnais)
Kick-Ass (USA 2010, Regie: Matthew Vaughn)
Der Tag des Spatzen (D 2010, Regie: Philip Scheffner)
Vincent will Meer (D 2010, Regie: Ralf Huettner)
Young Victoria (USA/U.K. 2009, Regie: Jean-Marc Vallée)

>>> Filmstarts 15. April 2010:

2010-04-15T16:07:00.001+02:00

Black Forest (D 2010, Regie: Gert Steinheimer)
Coco Chanel & Igor Stravinsky (F 2009, Regie: Jan Kounen)
Cop Out (USA 2010, Regie: Kevin Smith)
Dorian Gray (Das Bildnis des Dorian Gray, U.K. 2009, Regie: Oliver Parker)
Date Night (USA 2010, Regie: Shawn Levy)
Friedensschlag (D 2010, Regie: Gerardo Milsztein)

>>> Filmstarts 8. April 2010:

2010-04-08T18:10:00.001+02:00

Auf der Walz (D 2010, Regie: Julia Daschner)
Clash of the Titans (Kampf der Titanen, USA 2010, Regie: Louis Leterrier)
Neukölln Unlimited (D 2010, Regie: Agostino Imondi, Dietmar Ratsch)
Shekarchi (Zeit des Zorns, D/Iran 2010, Regie: Rafi Pitts)
A Single Man (USA 2009, Regie: Tom Ford)

>>> Filmstarts 1. April 2010:

2010-04-08T17:55:00.000+02:00

The Bounty Hunter (Der Kautions-Cop, USA 2010, Regie: Andy Tennant)
Brooklyn’s Finest (Gesetz der Strasse, USA 2009, Regie: Antoine Fuqua)
Greenberg (USA 2010, Regie: Noah Baumbach)
Nanny McPhee and the Big Bang (Eine zauberhafte Nanny – Knall auf Fall in ein neues Abenteuer, U.K. 2010, Regie: Susanna White)
Waffenstillstand (D/CH 2009, Regie: Lancelot von Naso)

BROOKLYN'S FINEST

2010-04-08T17:51:00.000+02:00

Wer die folgende Inhaltsangabe von Brooklyn’s Finest – Gesetz der Strasse hört und auch nur peripher mit dem US-amerikanischen Genrekino vertraut ist, wird schwören, den Film bereits gesehen zu haben: Ein Cop, Ethan Hawke, der natürlich eigentlich nur die junge Familie ernähren will, wird von seiner Geldnot dazu getrieben, beschlagnahmte Drogengelder zu veruntreuen. Ein zweiter Cop, Richard Gere, er ist vom jahrzehntelangen Dienst sichtlich gealtert und – wie sollte es anders sein – nur Tage vom heiß ersehnten Ruhestand entfernt, soll einen grünschnabeligen Anfänger einarbeiten. Ein dritter Cop, Don Cheadle, der schwarz ist und folglich nur undercover ermitteln darf, muss mit der ständigen Angst leben, enttarnt zu werden, bevor er endlich den lange versprochenen Schreibtischdienst antreten darf. Auch wenn das Muster dieser Handlung, in der sich die Dramen der drei Polizisten freilich bald miteinander multiplizieren, gespenstisch vertraut klingt – ist Antoine Fuquas Brooklyn’s Finest tatsächlich in dieser Woche erstmals in deutschen Kinos zu sehen.

Nach drei gründlichen Fehltritten – dem kriegsgeilen Tears of the Sun, dem geschichtsverdrehenden King Arthur und dem waffenverherrlichenden Shooter – ist Fuquas unterdurchschnittlicher neuer Streifen Brooklyn’s Finest eine deutliche Verbesserung. Dass der Film ein schamloses Sammelsurium hunderter Polizeifilmklischees und somit unter anderem ein Abklatsch von Fuquas eigenem Training Day ist – geschenkt. Trotz allem unfreiwilligen Wiedererkennungswert wahrt auch Brooklyn’s Finest eine gewisse, allerdings unvermeidliche Unvorhersehbarkeit: Natürlich lässt sich nie sagen, ob die nächste dem Gegenüber ins Gesicht gehaltene Wumme gleich losgeht oder nicht. Dieser sozusagen „dialektische“ Spannungseffekt, der im Minutentakt zwischen Leben und Tod wandelt, hat indes wenig mit einem echten Überraschungsfaktor oder gar Nervenkitzel zu tun. Es spielt lediglich denselben stumpfsinnigen Trick sooft durch, bis sich auch der letzte Zuschauer dank der unheiligen Allianz von Gewöhnung und Abnutzung in die Gleichgültigkeit verabschiedet hat. Die einzige Stärke von Fuquas lahmem Copthriller bleibt seine handwerkliche Präzision, die immerhin eine angemessen elende Atmosphäre schafft. Darüber hinaus ist Brooklyn’s Finest – Gesetz der Strasse vor allem eines: verdammt beliebig.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

>>> Filmstarts 25. März 2010:

2010-03-26T11:22:00.001+01:00

The Blind Side (Blind Side – die grosse Chance, USA 2009, Regie: John Lee Hancock)
From Paris with Love (F 2010, Regie: Pierre Morel)
How to Train Your Dragon (Drachenzähmen leicht gemacht, USA 2010, Regie: Dean Deblois, Chris Sanders)
Im Haus meines Vaters sind viele Wohnungen (D/CH 2009, Regie: Hajo Schomerus)
Precious – Based on the Novel ‘Push’ by Sapphire (USA 2009, Regie: Lee Daniels)
Remember Me (USA 2010, Regie: Allen Coulter)
Schwerkraft (D 2009, Regie: Maximilian Erlenwein)

THE BLIND SIDE

2010-03-26T11:21:00.002+01:00

Es ist selten, dass in den deutschen Kinos am selben Tag zwei Filme starten, die sich derart ähnlich sind: The Blind Side und Precious. Und damit sind nicht etwa lediglich die jeweiligen, reichlich dämlichen Zusatztitel gemeint – das ist ja längst peinlichen zur Gewohnheit der hiesigen Verleiher geworden. Tatsächlich sind die Zusätze „Die große Chance“ und „Das Leben ist kostbar“ völlig austauschbar. Und sie werten beide Filme deutlich ab.

Beide Filme stammen aus den USA und erzählen von je einem schwarzen, körperlich überdimensionierten Jugendlichen, der die Nachteile des eigenen Erscheinungsbildes und des Aufwachsens am sozialen Abgrund zu überwinden versucht. Zudem werden beide eigentlichen Hauptrollen von erstmaligen Darstellern übernommen, je einen Oscar haben aber jeweils andere Mitspielerinnen erhalten.

The Blind Side wählt als Perspektive und Hauptfigur eine weiße Dame der oberen Zehntausend. Angelehnt an eine wahre Begebenheit nimmt die wohlhabende Mutter zweier eigener Kinder einen afroamerikanischen Jugendlichen unter ihre Fittiche. Nur dessen sportliche Eignung – und die Aussicht, aus ihm einen Football-Star zu formen – hatte ihm zuvor einen Platz an einer christlichen Schule in Memphis beschert. Da für die Teilnahme am Sportprogramm ein gewisser Notendurchschnitt erforderlich ist, bietet die weiße Familie dem jungen Riesen nicht nur ein Dach über dem Kopf, sondern besorgt ihm auch eine Nachhilfelehrerin. Als sich „Big Mike“ dann für ein College entscheiden soll, beginnt er, die scheinbar selbstlose Hilfe seiner neuen Familie in Frage zu stellen.

The Blind Side beruht auf der Lebensgeschichte von Michael Oher, der mittlerweile in der Profiliga NFL spielt. Auch wenn der Film dank der guten schauspielerischen Leistungen und einem sicheren Gespür für den schmalen Grat zwischen Komik und Tragik sehr unterhaltsam sein mag, ist The Blind Side in mancherlei Hinsicht nicht unproblematisch. Der echte Michel Oher wehrt sich jedenfalls vehement gegen seine Darstellung und in der Tat wirkt das fast makellose Portrait der weißen Gönnerfamilie oft etwas fragwürdig. Nicht umsonst ist auch Sandra Bullocks Oscar ausgerechnet für diese Rolle eines strahlenden Gutmenschen – wenn auch in eher leisen Tönen – kritisiert worden. Zweifellos besticht Bullock technisch, zumal sich kaum behaupten lässt, sie buhle in unangenehmer Manier um Sympathien. Fairerweise muss man auch festhalten, dass die lupenreine Selbstlosigkeit ihrer Familie gegen Ende des Films zumindest kleinere Risse erhält. Dennoch bleibt die Haltung, der Blickwinkel des Films von John Lee Hancock auf eine eigentlich schwarze Problematik stets weiß. Precious bietet dagegen das Gegenteil: einen schonungslosen Blick auf den Überlebenskampf seiner Protagonistin, der keine märchenhafte Lösung verspricht.

Wertung: ■■■■■■■■□□□□□□□ (8/15)

PRECIOUS

2010-03-26T11:20:00.001+01:00

In Amerika kennt jeder Gabourey Sidibe. Monatelang war sie, die alle nur Gabby nennen, der Star jeder Talkshow, ob Boulevard oder seriös. Aus heutiger Sicht mag das kaum verwunderlich sein, ist Gabby doch in den vergangenen Monaten für beinahe jeden erdenklichen Darstellerpreis nominiert gewesen, einschließlich Golden Globe und Oscar. Gewonnen hat sie „nur“ vergleichsweise kleinere Preise – und die Herzen einer ganzen Nation.

Wer ihr ohne Kenntnis dieser Vorgeschichte begegnet, mag kaum glauben, mit welcher Bewunderung das amerikanische Volk der jungen Frau zu Füßen liegt: Gabbys Hautfarbe ist tiefschwarz und sie ist stark übergewichtig, könnte rein äußerlich dem Ideal eines aufstrebenden Stars nicht weiter entfernt sein. Aber dieses vermeintliche Defizit, da ist man sich längst einig, macht Sidibe mit ihrem Charme und Witz spielend wett. Und mit ihrem großen Talent natürlich, von dem sie selbst bis vor kurzem wenig ahnte: der Schauspielerei.

Der seinerseits weitgehend unerfahrene Regisseur Lee Daniels hat Gabbys verborgene Gabe entdeckt und die sympathische kleine Lady aus deren Job in einem Call-Center auf direktem Wege in die Ruhmeshallen Hollywoods gehievt. Nicht weniger als die Hauptrolle in der der Verfilmung eines der schwarzen Kult-Bücher der Neunziger hat Daniels ihr zugemutet. Seine Umsetzung des Romans „Push“ der amerikanischen Autorin Sapphire trägt Sidibe mit einer Finesse, als sei sie eine Aktrice mit jahrelanger Bühnen- und Leinwanderfahrung. Zunächst tief verschlossen, dann umso erstaunlich lebendiger haucht sie jener gepeinigten 16-Jährigen Leben ein, auf deren Namen nun auch der Film hört: Precious. Deren kurze Lebensgeschichte könnte grauenvoller nicht sein: Nachdem der Vater sie seit Kindestagen vergewaltigt und nun bereits zum zweiten Mal geschwängert hat, fliegt sie von der Schule. Zuhause, im Ghetto Süd-Harlems, wartet die arbeitslose Mutter, ein verbitterter Drache, der Precious keine zusätzliche Demütigung erspart. Ohne jede ernsthafte Alternative hat die grandiose Mo’Nique für diese schlimme Rolle kürzlich den Oscar als beste Nebendarstellerin erhalten. In ihrer Unfassbarkeit übertroffen wird die Leistung der Komikerin einzig durch den Umstand, dass Mo’Nique selbst ein Opfer inzestuösen Missbrauchs ist.

Dennoch auszuhalten ist Precious vor allem, weil der Film neben den schwer verdaulichen Szenen, in denen die Erniedrigungen nachempfunden werden, vor allem vom Versuch der jungen Frau erzählt, dem familiären Grauen zu entkommen. In der Besetzung der weiteren Weggefährten beweist Regisseur Daniels, dass sein feines Casting-Gespür und seine effektive Schauspiel-Führung weit über die beiden Hauptrollen hinausreicht. Als minimaler Wermutstropfen lässt sich nämlich feststellen, dass Gabby und Mo’Nique ein weiteres halbes Dutzend unerwarteter Glanzleistungen überschatten, unter anderem von Paula Patton, Lenny Kravitz und – man sehe und staune – einer ungeschminkten, anrührenden Mariah Carey. Zudem hat Daniels einen audiovisuellen Weg gefunden, der die sprachlichen Experimente Sapphires zwar niemals ersetzt, der einzigartigen Sprache der Autorin aber eine ebenso unkonventionelle Inszenierung zur Seite stellt. Immer wieder wagt Precious stilistische Ausbrüche – und immer wieder trifft der Filme damit nichts nur ins Schwarze, sondern regelrecht in die schwarze Seele eines Volkes, das einen derart ungeschminkten Blick auf den Rand der eigenen Gesellschaft nicht häufig gestattet.

Bei den diesjährigen Black Reel Awards ist Precious mit nicht weniger als sieben Preisen der unvermeidliche Abräumer gewesen. Tatsächlich ist der Film von fast ausschließlich afroamerikanischer Handschrift: Vom Regisseur, der Romanautorin, dem oscarprämierten Verfasser des Drehbuches, beinahe allen Darstellern bis hin zur Produzentenriege um Oprah Winfrey sind sämtliche Schlüsselfiguren dieser Produktion schwarz. Nicht nur in dieser Hinsicht erscheint Precious wie ein Gegenentwurf zum ebenfalls bei den Oscars vertretenen The Blind Side. Der erzählt seinerseits die Geschichte eines jungen, afroamerikanischen Außenseiters – aber eben aus Sicht einer weißen Wohltäterin, mit entsprechend fahlem Beigeschmack. Precious ist dagegen von einer Wahrhaftigkeit, die mitunter sehr, sehr schwer zu ertragen ist, daneben aber einen unverstellten, verblüffend ehrlichen Hoffnungsschimmer bietet.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■□□ (13/15)

>>> Filmstarts 18. März 2010:

2010-03-18T10:00:00.001+01:00

Everybody’s Fine (USA 2009, Regie: Kirk Jones)
Green Zone (USA 2010, Regie: Paul Greengrass)
Legion (USA 2010, Regie: Scott Charles Stewart)
Tooth Fairy (Zahnfee auf Bewährung, USA/Kanada 2009, Regie: Michael Lembeck)
Waffenstillstand (D/CH 2009, Regie: Lancelot von Naso)

>>> Filmstarts 11. März 2010:

2010-03-11T12:50:00.001+01:00

Agora (Agora – Die Säulen des Himmels, USA/E 2009, Regie: Alejandro Amenábar)
Case 39 (Fall 39, USA 2009, Regie: Christian Alvart)
Edge of Darkness (Auftrag Rache, USA 2010, Regie: Martin Campbell)
Extraordinary Measures (Ausnahmesituation, USA 2010, Regie: Tom Vaughan)
Die Fremde (D 2009, Regie: Feo Aladag)
Jerry Cotton (D 2010, Regie: Cyrill Boss, Philipp Stennert)
Parkour (D 2009, Regie: Marc Rensing)

[Oscar-Special:] Requiem for an Academy. Das Phänomen THE HURT LOCKER

2010-03-08T17:56:00.002+01:00

Der beste Spielfilm des Kinojahres 2009 heißt The Hurt Locker. So haben es die knapp 6.000 stimmberechtigten Mitglieder der Academy of Motion Picture Arts and Sciences am Sonntag entschieden. In einem Jahr, das nicht nur mit James Camerons Avatar den – je nach Rechnung – wohl erfolgreichsten Film der Geschichte hervorgebracht hat (einen Film indes, dessen schwaches Drehbuch den lange sicher geglaubten Oscar als „Best Picture“ nicht allzu schmerzlich vermissen lässt); in einem Jahr, das mit Tarantinos Inglourious Basterds eine faszinierende Hochzeit aus Trash, hoher Kunst und einer rotzfrechen Geschichtsvariation hervorgebracht hat; in einem Jahr, das mit einer ganzen Handvoll mehr oder minder still gefeierten Perlen des Weltkinos – stellvertretend seien hier Sonos Love Exposure, Jarmuschs Limits of Control und Hanekes Das weisse Band genannt – als starkes Semester gelten darf. In diesem Kinojahr 2009 zeichnet die einflussreichste Vereinigung Filmschaffender eine in jeder denkbaren Hinsicht bescheidene Arbeit aus, die von einem Bombenentschärfungskommando der US-Armee im besetzten Irak erzählt.

In diesen Wochen haben die Macher von The Hurt Locker keine Gelegenheit ausgelassen – auch keine illegale, wie wir seit der subversiven Eigenwerbeattacke des Producers Nicolas Chartier wissen –, die angebliche „Unabhängigkeit“ ihres Produktes herauszuheben. Das ist ein strategisch eleganter Schwenk, der die finanzielle Übermacht des Hauptkonkurrenten Avatar geschickt für sich genutzt und die Psychologie des akademischen Stimmverhaltens ins genaue Gegenteil verkehrt hat. Dass diese gerade in den USA stets so fruchtbare Mär des Underdogs im Angesicht eines 21.000.000-Dollar-Budgets und der Unterstützung durch das (mit rund einer halben Milliarde Dollar Bruttoeinnahmen im vergangenen Geschäftsjahr immerhin weltweit siebterfolgreichste) Studio Summit bestenfalls grotesk ist, daran mag sich in Hollywood dieser Tage niemand so recht stören.

Diese sicher in der puren Verzweiflung der einstigen Chancenlosigkeit herbeigeredete, nun ja: Unabhängigkeitserklärung hat aber einen noch ungleich bittereren Beigeschmack. Selbst wenn sich The Hurt Locker tatsächlich brüsten dürfte, losgelöst von den gewaltigen Zwängen des Studiosystems entstanden zu sein – eine durch und durch finanziell bedingtes Abhängigkeitsverhältnis sind die Filmemacher bereitwillig eingegangen: Wie dem Abspann der Produktion zu entnehmen ist, hat sich Frau Bigelow vom echten US-Militär nur gerne unter die zarten Arme greifen lassen. In der langen Tradition der Zusammenarbeit zwischen dem amerikanischen Verteidigungsministerium und allzu kompromissbereiten Filmproduzenten verheißt dieses Credit ein simples Tauschgeschäft: Mit materieller und personeller Unterstützung hat sich das Pentagon die öffenlichkeitswirksame Freiheit erkauft, alle unliebsamen Elemente des Drehbuches eigenmächtig entfernen zu dürfen. Anders als durch diese kostenfreie Bezuschussung des zweifellos zentralen Ausstattungsmerkmals lässt sich indes das in der Tat verhältnismäßig niedrige Budget von The Hurt Locker kaum erklären.

Abhängig von einem der (ganz) großen Hollywood-Studios mag dieser Film nicht sein, sehr wohl befindet er sich aber in einem ideologischen Zwangsverhältnis ausgerechnet zum realen Vorbild des eigenen Untersuchungsgegenstandes, in einer Verbindung, deren Konditionen für den letztlich geldgebenden Steuerzahler gänzlich uneinsehbar sind. Auch ob die jede einzelne Dankesrede beschließenden Lobensworte für die „Männer und Frauen in Uniform“ Teil dieses wahrhaft dubiosen Geschäftspaktes sind, bleibt unüberprüfbar.

Eines muss man der Produktion gleichwohl zugestehen: Die auf dem Felde der Suchtforschung einschlägige Problematik von wechselseitigen Abhängigkeitsverhältnissen reflektiert der Film immerhin – wenn auch freilich unbewusst – inhaltlich und bietet „warnography“ in Formvollendung. Mit dieser trefflichen Wortverschmelzung hat Georg Seeßlen eben das beschrieben, was Bigelow in The Hurt Locker stil- und zielsicher ausbuchstabiert: Militainment, das sich im Schmutz kriegerischer Gewalt suhlt und noch jeder Verstümmelung einen Funken Schönheit abringen kann. Bar jedweder Distanz oder Differenzierung wirbt der Film für das Leben, nein: Arbeiten im sinnstiftenden Elend. Man hätte der Regisseurin noch eine weitere Auszeichnung verleihen sollen, die für die beste filmische Umsetzung eines eingangs eingeblendeten Zitats. Den erschreckend wörtlich gemeinten Ausspruch „war is a drug“ des bekennenden Kriegsfetischisten Chris Hedges bebildert Bigelow traumwandlerisch sicher. Der Drogenmetapher des Nahost-Journalisten fehlen jegliche negativen Konnotationen, Krieg versteht der Autor der dazugehörigen Publikation War Is a Force That Gives Us Meaning nicht etwa als krankhafte Sucht, sondern als ultimativ stimulierende, gleichsam schöpferische Kraft. Dem menschlichen Kriegszustand kann der begeisterte Afghanistan- und Irak-Reporter „fantastische Qualitäten“ und eine „dunkle Schönheit“ abgewinnen.

Hedges, Bigelow und dem ebenfalls mit einem Oscar belohnten Drehbuchautor Mark Boal gemeinschaftliche, arglistige Rekrutierungsarbeit für die US Army zu attestieren, greift da noch zu kurz. The Hurt Locker betreibt, in demonstrativem Desinteresse für den abgebildeten Irakkrieg, eine viel grundsätzlichere Massenmeinungsbildung, die den Sinn oder Unsinn eines konkreten Waffenganges spielend transzendiert. Der Film ist nicht etwa bloß eine perfide Cowboy-und-Indianer-Variante der Besetzung des Iraks, er ist in seinem komplexen Konstrukt aus schamloser Kriegspornografie und einer gespielt treudoofen Haltung die perfekte Propaganda: effektive Stimmungsmache, die sich authentisch ahnungslos gibt.

Der ziemlich dümmliche Kalauer über die „Bombenstimmung im Irak“ würde Kathryn Bigelow, das ist leider keine bösartige Unterstellung, wohl gut gefallen. Man kann ihm nur fassungslos hinzufügen: In Hollywood herrscht die ganz offensichtlich auch.

>>> Filmstarts 4. März:

2010-03-04T13:24:00.001+01:00

Alice in Wonderland (Alice im Wunderland, USA 2010, Regie: Tim Burton)
Boxhagener Platz (D 2010, Regie: Matti Geschonneck)
Crazy Heart (USA 2009, Regie: Scott Cooper)
The Men Who Stare at Goats (Männer, die auf Ziegen starren, USA 2009, Regie: Grant Heslov)
Der Räuber (D/Ö 2010, Regie: Benjamin Heisenberg)
Sorority Row (Schön bis in den Tod, USA 2009, Regie: Stewart Hendler)

CRAZY HEART

2010-03-04T13:22:00.001+01:00

Getragen von der intensiven – und vermutlich bald oscarprämierten – Leistung von Jeff Bridges erzählt die Romanverfilmung Crazy Heart von einem alternden Country-Star, der die Blüte seiner achtbaren Karriere längst hinter sich gelassen hat. Schwer gezeichnet vom Alkohol und vier gescheiterten Ehen muss sich Bad Blake mit bescheidenen Auftritten in ländlichen Kneipen durchschlagen. Da trifft es sich gut, dass er die Gelegenheit erhält, die Show eines umschwärmten, ein paar Jahrzehnte jüngeren Sängers zu eröffnen. Colin Farrell spielt jenen Tommy Sweet, dessen Werdegang einst als Vorprogramm zu Bad Blakes Glanzzeiten begonnen hatte, und bestreitet sämtliche Gesangseinlagen, ebenso wie Bridges, routiniert höchstselbst. Als Bad, der seinen wahren Namen erst auf dem eigenen Grabstein preisgeben will, bei einem Interview die junge Mutter Jean trifft, erscheint endlich auch privater Hoffnungsschimmer am Horizont. Vollkommen zu Recht ist auch Maggie Gyllenhaal für ihre Rolle als ungewöhnlicher love interest für einen Oscar nominiert.

Souverän entfaltet Erstlingsregisseur Scott Cooper in Crazy Heart die zwar konventionelle, aber dennoch mitnehmende Story eines gefallenen Helden, der den wortwörtlichen Kater einer feucht-fröhlichen Karriere als beliebter Country-Sänger zu überstehen versucht. Angelehnt an die Lebensgeschichte von Legenden der Szene wie Kris Kristofferson oder Hank Thompson, entwickelt der Film eine Biografie, die unaufgeregt die Balance zwischen emotionalem Niedergang und zaghafter Versöhnung findet. Untermalt von einer auch für Verächter der nordamerikanischen Folklore erträgliche Dosis Musik, ist Crazy Heart ein grundsolides Drama, das dank der großartigen Darsteller fesselnde Momente hat.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

THE MEN WHO STARE AT GOATS

2010-03-04T13:18:00.000+01:00

Nein, der Titel dieses Filmes ist keinem selten zitierten Sprichwort zu verdanken. Auch jegliche Metaphorik oder Umgangssprache fehlt dem Ursprung dieser denkbar merkwürdigen Überschrift. The Men Who Stare at Goats zeigt in der Tat, so ist dessen Plot im Wesentlichen zusammenfassen und lautet nicht umsonst der deutsche Verleihtitel des Filmes: Männer, die auf Ziegen starren. Diese Männer sind Soldaten und ihre Blicke durchbohren die ahnungslosen Tiere nicht bloß im übertragenden Sinne – sie starren, um zu töten.

Aus seinem Selbstverständnis als, nun ja, Kriegssatire macht The Men Who Stare at Goats keinen Hehl: Gleich in der ersten Szene läuft ein finster dreinblickender Herr in Tarnfarben – nach langer, intensiver Konzentrationsphase – mit Karacho gegen eine Wand. Aus der Sicht des privat wie beruflich glücklosen Reporters Bob Wilton (Ewan McGregor) berichtet der Film von denkbar Sonderbarem: Zu Zeiten des Vietnamkrieges habe sich eine Sondereinheit der US-Army formiert, die sich Elemente der „New Age“-Bewegung sowie parapsychologische Methoden zueigen gemacht habe. Begründer dieser „New Earth Army“ sei ein gewisser Bill Django (Jeff Bridges), ein Veteran, der das Heil der Armee in einer Vereinigung von Hippietum und konventioneller Kriegsführung sehe. Dessen eifrigster Schüler Lyn Cassidy (George Clooney), den Möchtegern-Journalist Bob in Kuwait trifft, behauptet nun, für den „War on Terror“ reaktiviert worden zu sein. Kurzerhand beschließt Bob, dem geheimnisvollen Lyn auf eine mysteriöse Mission in den Irak zu begleiten, die einige unschöne Überraschungen für das ungleiche Duo bereithält.

Wer glaubt, diese äußerst skurrile Komödie sei den Hirnwindungen eines verwirrten Drehbuchautors entsprungen, irrt – teilweise. Denn in der Tat basiert das Skript von The Men Who Stare at Goats auf einem überaus ernst gemeinten Sachbuch, das, wenigstens phasenweise, schwer vorstellbare, aber durchaus erwiesene Fakten zusammenträgt. Einzig die persönlichen Charaktere hat Grant Heslov, langjähriger Geschäftspartner von Clooney und seinerseits Autor und Schauspieler, für sein Regiedebüt erdichten lassen. Die Bemühungen der US-Armee auf dem Felde paranormaler und psychedelischer Kampfmethoden hat es dagegen tatsächlich gegeben. Schade also, dass Heslov daraus eine hemmungslos überzeichnete Parodie gesponnen hat, die sich viel zu selten auch nur halbwegs ernsthaft mit ihrem Untersuchungsgegenstand auseinandersetzt. Übrig bleibt so eine erstaunliche, unterhaltsame, abgedrehte Kriegspersiflage, die dank der beachtlichen Darstellerriege sicher sehenswert ist, ihre potenzielle Sprengkraft aber nie wirklich entfaltet.

Wertung: ■■■■■■■■■□□□□□□ (9/15)

>>> Filmstarts 25. Februar:

2010-02-25T14:06:00.001+01:00

9 (#9, USA 2009, Regie: Shane Acker)
The Bad Lieutenant – Port of Call: New Orleans (USA 2009, Regie: Werner Herzog)
Nine (USA 2009, Regie: Rob Marshall)
Oceans (Unsere Ozeane, F 2009, Regie: Jacques Perrin, Jacques Cluzaud)
Plastic Planet (D/Ö 2009, Regie: Werner Boote)
Shutter Island (USA 2009, Regie: Martin Scorsese)

NINE (2009)

2010-02-25T14:04:00.002+01:00

Federico Fellinis Filmklassiker 8½ (1963) trägt seinen etwas sonderbar anmutenden Titel aus gutem Grund: Laut eigener Zählweise – bei der Kurzfilme als halbe Werke erfasst werden – ist es der achteinhalbte Langspielfilm Fellinis. Und es ist ein denkbar selbstreflexives Kunstwerk, in dem sich der italiensche Regisseur mit seinen eigenen Schwierigkeiten des kreativen Prozesses auseinandersetzt, eben jenen Film zu drehen, der sich vor unseren Augen entfaltet. Oder, wie es der Filmtheoretiker Christian Metz so eloquent formuliert hat: „8½ ist der Film, in dem 8½ entsteht.“

Anfang der 1980er hielt es der Dramatiker Arthur Kopit für angebracht, die Grundzüge des Fellini-Filmes in einem Musical wiederzuverwerten. Er nannte es, da er darin allen Ernstes eine Weiterentwicklung von 8½ sah, wenig originell „Nine“. Nach Jahrzehnten Bühnenerfolg entschloss sich dann der Musical-erprobte amerikanische Regisseur Rob Marshall, das Stück seinerseits für die Leinwände Hollywoods zu adaptieren. Übrig geblieben ist in Nine nun ein italienischer Starregisseur, den eine Schreibblockade daran hindert, nach einigen Flops wieder an alte Glanzzeiten anzuknüpfen. Geplagt wird er zudem von einem halben Dutzend mehr oder minder fordernder Damen, die den armen Künstlerkopf gehörig durcheinander bringen.

Und dann stellt sich auch in Nine wieder jene Beliebigkeit ein, die schon den Oscar-Regen für Chicago (2002) so unverständlich erscheinen ließ. Auch in seinem neuerlichen Musik-Film reiht Marshall wieder eine gesungene Einlage an die nächste, unterbrochen von recht verzweifelten Versuchen, zumindest dem Protagonisten eine gewisse Charaktertiefe zu verleihen. Dabei ist Daniel Day-Lewis als Guido Contini, wie zu erwarten, sehr gut. Dennoch schafft selbst er es nicht, die ursprüngliche Wunschbesetzung Javier Bardem vergessen zu lassen, der wegen eines Erschöpfungssyndroms hatte absagen müssen. Auch die sonstige Besetzungsliste liest sich fabelhaft, wenigstens halbwegs zu überzeugen weiß aber nur Marion Cotillard als Continis gehörnte Ehefrau. Penélope Cruz spielt, immerhin mit großem Einsatz, ihre übliche Nummer als hysterische Geliebte herunter, gestandene Stars wie Nicole Kidman, Judi Dench und Sophia Loren bleiben dagegen völlig blass. Den Gipfel der Peinlichkeit erklimmt indes Kate Hudson, deren geträllerte Hommage an das „Cinema Italiano“ vor allem eine gepfefferte Portion Fremdscham hervorruft.

Überhaupt hat diese vermeintliche Verneigung vor dem italienischen Kino erschreckend wenig mit demselben gemein. Die vielen Referenzen an das Filmemachen selbst mögen wenigstens für Cinephile ein netter Nebeneffekt sein, die satirische Brisanz des seinerzeit von Marshalls Co-Autor Michael Tolkin geschriebenem Robert-Altman-Film The Player (1997) erreicht Nine dagegen nicht einmal ansatzweise. "08/15" wäre wohl der weitaus passendere Titel gewesen. Wie der Genius des post-neorealistischen Klassikers schließlich in dieses hohle Spektakel münden konnte, bleibt rätselhaft. Dann doch bitteschön wirklich lieber Fellini im Original.

Wertung: ■■■■■□□□□□□□□□□ (5/15)

SHUTTER ISLAND

2010-02-25T14:02:00.000+01:00

Die Verfilmung eines zuvor publizierten Buches gehört zu den heikelsten Unterfangen der Filmkunst. Wer kennt es nicht, das ernüchternde Gefühl, trotz aller Vorfreude von der Kinoversion eines geliebten Textes gründlich enttäuscht zu sein? In diesem Sinne, so muss man feststellen, ist jeder Leser ein Filmemacher. Vor seinem inneren Auge werden die Worte ganz unweigerlich zu Bildern. Und lässt sich diese eigene Visualisierung nicht mit der des Regisseurs vereinbaren, keimt allzu rasch gehöriger Widerwille im Betrachter auf.

Dass die Übertragung eines geschriebenen, eines gelesenen Erzeugnisses in eine andere, die audiovisuelle Kunstform einer höchst individuellen Sichtweise zugrunde liegt, sollte wohl jedem Filmemacher bewusst sein. „Lesart“ einmal wörtlich genommen, sozusagen. Die landläufig favorisierten Antworten auf die schwierige Frage nach dem Pfad zu einer angemessenen Adaption liegen indes an den beiden Enden einer breiten Skala: Entweder man möge sich der Vorlage möglichst treu ergeben oder derselben eine gänzlich eigenständige Variante gegenüberstellen.

Mit Shutter Island nimmt sich Starregisseur Martin Scorsese nun einen modernen Klassiker, wenn auch einen eher heimlichen, der populären und doch anspruchsvollen Schreibkunst vor. Die Messlatte erhöht allerdings nicht alleine die Vorzüglichkeit von Dennis Lehanes Werk. Auch dass Clint Eastwood (Mystic River) und Ben Affleck (Gone Baby Gone) unlängst überzeugende Verfilmungen der Romane Lehanes vorgelegt haben, dürfte den Druck auf Scorsese nicht gemindert haben.

Abgesehen von einem kaum übertragbaren Prolog scheint sich Shutter Island zunächst eng an sein literarisches Vorbild zu halten. Leonardo DiCaprio als US-Marshal Teddy Daniels und Mark Ruffalo als dessen Partner erreichen per Fähre Shutter Island, eine kleine Insel in der Bostoner Bucht. Wir schreiben das Jahr 1954. In einer von der Außenwelt abgeschotteten Institution für psychisch kranke Schwerverbrecher sollen die Marshals das Verschwinden einer gefährlichen Patientin aufklären. Schnell erweist sich, dass nicht nur die Umstände des Vorfalls äußerst mysteriös sind, sondern Daniels selbst in die merkwürdigen Machenschaften auf der Insel verwickelt scheint.

Shutter Island ist ein Psychothriller im wörtlichen Sinne. Rigoros erzählt er von geistigen Krankheiten und seelischen Untiefen – und wirkt dabei nachhaltig auch auf Gemütszustand des Zuschauers. Wendungs- und trickreich entführt der Film in eine andere, ein denkbar düstere, vermeintlich abnorme Welt. In allererster Linie ist dieser differenzierte Eskapismus, den das Werk in selten sogartiger Manier entwickelt, ein Verdienst der Regie. Unter den kaum zählbaren klugen Entscheidungen, die Martin Scorsese in seiner Adaption des grandiosen Romans getroffen hat, ist auch die, auf eine eigens komponierte Filmmusik zu verzichten. Stattdessen formt er durch eine stimmige Mischung aus Mahler und Cage, aus György Ligeti und Brian Eno einen ohrenbetäubenden Klangteppich, der durch Mark und Bein geht. Wie leicht hätte dagegen ein Original Score die verstörende Schönheit des Gezeigten entwerten können.

Scorseses Renommee ist es zu verdanken, dass Shutter Island bis in den kürzesten Gastauftritt nicht nur beachtlich prominent, sondern in jedem Einzelfall exzellent besetzt ist. Über des Filmemachers fortgesetztes Zusammenspiel mit DiCaprio müssen nicht mehr viele Worte verloren werden, der Hauptdarsteller brilliert abermals als schwer gepeinigte Seele. Aus dem Ensemble herauszuheben sind zudem Ben Kingsley, der als Chefarzt des Hospitals glänzt, und Michelle Williams, die Daniels’ verstorbene Ehefrau in den magisch-beunruhigenden Traumsequenzen des Films verkörpert.

Dass Shutter Island auch die letzte Hürde auf dem Weg zu einer herausragenden Adaption überwindet, verrät erst eine weitere Lektüre von Lehanes Meisterwerk. Diesen höchsten Ritterschlag verdient sich Scorseses Film durch die seltene Doppelleistung, einerseits in jedem Moment – auch jeder Kürzung und kosmetischen Abweichung – der Vorlage treu zu bleiben, andererseits das Buch aber eben auch nach dem Filmgenuss lesenswert zu belassen. Während sich die Verfilmung zunächst ungemein textnah anfühlt, beweist ein zweiter Blick in Lehanes Schrift, dass diese sehr wohl viele Ergänzungen bietet, deren Fehlen man der Filmversion aber wiederum nicht anmerkt. Zudem bewahrt freilich Lehanes unnachahmliche Sprache, jene doppelbödige Poesie, spielend den immensen Wert des Buches.

Shutter Island widerlegt mit Nachdruck die These, eine Romanverfilmung müsse sich zwischen einer huldvollen Umsetzung einerseits und einer riskanten Loslösung von ihrer Vorlage andererseits entscheiden. Scorsese und seiner Drehbuchautorin Laeta Kalogridis ist gewissermaßen beides gelungen – das Ergebnis ist indes weit mehr als die Summe dieser beiden Gegenteile. Es lässt Film und Roman eigenständig nebeneinander stehen, lässt den Text in den Lichtbildern durchscheinen, transzendiert ihn mit Verve, geht aber eben nicht vollends in ihm auf. Man kann einer Kinoadaption kaum kein größeres Kompliment aussprechen.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■■□ (14/15)

>>> Filmstarts 18. Februar 2010:

2010-02-18T13:20:00.000+01:00

The Book of Eli (USA 2010, Regie: Albert & Allen Hughes)
An Education (U.K. 2009, Regie: Lone Scherfig)
Die Friseuse (D 2010, Regie: Doris Dörrie)
The Ghost (Der Ghostwriter, D/F/U.K. 2010, Regie: Roman Polanski)
Invictus (USA 2009, Regie: Clint Eastwood)
The Lovely Bones (In meinem Himmel, USA 2009, Regie: Peter Jackson)
Rock It (USA 2010, Regie: Mike Marzuk)

INVICTUS

2010-02-18T13:19:00.000+01:00

Lange ist Clint Eastwoods neuer Film, seine dreißigste (!) Regiearbeit, als Filmbiografie Nelson Mandelas angekündigt worden. In Wahrheit ist Invictus jedoch in erster Linie ein sorgfältiges Sportdrama, das es gleichzeitig nicht versäumt, Essentielles über das Leben und Wirken Mandelas zu kommunizieren.

Die Verfilmung setzt mit der Entlassung Mandelas im Jahr 1990 an. Bereits in diesen frühen Szenen verkörpert der große Morgan Freeman den berühmten Menschenrechtler und Politiker mit leidenschaftlicher Akribie. Ebenso gewissenhaft vollzieht Invictus in der Folge die schwierige Amtseinführung Mandelas nach. Dabei nutzt Eastwood die Leibwächtergarde des neuen südafrikanischen Staatsoberhauptes, um die nach wie vor schwelende Rassismusproblematik zu verdeutlichen: Zunächst geraten die schwarze und die weiße Fraktion der Personenschützer heftig einander, müssen gemäß der mutigen Vision Mandelas aber bald lernen, friedlich zusammenzuarbeiten. Spätestens nach diesem ersten Filmdrittel tritt sodann der Volkssport Südafrikas, Rugby, in den Vordergrund der Erzählung. Mandela erkennt das vereinende Potenzial der anstehenden Weltmeisterschaft und nutzt die mit einem Formtief kämpfende Nationalmannschaft, um die sozialen Spannungen abzubauen. Dabei trifft er auf den (weißen) Kapitän der „Springboks“, François Pienaar. Trotz körperlicher Uneignung wird Pienaar, der sich von Mandelas Lebens- und Leidensweg inspirieren lässt, von Matt Damon eindringlich dargestellt.

Wie sich Eastwood die sportliche Nacherzählung des durch den Filmtitel leider preisgegebenen Erfolges des südafrikanischen Rugby-Teams seinerseits zunutze macht, ist abermals exzellent. Mit zunehmend wenigen Szenen, die in einem reinen Politdrama zu erwarten gewesen wären, gelingt es dem nunmehr 78-jährigen Regisseur, die historischen und politischen Implikationen des Endes der Apartheid glaubhaft nachzuzeichnen. Dass sich Invictus im letzten Abschnitt der Spieldauer dann fast ausschließlich auf den Sport konzentriert, ist kaum verwunderlich, liegt dem Film doch das Buch „Playing the Enemy“ des Sportjournalisten John Carlin zugrunde.

Neben den beizeiten etwas arg emotionalisierten Spitzen der Inszenierung liegt die einzige Schwäche von Eastwoods Film wohl darin, wie bedingungslos dessen Regisseur seinen Protagonisten verehrt. Auch wenn Gegenteiliges schwerlich einzufordern ist, fehlt der filmischen Charakterisierung somit die letzte energetische, mitunter unangenehme Spannung, die etwa Oliver Stones Nixon-Biografie auszeichnet. Da Eastwood und seinem Film aber kaum die unbestrittenen Errungenschaften Nelson Mandelas anzulasten sind, darf Invictus als gutes Filmportrait gelten, das einer schillernden Persönlichkeit unserer Zeitgeschichte ein sehr „sportliches“, aber überaus würdiges Denkmal setzt.

Wertung: ■■■■■■■■■■■□□□□ (11/15)

THE LOVELY BONES

2010-02-18T13:18:00.000+01:00

Die schwierige Aufgabe, welchen Film er auf seine milliardenschwere „Lord of the Rings“-Trilogie folgen lassen würde, hat Peter Jackson geschickt gelöst. 2005 wählt er erneut eine weltweit bekannte Geschichte und dreht ein spektakuläres Remake von King Kong. Auch für sein neues Projekt stützt sich Jackson auf ein bereits zuvor erfolgreiches Buch, legt mit The Lovely Bones jedoch einen weitaus kleiner dimensionierten Film vor.

Basierend auf dem gleichnamigen Roman von Alice Sebold, zeigt The Lovely Bones (dt.: In meinem Himmel) ein achtjähriges Mädchen, das aus einer Welt zwischen Leben und Tod von ihrer eigenen Ermordung erzählt. Obwohl gegenüber der Vorlage viele Details verändert worden sind, übernimmt Jackson in seiner Verfilmung die narrative Struktur des Buches, in der jene Susie nicht nur die Umstände ihres eigenen Todes kommentiert. Zudem fasst die ungewöhnliche Erzählerin ihr kurzes Dasein vor dem tragischen Unglück zusammen und beobachtet, wie ihre Familie und auch ihr Mörder mit ihrem Ableben umgehen.

Erstaunlicherweise erweist sich Peter Jacksons neuer Film als Drama als eher beliebig. Zwar ist die Geschichte des aus dem Jenseits erzählenden Mädchens auf seltsame Weise charmant und oft sehr mitnehmend. Manchen emotionalen Anknüpfungspunkt verspielt Jackson aber durch die arg kitschigen Effekte „seines“ Himmels. In gedeckt grellen Farben spielt der Film mit allerlei abstrakten Visualisierungen der – übrigens völlig areligiösen – Zwischenwelt, entwirft aber nie einen in sich stimmigen Kosmos.

Weitaus erfolgreicher funktioniert The Lovely Bones dagegen als erstaunlich düsterer Thriller. Immer wieder baut der Film knisternde Spannungsbögen auf, die sich insbesondere auf die Frage zuspitzen, ob Susies Mörder überführt werden kann oder gar weitere Verbrechen begehen wird. Stanley Tucci, zu Recht für einen Oscar als bester Nebendarsteller nominiert, verleiht dem Antagonisten eine dankenswerterweise durchaus ambivalente Gestalt. Auch die junge Saoirse Ronan darf, gerade wegen ihres geringen Bekanntheitsgrades, als passende Besetzung der Hauptrolle gelten.

Mit The Lovely Bones ist Peter Jackson eine nachdenkliche Adaption des Erfolgsromans von Alice Sebold gelungen, die auf manchen überzogenen Effekt gut hätte verzichten können, besonders als packendes Thrillerdrama aber insgesamt überzeugt.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

>>> Filmstarts 11. Februar:

2010-02-12T14:02:00.000+01:00

Max Manus (DK//D/N 2008, Regie: Joachim Rønning, Espen Sandberg)
Percy jackson & the Olympians: The Lightning Thief (Percy Jackson – Diebe im Olymp, USA 2010, Regie: Chris Columbus)
Valentine’s Day (Valentinstag, USA 2010, Regie: Garry Marshall)
The Wolfman (USA 2010, Regie: Joe Johnston)
Die zwei Leben des Daniel Shore (D 2009, Regie: Michael Dreher)

>>> Filmstarts 4. Februar 2010:

2010-02-04T16:08:00.001+01:00

Armored (USA 2009, Regie: Nimrod Antal)
Beyond a Reasonable Doubt (Gegen jeden Zweifel, USA 2009, Regie: Peter Hyams)
Flickan Som Lekte Med Elden (Verdammnis, S 2009, Regie: Daniel Alfredson)
Giulias Verschwinden (CH 2009, Regie: Christoph Schaub)
She, a Chinese (D/F/U.K. 2009, Regie: Xiaolu Guo)
Up in the Air (USA 2009, Regie: Jason Reitman)
Zeiten ändern Dich (D 2010, Regie: Uli Edel)

BEYOND A REASONABLE DOUBT

2010-02-04T16:03:00.001+01:00

Wer sich als Vorlage eines Remakes ausgerechnet einen Film der Regie-Legende Fritz Lang wählt, gerät schnell in einen unguten Generalverdacht. Zum Glück lässt der amerikanische Action-Spezialist Peter Hyams für seinen neuen Film die zeitlosen Meisterwerke Langs unangetastet – die drei großen M: Metropolis (1927), M (1931) und (Das Testament des Dr.) Mabuse (1933). Stattdessen versucht sich Hyams an einer Neuauflage von Beyond a Reasonable Doubt (1956), einem eher durchschnittlichen Krimi aus der Spätphase Langs.

Entgegen der einschlägigen Werbung, die einen packenden Thriller verspricht, plätschert der Beginn des ebenso betitelten Remakes erstaunlich gemächlich vor sich hin. Einzig den erkennbar professionellen Produktionsumständen ist es zu verdanken, dass sich das Niveau von Beyond a Reasonable Doubt leicht über dem einer Soap Opera bewegt. Jesse Metcalfe, der Gärtner aus der ersten Staffel von „Desperate Housewives“, gibt den ziemlich unglaubwürdigen Nachwuchsjournalisten C.J., der sich auf der Spur einer spektakulären Story wähnt und mit einer jungen Dame anbandelt. Die ist nicht zufällig die Assistentin des Mannes, auf den er es abgesehen hat. Auftritt Michael Douglas, der als smarter Bezirksstaatsanwalt für die erste sehenswerte Szene des Filmes sorgt, insgesamt aber sträflich unterfordert und überbesetzt wirkt. Nach dem kurzen Ausflug in den Gerichtssaal setzt sich die pseudojournalistischen Seifenoper fort, als C.J. den mutmaßlich korrupten Staatsanwalt in eine ausgeklügelte Falle zu locken versucht, dabei aber selbst in akute Lebensgefahr gerät.

Aus der recht viel versprechenden, weil wendungsreichen Geschichte macht Beyond a Reasonable Doubt erschreckend wenig. Stattdessen wirken die schauspielerischen Leistungen so trocken, dass man das Gefühl nicht los wird, im Schnitt sei ein fataler Fehler unterlaufen, es seien versehentlich die jeweiligen Probeaufnahmen im finalen Film gelandet. Die Besetzung durch Michael Douglas erweist sich als vollkommen verschenkt – offenbar nicht mehr als eine vorauseilende Promotion-Maßnahme. Der vermeintlich plötzliche Twist am Filmende kann einige der Kritikpunkte ausmerzen, aber bei weitem nicht alle. Zwar erübrigen sich so Fragen etwa nach dem anfänglichen Vorgehen C.J.s, vieles bleibt dennoch diffus und unausgereift. Mit Beyond a Reasonable Doubt ist Peter Hyams lediglich das unfreiwillige Kunststück gelungen, aus einem mittelprächtigen Thriller einen unterdurchschnittlichen zu zaubern.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

UP IN THE AIR

2010-02-04T16:01:00.001+01:00

Als siebter Mensch der Welt 10 Millionen Flugmeilen zu erreichen – das ist das Lebensziel von Ryan Bingham. Während andere von Kreuzfahrten, teuren Autos oder einem Full-HD-Beamer träumen, hat Ryan nur die Mitgliedschaft in der exklusiven Vielflieger-Höchstklasse im Visier. Auch mit Ende 40 endlich sesshaft zu werden, gar eine eigene Familie zu gründen, kommt dem smarten Mann nicht in den Sinn. Stattdessen lebt Ryan förmlich in der Luft, immer neue Hotels sind sein einziges Zuhause. Von einem Auftrag zum nächsten zu reisen und dabei im Wochenrhythmus die gesamten USA zu durchqueren, ist nicht nur sein Alltag, dieser unstete Lebenswandel ist Ryans Erfüllung.

Pikanterweise ist dieser Ryan Bingham, den George Clooney mit einiger Finesse verkörpert, nicht irgendein Handlungsreisender: Ryan feuert Menschen, täglich Dutzende. Wenn feige Personalchefs nicht den Hiobsbotschafter spielen wollen, überbringt er die Schreckensnachricht den ahnungslosen Angestellten. Auch diese delikate Note seines Tuns scheint Ryan keine Bauchschmerzen zu bereiten. Ohne Skrupel, aber eben auch nicht herzlos entlässt er fremde Menschen in die Arbeitslosigkeit. Doch, wie sollte es anders sein, auch diese etwas sonderbare Idylle kann nicht von langer Dauer sein. Eine blutjunge Harvard-Absolventin (Anna Kendrick aus Twilight und New Moon) hat Ryans Boss (Jason Bateman) von einem neuen Kündigungsprocedere via Webcam überzeugt – eine Modernisierung, die den passionierten Durchreisenden an den Schreibtisch fesseln würde. Plötzlich gerät Ryans sorgsam zurechtgelogene Glückseligkeit kräftig ins Wanken.

Mit seinem dritten Film Up in the Air liefert Jason Reitman eine im wahrsten Wortsinne luftige Komödie ab, die ihr durchaus schwerwiegendes Thema sympathisch transportiert. Geschickt verwebt Reitman die skurrile Geschichte seines Protagonisten mit einer stetig schwelenden Kritik an der Fragilität mancher moderner Lebensentwürfe. Auch die tägliche Realität gesichtsloser Zeitungsmeldungen über Massenentlassungen erfährt so eine durchaus löbliche Würdigung, zumal der Film mehrfach die Reaktionen echter Arbeitsloser in die fiktive Handlung montiert. Zwar erreicht Up in the Air nicht die mondäne Klasse des oscargekrönten Vorgängers Juno, ist seinerseits aber eine wunderbar goutierbare Hollywood-Farce mit der nötigen Portion Pathos.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

ZEITEN ÄNDERN DICH

2010-02-04T15:56:00.001+01:00

Die Verfilmung der Autobiografie eines Rappers, dem verschiedentlich Rechtsextremismus, Antisemitismus, Homophobie und Frauenfeindlichkeit vorgeworfen wird und der mehrfach vorbestraft ist, verheißt wenig Gutes. Wenn sich dieser in einer millionschweren Produktion dann auch noch selbst spielen darf, sollten die Alarmglocken laut schrillen. Auch dass Erfolgsproduzent Bernd Eichinger das Drehbuch geschrieben und der Regisseur des unsäglichen Baader Meinhof Komplexes [sic], Uli Edel, auf dem Regiestuhl Platz genommen hat, sollte die wenigsten zuversichtlich stimmen.

Tatsächlich bestätigt Zeiten ändern dich ab seiner ersten Spielminute so gut wie alle Vorurteile. Mit seinem sonoren Voice-Over unterstreicht Hauptfigur- und darsteller Bushido sogleich seine völlige Uneignung als Besetzung seiner selbst. Im Folgenden stellt sich eine unangenehme Mischung ein aus talentfreien Laien, die immerhin leidlich authentisch wirken, ausgebildeten Jungdarstellern, deren gekünsteltes Assi-Gehabe reichlich unglaubwürdig erscheint, und grotesken Gastauftritten gestandener Schauspieler. Das Gewirr aus derber Gossen- bzw. Jugendsprache bietet eine Handvoll Realitätsnähe, eine Prise Fremdscham und eine gehörige Portion unfreiwilliger Komik. Strukturiert wird die verzweifelte Mixtur aus Biopic, Gangsterfilm und Coming-of-Age-Drama durch besagte Erzählerstimme und eine betont unchronologische Erzählweise, die sich offenbar an namhaften filmischen Portraits anlehnt.

Erstaunlicherweise hat Zeiten ändern dich durchaus seine Momente. Bis zur ersten dieser Szenen, die das Unterfangen immerhin als der Gattung Spielfilm zugehörig markieren, verstreicht allerdings einige Zeit. Die zähe Exposition samt gerapptem „Erlkönig“ und allerlei Drogendealerei ist eben vorbei, als Bushido in Reaktion auf den Anruf seines verhassten Vaters „live“ einen neuen Text dichtet, bis die stockende Performance schließlich in einen Auftritt mit Publikum übergeht. Überhaupt sind sämtliche der wohl dosierten Konzertaufnahmen recht stimmig inszeniert und lassen wenigstens vermuten, wie sie auf einen Fan der Musik wirken dürften. Aber gerade diese lichten Momente verdanken ihre Intensität dem vielleicht beschämendsten Beigeschmack der Verfilmung: Ohne jede eigene Haltung eignet sich Zeiten ändern dich die persönliche und oft schlicht nicht sehr glaubhafte Perspektive Bushidos an. So wird etwa das auch jenseits der zaghaften Selbstzugeständnisse fragwürdige Frauenbild ohne Bruch oder Ironie zum Frauenbild des Filmes. Selten dürfte sich eine Adaption so bedingungslos in den Dienst ihrer Vorlage gestellt haben.

Wer aber meint, das duo infernale Eichinger/Edel sei vor dem übermächtigen Superstar Bushido ehrfürchtig eingeknickt, irrt dennoch. Denn es gibt durchaus eine andere, noch bizarrere Seite dieser Unternehmung. So artig Zeiten ändern dich alle anderen Facetten des Lebens seines Protagonisten nacherzählt – einen klitzekleinen Nebenaspekt verwässert der Film dann doch: die Musik. Während in den hölzernen Dialogen der Vorwurf der Gewaltverherrlichung sowie Frauen- und Schwulenfeindlichkeit der Texte Bushidos in der Tat zur Sprache kommt, fehlen diese Inhalte im Soundtrack vollends. Diesen Kompromiss scheint der stets mit der Authentizitätsfahne schwenkende Künstler bereitwillig eingegangen sein: Sämtliche seiner Songs mit kontroversen Texten werden zugunsten vergleichsweise harmloser und seine eigene Vergangenheit reflektierender Titel ignoriert. Solcherart entwirft Zeiten ändern dich ein seltsames Zerrbild der wahren Erfolgsgeschichte des Rappers. Der Kommentar eines ekstatisch verzückten Mädchens über dessen verächtliche Texte „Der meint ja nicht mich!“ ist somit kaum einzuordnen. Die einseitige Songauswahl verschleiert die tatsächlichen – und wahrhaft interessanten – soziologischen und psychologischen Hintergründe seiner Beliebtheit sorgfältig. Dagegen wäre es überaus wünschenswert, die Mechanismen jenes kommerziell erfolgreichen Teils des deutschen Hip-Hops zu bestimmen, gerade im Zusammenspiel mit der mutmaßlichen Jugendgefährdung, die verschiedene Schutzbehörden Bushido immer wieder attestiert haben.

Genauso wie der ziemlich doofe Titel eine ziemlich doofe Abwandlung eines ziemlich doofen Sprichwortes ist, ist auch der Film – ziemlich doof. Dass Zeiten ändern dich beizeiten eine zumindest oberflächliche Wirkung entwickelt, liegt ausgerechnet an den musikalischen Einlagen und dem stark emotional aufgeladenen familiären Part der Handlung, der auf einen geradezu feierlichen Höhepunkt zusteuert. Aber ob dieses hemmungslose Pathos, diese zuckersüße Botschaft ausgerechnet der pubertären Zielgruppe Bushidos und somit dieses Filmes gefallen wird?

Wertung: ■■■■□□□□□□□□□□□ (4/15)

>>> Filmstarts 28. Januar 2010:

2010-01-28T22:06:00.000+01:00

Cloudy with a Chance of Meatballs (Wolkig mit Aussicht auf Fleischbällchen, USA 2009, Regie: Chris Miller, Phil Lord)
Kan Door Huit Heen (Can Go Through Skin, NL 2009, Regie: Esther Rots)
The Last Station (Ein russischer Sommer, D/U.K./R 2009, Regie: Michael Hoffman)
New York, I Love You (USA/F 2009, Regie: Fatih Akin, Mira Nair, Shekhar Kapur u.a.)
Partir (Die Affäre, F 2009, Regie: Catherine Corsini)
Sherlock Holmes (USA/U.K. 2009, Regie: Guy Ritchie)

NEW YORK, I LOVE YOU

2010-01-28T22:00:00.000+01:00

Die Liebeserklärung Paris, je t’aime war erst der Anfang. Dass 2006 rund 20 namhafte Regisseure in filmischen Kurzbeiträgen den Flair, das Wesen einer berühmten Metropole einzufangen versuchten, findet nun in der Kurzfilm-Collage New York, I Love You seine konsequente Fortsetzung. Nachdem Filmemacher wie Tom Tykwer, Alfonso Cuarón und die Coen-Brüder der Stadt der Liebe huldigten, setzen nun zehn weitere Regisseure dem Big Apple ein kinematografisches Denkmal.

Auf den ersten Blick mögen die Namen hinter den New Yorker Episoden nicht gleichermaßen spektakulär klingen wie die von Paris, je t’aime. Wer in den vergangenen Jahren jedoch hin und wieder über den Tellerrand des internationalen Mainstream-Kinos geblickt hat, wird feststellen, dass die Riege der Verantwortlichen ebenso hochkarätig ist. Neben der Inderin Mira Nair (Monsoon Wedding), dem Japaner Shunji Iwai (All About Lily Chou-Chou) und dem Regiedebüt von Natalie Portman hat auch der Deutschtürke Fatih Akin einen sehenswerten Beitrag zu New York, I Love You beigesteuert.

Schnell machen sich gegenüber der Pariser Variation zwei wesentliche Unterschiede bemerkbar. Zum einen ist das qualitative Gefälle innerhalb der Zusammenstellung in New York, I Love You deutlich geringer. Während sich in Paris, je t’aime noch Licht an Schatten reihte, fällt es merklich schwerer, Highlights aus dem zweiten Gemeinschaftsprojekt herauszuheben. Äußerst gelungen ist aber Allen Hughes’ Kurzdrama mit Bradley Cooper, der vielleicht schönste Shekhar Kapurs magisch-melancholischer Beitrag. Geschrieben hat Kapurs Mini-Drama, in dem eine ehemalige Operndiva (anmutig: Julie Christie) auf einen schrulligen Hotelpagen (kaum wiederzuerkennen: Shia LaBeouf) trifft, übrigens Oscarpreisträger Anthony Minghella. Da der kurz vor Beginn der Dreharbeiten im Frühjahr 2008 verstarb, ist ihm der gesamte Film gewidmet.

Zum anderen sind die einzelnen Episoden von New York, I Love You weitaus enger miteinander verknüpft. Während sich im ersten der beiden Kollektivfilme die Mosaiksteine erst nach Abschluss des letzten Kapitels zusammenfügen, ist die New-York-Hommage von Anbeginn einheitlicher strukturiert, tauchen Charaktere in späteren Abschnitten wieder auf. Die beiden Hälften von Yvan Attals kurzem Begegnungsdrama werden gar vollkommen getrennt voneinander gezeigt. Zusätzliche Übergangssequenzen, in denen eine geheimnisvolle Dokumentarfilmerin das Geschehen beobachtet, verstärken den Eindruck, dass New York, I Love You eher einem homogenen Episodenfilm gleicht denn einer eigentlichen Kurzfilmsammlung.

Nach Paris, je t’aime ist die Ehrerweisung der Ostküstenmetropole der zweite Teil der „Cities of Love“-Reihe, die der französische Produzent Emmanuel Benbihy weiter auszubauen plant. Bevor er sich Rio de Janerio, Jerusalem und Mumbai widmen möchte, steht als nächstes Shanghai, I Love You an. Wenn Benbihy für die weiteren Fortsetzungen ähnlich bedeutende Filmemacher gewinnen kann, wie sie sich für das stimmige Gesamtkonzept von New York, I Love You zusammengefunden haben, darf man auf die neuen Liebeserklärungen sehr gespannt sein.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■□□ (13/15)

SHERLOCK HOLMES

2010-01-28T21:54:00.000+01:00

Vergleiche sind zwecklos. Um Guy Ritchies Kino-Update des vielleicht berühmtesten Privatdetektivs der Literaturgeschichte einordnen zu können, muss man die unzähligen früheren Verfilmungen aus den USA, Deutschland, Russland und natürlich Großbritannien nicht erst heranziehen. Sherlock Holmes will für sich stehen – und genau diese Sonderstellung sollte man dem unverhofften Geniestreich auch gönnen. Ebenso falsch ist aber die Annahme, Regisseur Ritchie hätte mit uralten Traditionen gebrochen, die Erfindung Holmes arglos modernisiert, gar seinen eigenen Vorlieben angepasst. Keiner dieser Unkenrufe trifft zu – und dennoch haucht diese eigenwillige Adaption der altgedienten Schnüfflerlegende mit brachialer Gewalt neues Leben ein.

Dieser frische Wind ist aber nicht alleine der Unerschrockenheit Ritchies geschuldet, sondern hat eine durchaus solide Basis. Zum einen haben der Filmemacher und sein Autorenteam die von Sir Arthur Conan Doyle geschaffene Figur zwar nicht umgekrempelt, aber klug einzelne Charaktereigenschaften herausgehoben oder weiterentwickelt. So finden sich auch die nunmehr zentralen Nahkampffähigkeiten Holmes’ bereits in Doyles Geschichten, sind in den meisten bisherigen Umsetzungen lediglich ausgeklammert worden. Zudem wirkt der Ansatz, die Verfilmung wie die eines Comics zu gestalten, innovativ: Anstelle der üblichen Storyboards oder computergenerierter Prävisualisierung fußt das Script in der Tat auf einer kurzen graphic novel, die Ritchie speziell erstellen ließ und deren Zeichnungen im Abspann des Filmes eine schöne Zweitverwertung finden.

Sherlock Holmes steht und fällt mit Hauptdarsteller Robert Downey Jr. – und das ist wörtlich zu nehmen. Tatsächlich hat der Film der famosen Leistung des Protagonisten einen Großteil seines immensen Schauwertes zu verdanken. Und tatsächlich stolpert und prügelt sich dieser in einer wahnwitzigen Mischung aus künstlerischer Zerstreutheit und schier übermenschlicher Genialität durch das wendungsreiche Geschehen. Mit einem mysteriösen Okkult-Meister namens Lord Blackwood haben es Holmes und Assistent Watson – die sich einen herrlichen, homoerotisch konnotierten Schlagabtausch nach dem anderen liefern – zu tun. Als Blackwood gar seine Exekution übersteht und London weiterhin terrorisiert, wird auch Irene Adler (Rachel McAdams), eine Verflossene des Inspektors, in die turbulenten Geschehnisse verwickelt. Vertiefende Rückblenden ergänzen dabei immer wieder kürzlich Vergangenes und sorgen bis zum schwindelerregenden Finale auf der noch unfertigen Tower Bridge für einige Verblüffungen.

Jude Law als Dr. Watson funktioniert in der Praxis weitaus besser als die theoretisch vielleicht etwas merkwürdige Besetzungsentscheidung. Das Highlight neben Downey dem Jüngeren ist allerdings der salbungsvolle Mark Strong, der als böser Lord so großartig-sinister ist, dass man ihn den vortrefflichsten Graf Dracula seit langem nennen kann. Überhaupt scheinen Ritchie neben einer Bereicherung des Inspector-Holmes-Kanons gewissermaßen beiläufig Quasi-Fortsetzungen ganz anderer Filmreihen gelungen zu sein. In seinen stets augenzwinkernd-überzogenen Actionsequenzen erinnert Sherlock Holmes frappierend an die Abenteuer des anderen berühmten britischen Ermittlergenies, Agent 007. Manch eine Slapstick-Einlage lässt dagegen den verspielten Irrwitz Charlie Chaplins aufleben – eine Rolle, die Robert Downey in Richard Attenboroughs Biopic ja bereits 1992 übernommen hatte.

Wer die Karriere Guy Ritchies auch nach den gefeierten Independent-Hits Lock, Stock and Two Smoking Barrels und Snatch verfolgt hat, wird darin ein etwas unschlüssiges Suchen, aber auch eine erstaunlich stringente Entwicklung finden. Die von den Boulevardmedien ständig begleitete Ehe mit Madonna beeinflusste Ritchies Schaffen lediglich in Gestalt des krachend gefloppten Gemeinschaftsprojektes Swept Away. Spätestens mit dem vorzüglichen Sherlock Holmes zeigt sich nun, dass die zwischenzeitlichen Actionthriller Revolver und RocknRolla keinesfalls bloß Fingerübungen darstellten. Der vielleicht größte Wert der beiden stilistisch gewagten, aber auch inhaltlich komplexen Filme ist es, das aktuelle, eindeutig auf ein größeres Publikum zielende Unterfangen Ritchies vorbereitet zu haben. Mit Sherlock Holmes verbindet der britische Visionär erstmals alle drei Aspekte: Audiovisuelle Raffinesse, eine clever ausgetüftelte Story und ein gesundes Maß an Massenkompatibilität.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■□□□ (12/15)

>>> Filmstarts 21. Januar 2010:

2010-01-21T18:53:00.001+01:00

Élève libre (Privatunterricht, F/B 2008, Regie: Joachim Lafosse)
It’s Complicated (Wenn Liebe so einfach wäre, USA 2009, Regie: Nancy Meyers)
Same Same But Different (D 2009, Regie: Detlev Buck)
A Serious Man (USA 2009, Regie: Ethan Coen, Joel Coen)
Surrogates (USA 2009, Regie: Jonathan Mostow)
The Visitor (Ein Sommer in New York, USA 2007, Regie: Thomas McCarthy)

A SERIOUS MAN

2010-01-21T18:49:00.001+01:00

Nach dem hart erarbeiteten Oscar für No Country for Old Men und dem vergleichsweise albernen Burn After Reading machen die Gebrüder Coen nun ernst. Mit vertrauter Crew hinter, aber ohne jeden großen Namen vor der Kamera schicken sie A Serious Man auf die Reise – eine überaus unangenehme, wie sich zeigen wird.

Eigentlich hat Larry Gopnik, ein jüdischer Physikprofessor, alles, was er sich wünscht. Im vorörtlichen Minneapolis um das Jahr 1970 lebt er mit Frau und Kindern in einem hübschen Häuschen. Doch bald gerät sein Leben schrittweise aus den Fugen: Erst fordert die werte Gattin aus heiterem Himmel die Scheidung, dann präsentiert sie mit einem alten Familienfreund bereits seinen Nachfolger. Gleichzeitig weiten sich Larrys Probleme auf seinen Beruf aus, als seine anstehende Verbeamtung zu wackeln beginnt und ein koreanischer Austausch-Student versucht, ihn zugunsten einer besseren Note zu bestechen. Zudem hat Larry Ärger mit einem resoluten Nachbarn und muss sich um seinen glück- wie wohnungslosen Bruder Arthur kümmern. Und schließlich sind da noch die beiden Kinder: Tochter Sarah bestiehlt ihn, um eine Nasenoperation zu finanzieren, Sohn Danny gefährdet seine bevorstehende Bar Mitzwa, weil er ständig stoned ist.

Dass sich das nach einer regelrechten Flut von Hiobsbotschaften anhört, ist kein Zufall. Die biblische Erzählung über jenen frommen Hiob, der Opfer einer Wette zwischen Gott und Satan wird, dient den Coens offenbar in der Tat als lose Vorlage. Verlegt haben sie die Geschichte des Mannes, dessen Standfestigkeit durch eine Verkettung schlimmster Rückschläge geprüft wird, in die späten 60er Jahre. Aber auch über den ungefähren Plot hinaus strotzt A Serious Man nur so vor religiösen Anspielungen – manche überdeutlich, viele eher subtil. Dass der Abspann den Witz „No Jews were harmed during the making of this film“ enthält, hat seine Gründe: Mit den Gewohnheiten des jüdischen Glaubens gehen die Coens wahrlich nicht zimperlich um – eine Haltung, die sich sicher nicht jeder erlauben kann.

Obwohl die beiden Filme oberflächlich wenig gemein haben, erinnert A Serious Man werksintern wahrscheinlich am ehesten an den gnadenlosen Noir-Thriller Blood Simple von 1984. In ihrem Erstling benötigten die Coens noch sorgsam durchexerzierte Gewalt zur Beschreibung der Brutalität zwischenmenschlicher Verhältnisse. Heute reichen ihnen subtilere Gesten – und seien es die ihres tollen Hauptdarstellers Michael Stuhlbarg. Nachdem die Gebrüder in den letzten zehn Jahren einzig mit No Country ihr wahres Potenzial ausschöpfen konnten, ist A Serious Man endlich wieder eine kompromisslos böse, gänzlich unberechenbare black comedy, die sogar eine der berüchtigten avantgardistischen Traumsequenzen zu bieten hat.

Ob sich die Gebrüder Coen nun auf eine konkrete Bibelstelle beziehen oder nicht, die Hiob-Erzählung scheinen sie nicht zu Ende gelesen zu haben. Das Alte Testament gesteht dem gepeinigten Hiob jedenfalls schließlich eine Art Entschädigung zu. Den Coens bleibt es indes bis zum bitteren Ende ebenso ernst, für ihren „serious man“ haben sie eine ganz besondere finale Überraschung. Übrigens auch mit biblischer Referenz.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■□□□ (12/15)

SURROGATES

2010-01-21T18:46:00.000+01:00

Die Vorstellung, sich in naher Zukunft vermittels humanoider Roboter in der Welt bewegen zu können, hat im Kino derzeit Hochkonjunktur. Erst vor zwei Wochen startete mit Gamer in Deutschland eine solche Fantasie vom ferngesteuerten Menschen. Noch immer in aller Munde ist Avatar, James Camerons im Dezember angelaufenes Fantasy-Epos, das sich in Kürze der erfolgreichste Film aller Zeiten nennen darf.

Während die Steuerung fremder Körper in Gamer noch auf eine Spielumgebung und in Avatar auf einen fernen Planeten beschränkt ist, präsentiert uns der Film Surrogates diese Erfindung nun als weltweiten Alltag. Im Jahr 2017 verlässt kaum mehr ein Mensch seine Wohnung. Stattdessen lässt man künstliche Nachbildungen, „Surrogates“ oder „Units“, für sich arbeiten und leben, bequem gesteuert von einem futuristischen Sessel aus. Kriminalität gibt es in dieser perfektionierten Isolation praktisch nicht mehr. Insofern ist es eine kleine Sensation, als die FBI-Agenten Greer (Bruce Willis) und Peters – bzw. deren „Surrogates“ – einen Mord ermitteln müssen. Was eigentlich technisch unmöglich sein sollte, ist geschehen: Als eine „Unit“ ausgeschaltet wird, stirbt auch dessen Besitzer, der zu allem Überfluss der Sohn des „Surrogates“-Erfinders höchstselbst ist. Schnell führt die Spur zu einer Widerstandsgruppe, die den Einsatz der „Units“ vehement ablehnt und von einem religiösen Guru geführt wird, der sich „The Prophet“ nennt.

Von seiner Grundidee ist Surrogates seinen thematischen Geschwistern ebenbürtig, auch wenn die Platzierung nach den genannten Filmen natürlich wirtschaftlich eher ungünstig ist. Aber auch der neue Film von Jonathan Mostow, der für den unsäglichen dritten Teil der Terminator-Franchise verantwortlich ist, krankt an der guten alten „Style over substance“-Problematik: Während in die möglichst glaubwürdige Visualisierung der innovativen Zukunftstechnologien allerlei Mühe und Geld investiert wird, fehlt die simpelste Grundlage eines jeden guten Filmes – ein gutes Drehbuch. Sicherlich ist auch diese Idee einer in den technischen Möglichkeiten ertrunkenen Weltgesellschaft schick und nicht irrelevant. Dennoch wirken sämtliche Zutaten jenseits der makellosen Hochglanzoptik auch in Surrogates lieblos und unausgegoren. Dass Actionspezialist Bruce Willis die Hauptrolle des natürlich bald persönlich in die Notlage verwickelten Ermittlungsbeamten spielt, ändert wenig an der substanziellen Tristesse. Dass der Film eine recht junge „graphic novel“-Serie adaptiert, bleibt gar völlig unerkennbar. Einzig der Umstand, dass die weltweiten Einspielergebnisse von Surrogates noch weit unter dem arglos verpulverten 80-Millionen-Budget liegen, erscheint kaum verwunderlich.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

>>> Filmstarts 14. Januar 2010

2010-01-14T17:00:00.000+01:00

Friendship! (D/USA 2010, Regie: Markus Goller)
Jagdzeit – Den Walfängern auf der Spur (D 2009, Regie: Angela Graas)
Nanga Parbat (D 2010, Regie: Jospeh Vilsmaier)
Old Dogs (USA 2009, Regie: Walt Becker)
The Visitor (Ein Sommer in New York, USA 2007, Regie: Thomas McCarthy)

>>> Filmstarts 7. Januar 2010:

2010-01-11T17:38:00.001+01:00

13 Semester (D 2009, Regie: Frieder Wittich)
Did You Hear About the Morgans? (Haben Sie das von den Morgans gehört?, USA 2009, Regie: Marc Lawrence)
Joueuse (Die Schauspielerin, F/D 2009, Regie: Caroline Bottaro)
Gamer (USA 2009, Regie: Mark Neveldine, Brian Taylor)
The Imaginarium of Doctor Parnassus (Das Kabinett des Dr. Parnassus, F/Kanada 2009, Regie: Terry Gilliam)
Nord (N 2009, Regie: Rune Denstad Langlo)
The Vampire’s Assistant (Mitternachtszirkus, USA 2009, Regie: Paul Weitz)

GAMER

2010-01-11T17:37:00.000+01:00

Vor einigen Jahren empfanden viele den Film Crank (2006) als kleine Revolution des digitalen Entertainments. Auch wenn sich das größte Staunen über die unerhört bewegliche Kamera nach den ersten Minuten etwas gelegt haben mag, bleibt die auch im Nachfolger (2009) konsequent durchgezogene, ultramoderne Ästhetik spektakulär. Was den beiden Crank-Teilen noch gefehlt hatte, war ein über dessen irres Einzelschicksal hinausgehener Ansatz, ein ebenbürtig sensationeller Handlungseinfall.

Auf dem ersten Blick mag die Ausgangsidee von Gamer, dem neuen Film des Duos Mark Neveldine und Brian Taylor, nicht besonders eindrucksvoll klingen. Zumal man die vermeintlich futuristische Form der Massenunterhaltung, bei der sich zum Tode Verurteilte vor Publikum gegenseitig massakrieren, nicht erst seit den antiken Gladiatorenkämpfen kennt. Erst kürzlich spielte das Remake Death Race (2008) die Möglichkeit, in einem tödlichen Spiel Häftlinge zur Belustigung einer weltweiten Zuschauerschaft gegeneinander antretenden zu lassen, auch im Kino durch. Dennoch bietet Gamer eine durchaus relevante Abwandlung dieses Grundgedankens: In einer wie auch immer fernen Zukunft hat ein genial-größenwahnsinniger Milliardär die Welt durch zwei Reality-Spiele verändert. Zunächst ersinnt er „Society“, in dem sich echte Menschen – gegen Bezahlung – durch andere steuern lassen können. Für die Dauer und in der Umgebung des Spiels bleibt den so Ferngesteuerten allerdings dank einer elektrochemischen Hirninfiltration nicht anderes übrig, als jeden noch so absurden Befehl des Spielers auszuführen. Der Mensch als Marionette – hier einmal erschreckend wörtlich genommen.

Der eigentliche Plot von Gamer setzt jedoch erst ein, als der Milliardär – in seiner ersten Kinorolle betont exaltiert von „Dexter“-Serienstar Michael C. Hall verkörpert – eine zweite, noch radikalere Spielidee verwirklicht hat. In einem rauen Kriegsgebiet lässt er todgeweihte Inhaftierte gegeneinander kämpfen, gesteuert von zahlenden Spielern, bejubelt von einer weltumspannenden Fangemeinde. Der erfolgreichste Gamer ist ein 17-jähriges Reichensöhnchen, beziehungsweise seine Spielfigur, der skrupellose Söldner Kable (Gerard Butler). Nach 30 gewonnenen Schlachten winkt ihm angeblich die Freiheit, 27 hat er bereits überstanden.

Wie Kable auch den 28. Kampf für sich entscheiden kann, das erleben wir gleichsam mit ihm. Mit aller Gewalt reißt Gamer uns als Zuschauer in das Spielgeschehen. Abermals gelingt es Neveldine/Taylor (die auf der Schreibweise mit dem Schrägstrich übrigens bestehen) auf Anhieb, ein packendes Filmerlebnis zu erschaffen, das in seinen ersten Momenten grandios, weil kaum erträglich ist. Schnell stellt sich aber auch in ihrem dritten Werk eine eher ungute Mischung aus Gewöhnung und unangenehmer Irritation ein. Dieser abstoßende Effekt ist aber dann nicht mehr einer besonderen Realitätsnähe geschuldet, sondern der Unschlüssigkeit der Inszenierung. Anstatt sich in den Game-Sequenzen beispielsweise ganz der Perspektive der Spielfigur zu verschreiben, springen Neveldine/Taylor wortwörtlich im Zehntelsekundentakt zwischen mindestens vier verschiedenen Ansichten, deren Herkunft auch innerhalb der Spiele-Logik nicht mehr zu erklären ist. Punkten kann der Film dagegen mit den quietschbunten, karnevalesken Szenen, die in der virtuellen „Society“ spielen, aber leider nur für flüchtige Rückblicke bemüht werden. Hier wirkt der methodische Überfluss einmal stringent und funktioniert auch als Kommentar auf ganz gegenwärtige gesellschaftliche Tendenzen prächtig.

In der Tradition der beiden Crank-Filme beschränken sich Neveldine/Taylor wenigstens in einer Hinsicht und lassen auch Gamer nach nur 90 Minuten enden. Sicherlich danken es uns die reizüberfluteten Primärsinne nach diesen denkbar anstrengenden anderthalb Stunden. Den Ausmaßen der Idee(n) kann deren Umsetzung in dieser Fassung aber nicht gerecht werden – ob sich das durch eine längere Laufzeit ändern würde oder erst nach einer gänzlichen Umstrukturierung. Stets hinkt die vordergründige Story den weitläufigen Implikationen einige Schritte hinterher, wirken viele Plotentwicklungen erstaunlich hanebüchen und gestolpert. So bleibt etwa die Herkunft und das Wirken einer idealistischen Widerstandsgruppe namens „Humanz“, die Kable in doppeltem Sinne befreien wollen, im Dunkeln. Spätestens zur Filmmitte hastet Gamer von einer Wendung zur nächsten und vergisst dabei jegliche stichhaltige Charakter- und Storyentwicklung. Schließlich mündet der aus allen Rudern gelaufene Pomp in einen denkbar befremdlichen Showdown, der unter anderem eine plötzliche Musical-Einlage des zum Superschurken mutierten Milliardärs und die haarsträubend achselzuckende Auflösung des globalen Ausnahmezustandes bietet. Wäre zügelloser Overkill das Wunderheilmittel gegen filmischen Einheitsbrei, hätten Neveldine/Taylor ein Meisterwerk erschaffen. So bleibt die dringende Empfehlung an die beiden Filmemacher, sich bei der Realisierung ihrer zweifellos faszinierenden Ansätze demnächst einfach etwas mehr Zeit zu gönnen.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

THE IMAGINARIUM OF DOCTOR PARNASSUS

2010-01-11T17:35:00.002+01:00

Ein paar Menschen wird dieser Film in die Kinos locken, die keine Ahnung haben, worauf sie sich damit einlassen. Die keinen blassen Schimmer haben, wer Terry Gilliam ist, und vermutlich trotzdem schon einen seiner Filme gesehen haben. Auch wird ihnen unbekannt sein, dass Gilliam der einzige gebürtige Amerikaner der Monty-Python-Truppe ist, seine wichtigsten Werke wie Time Bandits oder Fear and Loathing in Las Vegas später ohne seine britischen Ex-Kollegen verwirklicht hat.

Der Grund, warum dennoch manch Ahnungsloser The Imaginarium of Doctor Parnassus sehen wird, ist der tragische Tod von Heath Ledger. Zu Recht wird seine Jahrhundertleistung als Joker in The Dark Night immer das größte Vermächtnis Ledgers bleiben. Im Januar 2008 sprach sich dessen ungeachtet schnell herum, dass der viel zu früh verstorbene Schauspieler nach seinem Mitwirken beim Batman-Abenteuer an einem weiteren Film gearbeitet hatte – ein Film, der einer sicher einmaligen Rettungsaktion bedurfte, um auch ohne seinen Hauptdarsteller realisiert werden zu können.

The Imaginarium of Doctor Parnassus, Ledgers zweite Zusammenarbeit mit Gilliam nach Brothers Grimm, ist dieser Film. Zunächst einmal sollte Doctor Parnassus das erste eigene Drehbuch sein, das Gilliam seit langem umzusetzen gedachte. Besonders nach der Enttäuschung der Grimm-Biografie, die das Studio dem Regisseur beim Schnitt entrissen hatten, sehnte sich der eigenwillige Filmemacher nach einer Rückkehr zu seinen Wurzeln. Die Geschichte eines alternden Jahrmarktkünstlers, der in der Tat Magisches zu vollbringen vermag, erschien Gilliam der geeignete Stoff zu diesem gewollten Rückschritt.

Unabhängig finanziert und gewohnt hochkarätig besetzt, beginnt Gilliam Ende 2007 die Verfilmung des Drehbuches, das er gemeinsam mit seinem alten Kollaborateur Charles McKeown geschrieben hat. Als die Dreharbeiten kaum einen Monat alt sind, stirbt Ledger. Da seine Rolle keine nebensächliche, sondern die des eigentlichen Protagonisten ist, steht der Film kurz vor dem Aus. Nach der legendären Schlacht um sein Meisterwerk Brazil (dokumentiert im Buch „The Battle of Brazil“ von Jack Mathews) und dem Fiasko des verhinderten Don-Quijote-Projektes (dokumentiert im Film Lost in La Mancha von Keith Fulton und Louis Pepe) droht Gilliams Vorhaben abermals vom Schicksal verhindert zu werden. Doch der Maestro wehrt sich, macht die Not zu einer traurigen Tugend. Durch leichte Drehbuchkorrekturen erreicht Gilliam, dass lediglich einige Szenen fehlen, in denen Ledgers Tony, ein gedächtnisloser Mann, der sich dem erfolglosen Wandertheater des weisen Doctor Parnassus angeschlossen hat, auftritt. Wenn Tony in jenen Sequenzen in die Wunderwelt des „Imaginariums“ taucht, einer Art Parallelwelt, die durch das Unterbewusstsein des Eintretenden gesteuert wird, verwandelt sich nunmehr sein äußeres Erscheinungsbild. Kurzerhand erklären sich Johnny Depp, Jude Law und Colin Farrell – Zeit seines Lebens Heath Ledger mehr oder minder nahe stehend – bereit, die Parts der jeweiligen Tonys zu spielen.

Auch wenn „höhere Mächte“ (O-Ton Gilliam) in den folgenden Monaten zwei weitere Versuche unternehmen, die Fertigstellung des Filmes zu verhindern (zunächst stirbt einer der Produzenten, dann wird der Regisseur von einem Auto angefahren), gelingt es Gilliam, sein Imaginarium of Doctor Parnassus schließlich fertigzustellen. Erstmals greift der Filmemacher dabei auf gänzlich computergenerierte Hintergründe und Effekte zurück, die zwar zunächst etwas ungewohnt wirken, sich aber schnell in das entgrenzte Gilliam-Universum einfügen. Eines der vielen Highlights des Filmes ist der Auftritt von Tom Waits, der – unfassbar, dass diese Besetzung zuvor niemandem in den Sinn gekommen ist! – einen herrlich zynischen Teufel abgibt, der dem armen Zauberdoktor die holde Tochter abzuluchsen gedenkt.

Vielleicht ist The Imaginarium of Doctor Parnassus der autobiografischste Film im Werk Gilliams. Ein alternder Schausteller, dessen lebhafte Vorstellungskraft in der modernen Konsumgesellschaft keine Beachtung mehr erfährt – diese im Film von Christopher Plummer so großartig ausgefüllte Rollenbeschreibung lässt sich ohne Mühe auch auf den Autor und Regisseur selbst übertragen. Hinzu kommt die deutliche und von Gilliam längst bestätigte Anspielung auf den ehemaligen britischen Premier Tony Blair, der dem von Ledger, Depp, Law und Farrell gespielten Tony nicht nur seinen Namen unfreiwillig leiht. Was für diese herrlich bösartige Aneignung gilt, zeichnet auch den gesamten Film aus: Allen Schicksalsschlägen zum Trotz ist Terry Gilliam erneut eines seiner verkannten Fantasy-Märchen gelungen, The Imaginarium of Doctor Parnassus ein freches, gewaltiges, vielschichtiges Plädoyer gegen Unaufrichtigkeit und für die Kunst.

Zwar war Gilliam Ende der 1960er in der Tat das einzige Gründungsmitglied von Monty Python’s Flying Circus mit amerikanischem Pass. Auch das hat sich im turbulenten Leben des leidenschaftlichen Idealisten aber mittlerweile geändert. Anfang 2006 hat er die US-Staatsbürgerschaft aufgegeben – aus Protest gegen den damaligen Kriegspräsidenten George W. Bush. Um seinem Missfallen gegenüber gesellschaftlichen und politischen Begebenheiten Ausdruck zu verleihen, ist Gilliam jedes Mittel recht. Man darf nur hoffen, dass er das Kino als hauptsächliches Sprachrohr beibehalten und allen Widrigkeiten des Filmgeschäftes weiterhin tapfer trotzen wird.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■□□ (13/15)

>>> Filmstarts 24. Dezember 2009:

2009-12-26T18:35:00.005+01:00

Alvin and The Chipmunks: The Squeakquel (Alvin und die Chipmunks 2, USA 2009, Regie: Betty Thomas)
Schweitzer (Albert Schweitzer – Ein Leben für Afrika, D/Südafrika 2009, Regie: Gavin Millar)
Bright Star (USA/F/U.K./Australien 2009, Regie: Jane Campion)
Dinosaurier (D 2009, Regie: Leander Haußmann)
Fame (USA 2009, Regie: Kevin Tancharoen)
[25.12.:] Soul Kitchen (D 2009, Regie: Fatih Akin)

SOUL KITCHEN

2009-12-26T18:35:00.004+01:00

Es scheint, als kehrten die auch im Ausland bekannten Regisseure dieses Landes zurück zu ihren Wurzeln. Tom Tykwer dreht nach kurzer Kontinent-Rundreise seit Herbst einen deutschen Film nach eigenem Drehbuch. Auch Oliver Hirschbiegel zieht es nach zwei Ausflügen gen Hollywood für sein neues Projekt in hiesige Gefilde. Selbst der zukünftige Oscarpreisträger Dr. Uwe Boll ist jüngst in seiner ehemaligen Wahlheimat Wiesbaden gesichtet worden – und zwar diesmal nicht, um auf ahnungslosen Festivals die politische Sprengkraft seiner Werke heraufzubeschwören.

Nach seinen weltweiten Festivalerfolgen Gegen die Wand und Auf der anderen Seite ist auch der neue Film von Fatih Akin eine Art Rückkehr in die Vergangenheit des eigenen Schaffens. Zum einen spielt das lange verschobene Projekt Soul Kitchen wieder ausschließlich in deutschen Landen, genauer: in Hamburg. Zum anderen ist das Hauptdarstellerensemble eine Art „Best of“ seiner früheren Werke. Protagonist Adam Bousdoukos kennt man aus Akins Erstling Kurz und schmerzlos, Birol Ünel aus Gegen die Wand und Moritz Bleibtreu aus gleich mehreren seiner Filme. Vor allem aber kehrt der Regisseur – wenigstens phasenweise – zu unbekümmerten Lockerheit seiner Anfänge zurück. So herzlich lachen durfte man in einem Akin-Film jedenfalls lange nicht mehr.

Der Deutschgrieche Zinos – gespielt von Bousdoukos, der auch Co-Autor des Drehbuches ist - besitzt ein leicht heruntergekommenes Restaurant in Hamburg-Wilhelmsburg. Dass seine Kochkünste bestenfalls durchschnittlich sind, stört die einfache Klientel wenig. Als seine Freundin jedoch nach Shanghai auswandert und Zinos einen Bandscheibenvorfall erleidet, gerät der leidliche Alltagstrott aus den Fugen. Dann verschärft sich die Situation, als der kurzerhand verpflichtete Koch-Exzentriker Shayn (Ünel) mit seiner kulinarisch wertvollen Kost die letzten Stammgäste vergrault und zu allem Überfluss Zinos’ krimineller Bruder Illias (Bleibtreu) auftaucht.

Dass Soul Kitchen in mancher Hinsicht etwas unverkrampfter als seine unmittelbaren Vorgänger wirkt, liegt aber nicht nur an den rein komödiantischen Momenten, die sich Fatih Akin hier einmal gestattet. Einen leichteren Zugang begünstigen auch an die gekonnten Überzeichnungen des Drehbuches, in dem neben großartigen Wortwitzen sogar recht alberne Zufälle walten dürfen. Nur selten driften die zahlreichen Kapriolen in etwas arg zotige Gefilde ab. Zudem runden zahlreiche bekannte Gesichter mit tollen Kurzauftritten den heiteren Ton des Filmes ab, darunter Peter Lohmeyer, Lars Rudolph und nicht zuletzt die inzwischen verstorbene Monica Bleibtreu.

Zwar erreicht Soul Kitchen nicht die durchschlagende Wirkung von Gegen die Wand, der weiterhin Akins bisheriges Meisterstück bleibt, profitiert aber auch in positiver Hinsicht vom leicht zurückgeschraubten Faktor Ernst.

Nachdem sich Fatih Akin auf dem Felde des Dramas zuletzt spektakulär bewiesen hat, dürfte sein neuer Film der vielleicht letzte Ausflug in die vergleichsweise unbeschwerte Welt chaotischer Mittdreißiger sein. Aber nicht dass irgendwer Soul Kitchen als harmlose Fingerübung abtun würde. In Venedig hat der Film im September den Spezialpreis der Jury erhalten.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

>>> Filmstarts 17. Dezember 2009:

2009-12-17T19:05:00.000+01:00

Avatar (Avatar – Aufbruch nach pandora, USA 2009, Regie: James Cameron)
Brand Upon the Brain! (USA/Kanada 2006, Regie: Guy Maddin)
Lila, Lila (D 2009, Regie: Alain Gsponer)
Séraphine (F/B 2008, Regie: Martin Provost)
Where the Wild Things Are (Wo die wilden Kerle wohnen, USA 2009, Regie: Spike Jonze)

WHERE THE WILD THINGS ARE

2009-12-17T19:04:00.001+01:00

Es herrscht der landläufige Irrglaube, Märchen seien in erster Linie oder gar ausschließlich für junge Menschen gedacht. Ebenso erstaunt bemerken Leser so genannter Kinderbücher und Zuschauer so genannter Kinderfilme regelmäßig, in den Werken befänden sich allzu ernste, eher für Erwachsene geeignete Elemente. Wie wenig verwunderlich erscheint dieser Umstand, vergegenwärtigt man sich, aus welcher Perspektive die allermeisten dieser Erzeugnisse verfasst werden. Einmal abgesehen von der ausdrücklich auf alle Altersklassen abzielenden Stoßrichtung des klassischen Märchens.

Den Vorwurf konservativer amerikanischer Elternverbände, Spike Jonze habe seine Verfilmung von Maurice Sendaks „Wo die wilden Kerle wohnen“ in ein zu ernsthaftes Gewand gekleidet, kann hierzulande nur hämisch belächelt werden. Zu ernst kann hier nämlich nur eines heißen: angemessen. Besonders liebreizend kann man den Tonfall des eigenwillig bebilderten Kinderbuchklassikers jedenfalls kaum nennen. In seinem wortkargen Werk beleuchtet Sendak den unweigerlichen Reifungsprozess des kleinen Max in zwar nicht pessimistischer, aber doch ausgenommen melancholischer und nachdenklicher Manier.

Für die verantwortungsvolle Aufgabe, diese wundervollen Innenansichten eines kleinen Clowns auf die große Leinwand zu transportieren, erscheint Spike Jonze geradezu prädestiniert. Erste Erfahrungen sammelt der verschrobene Künstler als Regisseur zahlreicher Musikvideos, so etwa des preisgekrönten Clips zu Fatboy Slims „Praise You“. Seinem irren Langfilmdebüt Being John Malkovich lässt Jonze dann die ebenfalls von Autor Charlie Kaufmann ersonnene Zwillings-Fantasie Adaptation folgen. Zuletzt experimentiert Jonze in seinem grandiosen Kurzfilm We Were Once a Fairytale erstmals mit Puppenspieltechnik. Die nutzt er nun im großen Stil, um die gefährlich aussehenden, aber eigentlich recht harmlosen Monster von Where the Wild Things Are zum Leben zu erwecken, denen Max auf seiner Fantasie-Reise begegnet.

Die Mühe, die sich Regisseur Jonze und sein Team bei der Umsetzung des Buches gegeben haben, ist nicht hoch genug einzuschätzen. In jahrelanger Vorarbeit hat Jonze mit dem Autor Dave Eggers ein Drehbuch entwickelt, das die wenigen Ansätze der Vorlage in der Tat im Sinne Sendaks zu einer abendfüllenden Spielfilmlänge ausbaut. Selbst wenn man die unzählbaren Fallen ausblendet, in die Eggers und Jonze hätten tappen können, ist diese Leistung jede „Best Screenplay“-Auszeichnung wert. Doch damit alleine kann man den Filmemacher nicht abspeisen, denn die koordinierende Errungenschaft seiner Regie ist sogar noch beeindruckender. In einer unsagbar komplexen Mixtur aus realer Maske, Puppenspiel und Computereffekten – die sich während des Filmgenusses (zum Glück!) unmöglich durchschauen lässt – haucht Jonze den schrulligen Mönsterchen Leben ein. Dabei bildet er die gezeichneten „wilden Kerle“ aber nicht bloß ab, sondern transzendiert das Buch wortwörtlich spielend.

Die technische Brillanz der Umsetzung kann und darf aber nicht über die mindestens ebenso bemerkenswerte Tatsache hinwegtäuschen, wie traumwandlerisch sicher Where the Wild Things Are die eigentlichen, von Sendak allenfalls angedeuteten Intentionen trifft. Aus wenigen gezeichneten Nuancen destilliert Jonze so vollwertige Charakterisierungen der „wild things“. Daneben veranschaulicht der Film die schmerzvolle Entwicklung des kleinen Max nicht nur, sondern baut auch diese moralische Komponente des Buches sinnvoll und bereichernd aus.

Als vielschichtiger Fantasy-Streifen ist Jonze’ dritter Spielfilm außergewöhnlich sehenswert, als erwachsene Kinderbuchverfilmung superb. Die größte Stärke von Where the Wild Things Are liegt indes darin, was er aus den Leerstellen seiner Vorlage zaubert. Diese Finesse macht aus dem Werk ein meisterliches und die beste Adaptionsleistung, die das Kino seit langem erreicht hat.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■■□ (14/15)

>>> Filmstarts 10. Dezember 2009:

2009-12-10T13:38:00.001+01:00

Adam (USA 2009, Regie: Max Meyer)
Liebeslied (D 2009, Regie: Anne Høegh Krohn)
Ninja Assassin (USA 2009, Regie: James McTeigue)
The Princess and the Frog (Küss den Frosch, USA 2009, Regie: Ron Clements, John Muster)
The Soloist (Der Solist, USA/U.K. 2008, Regie: Joe Wright)
Unter Strom (D 2008, Regie: Zoltan Paul)
Zombieland (USA 2009, Regie: Ruben Fleischer)
Zwölf Meter ohne Kopf (D 2009, Regie: Sven Taddicken)

NINJA ASSASSIN

2009-12-10T13:37:00.000+01:00

Es mag merkwürdig klingen, aber manchmal ist der Film, dieses so schwer fassbare Wesen, unserer Spezies nicht unähnlich. Auch der Film wird von anderen gezeugt, seine Geburt ist oft schwierig und auch wenn er einmal in die Welt gesetzt ist, muss er sich erst behaupten. Er hat mit Vorurteilen zu kämpfen, ist mal lieb, mal unverschämt, kann begeistern oder verärgern, vergisst beim täglichen Geldverdienen beizeiten das Wesentliche. Und ist er aus seiner irdischen Existenz, dem Kino, geschieden, werden nur die Verdienstvollsten seiner Art in Erinnerung gehalten.

Erlaubt man sich, dem Film menschliche Attribute zuzuschreiben, darf auch das Selbstvertrauen nicht fehlen. Um einen Film als gelungen zu empfinden, muss dieser ein gewisses Maß an Selbstsicherheit, an Selbstverständlichkeit, vielleicht Unvermeidlichkeit ausstrahlen. Ninja Assassin ist das Beispiel eines Filmes, dem jedes Selbstbewusstsein fehlt. Bei einem von den Matrix-Schöpfern produzierten Werk ist das eine kolossale Enttäuschung. Zumal der letzte von den Wachowski-Brüdern beaufsichtigte und Zögling James McTeigue inszenierte Film, V for Vendetta, ein Meisterstück des politischen Mainstreamkinos genannt werden darf.

Was man Ninja Assassin zugute halten muss, ist seine Kernhandlung, in der die Geschichte des titelgebenden Kämpfers erzählt wird, der sich gegen die Übermacht heimlich weltumspannender Ninja-Clans auflehnt. Was in seiner flotten Dramaturgie und Ästhetik sehr an ein Videospiel erinnert, funktioniert prima: Die Kampfszenen sind spektakulär und mitunter äußerst explizit, die CGI-Blutfontänen ziemlich trashig, als Reminiszenz an das Kunstblutgeplantsche der Shaw-Brothers-Filme aber wunderbar. Wie der junge Ninja Raizo, gespielt vom koreanischen Popstar Rain, gegen seinen gnadenlosen Ex-Lehrmeister zu Felde zieht, das ist in der Tradition des fernöstlichen Kampfsportkinos zwar recht konventionell, aber immerhin in sich schlüssig und mit großem Schauwert verbunden.

Die massive Schwachstelle von Ninja Assassin ist die Rahmenhandlung des Films. Dass darin eine afroamerikanische Polizistin (Naomie Harris) dem Geheimnis der auftragsmordenden Ninjas auf die Schliche kommen will, wirkt in einer Tour unbeholfen und ist letztlich komplett überflüssig. Der verzweifelte Versuch, den Film durch diese Amerikanisierung für den Weltmarkt attraktiver zu gestalten, erscheint unangenehm bemüht und hemdsärmelig. Da der Rahmenplot in Berlin spielt, gesellt sich für das hiesige Publikum eine gehörige Portion unfreiwilliger Komik in Form Dutzender nationalspezifischer Goofs hinzu. Nötig wurde diese Verortung des Filmes durch die Tatsache, dass Ninja Assassin ausnahmslos in Babelsberg gedreht worden ist. Warum die überwiegend deutsche Crew aber nicht einmal seltsame Werbetafeln in Kauderwelsch-Deutsch zu verhindern wusste, muss doch schleierhaft bleiben.

Eine vermeintlich nebensächliche Szene zeugt vielleicht am besten vom mangelnden Selbstbewusstsein des Filmes Ninja Assassin: Die amerikanischen Ermittler sehen Raizo auf einem Monitor, der gefesselt im kameraüberwachten Nebenraum steht. Als ein Komparsen-Polizist etwas Abfälliges über Raizo sagt, schaut dieser direkt in die Überwachungskamera. Obwohl der Zuschauer diese Demonstration der Macht des Protagonisten da längst kapiert hat, meint der Polizist nach einer kurzen Pausen dann aber noch sinngemäß: „Hat er mich etwa gehört? Das kann doch nicht sein!“ Durch diese überflüssige Erklärung macht der Film nicht nur eine sonst recht subtile Geste zunichte, sondern stellt eindrucksvoll unter Beweis, wie wenig Vertrauen er in sein Publikum und somit in sich selbst hat. Souveränität blitzt allenfalls in den heftigen Kampfszenen des Filmes auf. Dank seiner unnötigen Rahmenhandlung wirkt Ninja Assassin insgesamt aber eher wie ein verschüchterter Loser.

Wertung: ■■■■■□□□□□□□□□□ (5/15)

THE SOLOIST

2009-12-10T13:33:00.001+01:00

Manche reale Begebenheit erscheint unglaublicher als jede Fiktion. Die Geschichte eines afroamerikanischen Obdachlosen, dessen musikalisches Genie von einem Journalisten der Los Angeles Times entdeckt wird, klingt zu sehr nach Hollywood, um wahr zu sein. Gerade deshalb tut der Film The Soloist gut daran, nicht durch eine vorangestellte Schrifttafel auf seinen Wahrheitsgehalt zu verweisen.

In Zeiten des Internets ist es eine Frage von Augenblicken, sich von jenem Wahrheitsgehalt einer Erzählung zu überzeugen. Spielend lässt sich nicht nur herausfinden, dass The Soloist auf realen Tatsachen beruht. Selbst ein Video der echten Vorbilder für die Protagonisten des Filmes erreicht man in Sekunden. Die Dekonstruktion der Fiktionalisierung liegt nur wenige Mausklicks entfernt. Schnell erfährt man, dass der wahre Steve Lopez, Autor der Buchvorlage und zweite Hauptfigur, deutlich älter ist als Robert Downey Jr., der Lopez in gewohnt gebrochener Brillanz verkörpert. Auch Nathaniel Ayers wurde durch den Film einer Verjüngungskur unterzogen: Selbst die etwas unnötige Un-Frisur von Oscarpreisträger Jamie Foxx kann nicht verhehlen, dass das Vorbild seinem Darsteller einige Jahrzehnte voraus haben dürfte. Was Foxx mit seinem angenehm theatralischen Spiel dem realen Ayers ansonsten hinzufügt, ist als Dramatisierung vollkommen legitim.

In der verzweifelten Suche nach einem Thema für seine Kolumne lernt Lopez den wohnsitzlosen Ayers 2005 kennen, als dieser unter einer Statue seines Angebeteten Ludwig van Beethoven einer Violine magische Klänge entlockt – für sich, versteht sich, nicht um damit Geld zu erbetteln. Nach einem kurzen Gespräch recherchiert Lopez die tragische Lebensgeschichte Ayers’. Bald findet er heraus, dass dieser wegen seines immensen Talents einst an der renommiertesten Musikschule des Landes angenommen wurde, nach einer schweren psychischen Erkrankung jedoch auf den Straßen von Los Angeles gelandet war. Gleichermaßen fasziniert und erschüttert macht sich Lopez es zu Aufgabe, Ayers zu helfen.

The Soloist ist nicht nur eine Verfilmung des Sachbuches, das Steve Lopez über seine Begegnung mit Nathaniel Ayers geschrieben hat. Glücklicherweise begnügt sich Regisseur Joe Wright, auf dessen Konto zuletzt die Keira-Knightley-Dramen Pride and Prejudice und Atonement gingen, nicht mit seiner recht konventionellen Erzählung der erstaunlichen Geschichte. Daneben bietet The Soloist eine differenzierte Beschäftigung mit der Frage, wie man mit an paranoider Schizophrenie Erkrankten angemessen umgehen kann und sollte. Zusätzlich versucht sich der Film in einer Analyse und kühnen Visualisierung der Kraft klassischer Musik.

In seiner wilden Mischung aus pragmatischem Storytelling, nachdenklicher Betrachtung und mutiger Abstraktion will die Adaption des beeindruckenden Buches sehr viel und wirkt beizeiten etwas unschlüssig. Keinen einfachen Zugang zu seinem überaus problematischen Untersuchungsgegenstand zu gewähren, darf man ausgerechnet einer filmischen Beschäftigung mit psychischen Störungen aber nicht vorwerfen. The Soloist beweist in der Tat jene Binsenweisheit: Life is stranger than fiction.

Wertung: ■■■■■■■■■■■□□□□ (11/15)

>>> Filmstarts 3. Dezember 2009:

2009-12-03T19:47:00.000+01:00

The Crimson Wing: Mystery of the Flamingos (Das Geheimnis der Flamingos, U.K./USA 2008, Regie: Matthew Aeberhard, Leander Ward)
Planet 51 (U.K./E 2009, Regie: Jorge Blanco, Marcos Martinez, Javier Abad)
Post Grad ((Traum)Job gesucht, USA 2009, Regie: Vicky Jenson)
Saw VI (Saw 6, USA 2009, Regie: Kevin Greutert)
Tulpan (D/CH/R/P/Kasachstan 2008, Regie: Sergei Dvortsevoy)
Wenn Ärzte töten (D 2009, Regie: Hannes Karnick, Wolfgang Richter)
Whatever Works (USA 2009, Regie: Woody Allen)
Zweiohrküken (D 2009, Regie: Til Schweiger)

WHATEVER WORKS

2009-12-03T19:34:00.003+01:00

Ausgerechnet der zugänglichste und schönste der jüngeren Filme von Woody Allen hat einen miesepetrigen Misanthropen zur Hauptfigur. Wer das mittlerweile kaum mehr zu überblickende Werk des schrulligen Filmemachers kennt, wird ahnen, dass zwischen diesen beiden Bewandtnissen nicht etwa „trotz“, sondern „gerade wegen“ stehen muss. Eben weil Allen von einem notorischen Menschenfeind erzählt, gelingt ihm mit Whatever Works eine heitere Erzählung über die lohnenden Seiten des Lebens.

Gleich zu Beginn des Filmes, als jener missmutige Boris seine Verachtung der Welt dnen wenigen Freunden wieder einmal unterbreitet hat, bricht Allen ein inszenatorisches Tabu. Er reißt die vierte Wand des filmischen Raumes ein und lässt den Protagonisten direkt zu uns, dem Publikum, sprechen. Der Clou dieses Kniffes ist jedoch, dass auch die anderen Charaktere des Filmes diese in die Kamera gesprochenen Monologe bemerken, nicht aber die Anwesenheit einer Zuschauerschaft, der Boris immer wieder das Geschehen kommentiert. Wenn im Verlauf der durchaus turbulenten Geschichte die Allwissenheit des selbsterklärten Genies – er ist Professor für Quantenphysik – immer weiter demontiert wird, geschieht das vollkommen zu Recht. Diese letzte und nicht unerhebliche Außergewöhnlichkeit bleibt Boris jedoch exklusiv vergönnt: Nur er alleine ist sich seines höchst delikaten Status’ als Marionette eines Kunsterzeugnisses bewusst.

Das eigentliche Geschehen von Whatever Works baut auf dem von Allen immer wieder thematisierten Konflikt der Generationen auf. Boris Yellnikoff ist nämlich nicht nur ein überaus selbstbezogener und alles Gute verneinender Geselle, sondern überdies im Rentenalter. Eines grauen Tages findet er eine hübsche Ausreißerin mit dem klangvollen Namen Melody St. Ann Celestine auf seiner Türschwelle, die sich auf der Flucht vor ihrem Elternhaus in Mississippi einen Neuanfang in der Großstadt erhofft. Widerwillig erlaubt Boris der verwahrlosten jungen Frau, ein paar Nächte in seiner Wohnung unterzukommen. Bald sind einige Wochen vergangen und Sonderbares geschehen: Die naive Fronatur und der griesgrämige Wissenschaftler kommen immer besser miteinander aus. Erst als Melodys Eltern aus der Provinz anreisen, stellt das ungleiche Duo die Zweckgemeinschaft infrage.

Nach seinen Ausflügen nach England und Spanien kehrt Woody Allen mit Whatever Works in seine Heimat New York zurück, der er mit dem Film – ganz nebenbei – ein weiteres Denkmal setzt. So sehr er den von Larry David grandios verkörperten Protagonisten auch schimpfen lässt – nie verliert der Regisseur nie sein eigentliches Ziel aus dem Auge, für alternative Lebensentwürfe zu werben. Auch auf die einfältige Melody, die Evan Rachel Wood ebenbürtig gut spielt, blickt Allen nie verächtlich, sondern löst die anfänglich erhobenen Zeigefinger immer wieder klug auf. Schließlich gilt dieses leicht resignierte, aber ganz und gar lebensbejahende Motto für alle Figuren des Filmes: Nichts ist zu absurd, wenn es nur glücklich macht. Was immer funktioniert, ist richtig. „God is gay.“ Whatever Works.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■□□□ (12/15)

>>> Filmstarts 26. November 2009:

2009-12-01T12:46:00.000+01:00

Arthur et la Vengeance de Maltazard (Arthur und die Minimoys 2, F 2009, Regie: Luc Besson)
Helen (USA/D/U.K. 2009, Regie: Sandra Nettelbeck)
New in Town (USA 2009, Regie: Jonas Elmer)
Nunta Muta (Stille Hochzeit, F/L/Rumänien 2008, Regie: Horatiu Malaele)
Okuribito (Nokan – Die Kunst des Ausklangs, J 2008, Regie: Yojiro Takita)
Die Tür (D 2008, Regie: Anno Saul)
The Twilight Saga: New Moon (New Moon – Biss zur Mittagsstunde, USA 2009, Regie: Chris Weitz)
Das Vaterspiel (D/Ö 2009, Regie: Michael Glawogger)

NEW MOON

2009-12-01T12:44:00.002+01:00

An seinem Startwochenende ist der zweite Teil der Vampir-Saga „Twilight“ als dritterfolgreichster Film aller Zeiten in den USA angelaufen. In nur drei Tagen hat die von vielen Fans heiß ersehnte Fortsetzung bereits das Dreifache seiner Produktionskosten eingespielt. Dass New Moon im gleichen Zeitraum genau doppelt so viele Menschen sehen wollten wie Twilight, ist eine kleine Sensation. Noch nie zuvor in der Kinogeschichte hat ein Sequel seinem Vorgänger derart deutlich den Rang abgelaufen.

Im Grunde ist dieser durchschlagende Erfolg recht einfach zu erklären. Zunächst einmal transportieren die Filme schlicht den überaus hohen Beliebtheitsgrad der vier Romane von Stephenie Meyer. Nach der unerwartet positiven Resonanz auf die Adaption von „Twilight“ war es keine Hybris mehr, sich für den zweiten Film zumindest vorzunehmen, auch den letzten der (bislang) 85 Millionen Leser in die Kinos zu locken. Die anfängliche Vorsicht vor der Filmversion, die den Erfolg von Twilight noch in überschaubare Dimensionen gehalten hatte, gibt es bei New Moon nicht mehr. Im Gegenteil: Kristen Stewart und Robert Pattinson sind als Besetzungen der Hauptrollen nicht nur akzeptiert, sie werden regelrecht vergöttert. Das ist im Falle der auch diesmal wieder wundervoll deprimierten Stewart leicht verständlich, bei Kollege Pattinson wohl eher mit dessen mystisch-erotisch angelegter Rolle zu erklären.

Etwas merkwürdig ist der Hype um den Darsteller des Vampirs Edward Cullen alleine deshalb, weil Pattinson in New Moon doch erstaunlich wenig zu tun hat. Um seiner Angebeteten, der allzu menschlichen Bella Swan (Stewart), nicht weiteren Ärger zu bereiten, flieht er samt Familie aus dem tristen Forks. Diese Lehre zieht Edward aus einem kleinen Blut-Unfall im Hause Cullen, die zurückgelassene Bella ist dagegen fassungslos. Ihre monatelange, tiefe Trauer verfliegt erst, als sich Bella ihrem Sandkastenfreund Jacob zuwendet. Doch auch der birgt wenig Hoffnung auf Normalität, sondern erweist sich bald als unberechenbarer Gelegenheits-Werwolf. Kaum verwunderlich also, dass sich Bellas Sorgen alsbald vervielfacht haben und einem dramatischen (Zwischen-) Finale entgegenstreben.

Gemäß dem deutlichen veränderten Ton der Vorlage haben die Produzenten für New Moon zumindest hinter der Kamera eine personelle Neuausrichtung gewagt. Statt der umsichtigen Catherine Hardwicke wurde Chris Weitz mit der Verfilmung des zweiten Buches betraut. Weitz erscheint zunächst als gewagte Verpflichtung: Bisher fühlte sich der Regisseur eher im komödiantischen Fach zu Hause und hatte obendrein zuletzt den gehörigen Flopp The Golden Compass zu verantworten. Seine fehlende einschlägige Erfahrung macht Weitz mit einer treffend pragmatischen Herangehensweise an die dramatisch-romantische ménage à trois zwischen Vampir, Werwolf und Mensch wett. Den turbulenten Ereignissen der Vorlage entsprechend legt New Moon merklich mehr Wert auf spektakuläre Stunts und Effekte, behält aber souverän den melodramatischen Grundton der Saga. Dass die Adaption dabei beflissen nah an der Vorlage bleibt, dürfte wohl dem (verständlichen) Sicherheitsdenken der Filmemacher geschuldet sein.

Während New Moon die Anhänger Stephenie Meyers also weitgehend zufrieden stellen sollte, bleibt die Frage, welche Eignung der düstere Spaß für den unvorbelasteten Kinogänger hat. Nach den überraschend detaillierten Charakterzeichnungen in Twilight tendiert der Nachfolger, das lässt sich kaum verhehlen, doch deutlicher zur Seifenoper. Man kann die Angelegenheit aber auch etwas wohlwollender betrachten und sie, wie es Meyer wieder vorgegeben hat, sogar in die Nähe der ganz großen Weltliteratur hieven: Nach Jane Austen ist nunmehr Shakespeare an der Reihe, in ein, nun ja, zeitgemäßes Gewand gekleidet zu werden. Während Twilight noch merkliche Anleihen an „Stolz und Vorurteil“ enthielt, dient nunmehr die Liebesgeschichte aller Liebesgeschichten als Vorbild. Statt den Capulets und Montagues stehen sich hier ein Vampir- und ein Werwolf-Clan gegenüber, die unendliche Tragik des Protagonistenpärchens wird gar um eine zusätzliche Figur erweitert. Da soll noch einmal jemand nach dem Erfolgsrezept der „Twilight“-Saga fragen.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

>>> Filmstarts 19. November 2009:

2009-11-24T16:37:00.001+01:00

66/67 – Failplay war gestern (D 2009, Regie: Jan-Christoph Glaser, Carsten Ludwig)
Die Anwälte – Eine deutsche Geschichte (D 2009, Regie: Birgit Schulz)
Law Abiding Citizen (Gesetz der Rache, USA 2009, Regie: F. Gary Gray)
Liebe Mauer (D 2009, Regie: Peter Timm)
Paranormal Activity (USA 2007, Regie: Oren Peli)
Tannöd (D 2009, Regie: Bettina Oberli)
This Is Love (D 2009, Regie: Matthias Glasner)
The Yellow Handkerchief (Das gelbe Segel, USA 2008, Regie: Udayan Prasad)

DIE ANWÄLTE - EINE DEUTSCHE GESCHICHTE

2009-11-24T16:36:00.002+01:00

Wer unter dem Titel Die Anwälte eine Kinoadaption der gleichnamigen Fernsehserie mit Kai Wiesinger vermutet, liegt falsch. Der Zusatz „Eine deutsche Geschichte“ klärt auf: Nicht mit einem Justizthriller haben wir es hier zu tun, sondern mit der Historie dieses Landes.

Dennoch bietet die Dokumentation von Birgit Schulz allerlei Jura und Thrill: Die Anwälte – Eine deutsche Geschichte zeichnet die Lebensgeschichten dreier Männer nach, die unterschiedlicher kaum sein könnten. Der Film beginnt jedoch mit einem gemeinsamen Bild, das gleichsam die Initialzündung des Projektes darstellt: Hans-Christian Ströbele, Otto Schily und Horst Mahler sind darauf zu sehen, Anfang der Siebziger. Die Szene stammt aus einem Prozess gegen Mahler, den Schily und Ströbele verteidigen. Alle drei verstehen sich als Verfechter der außerparlamentarischen Opposition, alleine die Mittel unterscheiden sich bereits damals: Während sich Mahler auch aktiv der RAF anschließt, bekämpfen Ströbele und Schily das System mit juristischen Mitteln, verteidigen mehrfach namhafte linke Terroristen.

In ihrem unbedingt sehenswerten Dokumentarfilm empfindet Schulz die politischen Anfänge der drei Anwälte geradezu minutiös nach. Klug verknüpft sie dabei Archivaufnahmen und separat gefilmte Interviews mit den Protagonisten. Die Anwälte verharrt aber nicht bei dieser punktuellen Aufarbeitung, sondern vollzieht die gesamten Werdegänge der drei Juristen nach. Wie aus den einstigen Weggefährten später ein gnadenloser Bundesinnenminister, der letzte kompromisslos linke Grüne und ein verwirrter Rechtsextremist geworden sind, ist erstaunlich und vor allem ungemein spannend. Was Schulz zusammenträgt, ist stets gut nachvollziehbar, sehr aufschlussreich und dürfte selbst historisch Gebildeten neue Einzelheiten bieten.

Dass das differenzierte und präzise Dreifach-Portrait alle Protagonisten zu Wort kommen lässt, birgt die Gefahr, auch einem verurteilten Holocaust-Leugner eine Plattform zu gewähren. Auch diese Untiefe umschifft Regisseurin Schulz in Die Anwälte – Eine deutsche Geschichte jedoch sicher: Einerseits verweigert sie allzu schlimmen Äußerungen Mahlers jeden Raum, andererseits wahrt sie durch dessen direkte Einbindung das demokratische Prinzip. Über ihre drei so unterschiedlichen Anwälte zu urteilen, überlässt die Filmemacherin dankenswerterweise dem Zuschauer.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■□□ (13/15)

>>> Filmstarts 12. November 2009:

2009-11-24T16:15:00.001+01:00

2012 (USA/Kanada 2009, Regie: Roland Emmerich)
Capitalism: A Love Story (Kapitalismus – Eine Liebesgeschichte, USA 2009, Regie: Michael Moore)
Ganz nah bei Dir (D 2009, Regie: Almut Getto)
Hachiko: A Dog’s Story (Hachiko, USA 2009, Regie: Lasse Hallström)
The Invisible Frame (D 2009, Regie: Cynthia Beatt)
Love Happens (USA/Kanada 2009, Regie: Brandon Camp)
The Man from London (D/F/U.K./Ungarn 2007, Regie: Béla Tarr)
Résiste – Aufstand der Praktikanten (D 2009, Regie: Jonas Grosch)

2012

2009-11-24T16:13:00.002+01:00

Das Ende der Welt immer wieder durchzuspielen, mag eher nach der Arbeit eines Wissenschaftlers klingen. Dass und wie eben dies auch in der Unterhaltungskunst möglich ist, dafür steht Roland Emmerich. Der deutsche Regisseur in Hollywood liebt das ganz große Spektakel, die Katastrophe. Nachdem er diese zuletzt lange vor unserer Zeit hatte stattfinden lassen – 10,000 BC (2008) – blickt Emmerich nun wieder wagemutig in die Zukunft und spekuliert, woran die Menschheit 2012 zugrunde gehen könnte.

Die nicht mehr so ferne Jahreszahl markiert das Ende der Zeitrechnung des Maya-Kalenders. Am 22. Dezember 2012 wird die Erde – im Angesicht einer angeblich einmaligen astronomischen Konstellation – demzufolge untergehen. So sieht das, wie dieser Film nun behauptet, auch ein engagierter amerikanischer Wissenschaftler. Nach seiner vernichtenden Prognose entwickeln die Regierungen der Welt einen Katastrophenplan, der vor dem gemeinen Bürger tunlichst verschwiegen wird. Ein solcher ist auch der mäßig erfolgreiche Autor Jackson Curtis (merkwürdigerweise eine Umkehrung des echten Namen von Rapper 50 Cent), mit vollem Ernst und Einsatz von John Cusack dargestellt. Als Curtis zufällig durch einen nur scheinbar völlig durchgeknallten Wissenschaftler (Woody Harrleson) vom drohenden Ende aller Zeiten erfährt, setzt er alles daran, seine geschiedene Frau und die beiden gemeinsamen Kinder in letzter Sekunde zu retten. Doch da brechen bereits die ersten Straßen in kilometertiefe Risse auf…

In seinem Bombast, in seiner gänzlich unbescheidenen All-Dimension wirkt 2012 noch gewaltiger als Emmerichs bisherige Katastrophenszenarien. Anstatt sich in der Tradition der großen Genre-Vorbilder der 70er mit einem Schreckensereignis zu begnügen, fährt der gebürtige Stuttgarter diesmal eine ganze Armada an katastrophalen Geschehnissen auf: Erdbeben, Vulkanausbrüche, Fluten, Feuersbrünste, Flugzeugabstürze – all damit hält uns Emmerich schier pausenlos in Atem. Dass der Regisseur dabei altbekannte Ideen reanimiert und neu zusammensetzt, gehört zur Methode: So kann etwa die Idee des tödlichen Einflusses von Sonneneruptionen auf die Erde aus dem diesjährigen Nicolas-Cage-Film Knowing kennen. Die Szenen gewaltiger Flutwellen und vor dem Untergang flüchtender Menschenmassen erinnern dagegen an die zweite Hälfte von Deep Impact (1998) – zumal in beiden Filmen ein schwarzer US-Präsident die entscheidende politische Rolle spielt. Die vielleicht deutlichste Parallele findet sich indes in Emmerichs Werk selbst: Erst in The Day After Tomorrow hatte er die amerikanische Ostküste von Tsunamis überrollen lassen und sich dem postapokalyptischen Dasein der Überlebenden gewidmet.

Wie Emmerich nun in 2012 einen Showdown an den nächsten reiht und seine Protagonisten im Sekundentakt dem Tod um Haaresbreite entrinnen lässt, hat mit Glaubwürdigkeit natürlich denkbar wenig zu tun. Viel problematischer ist aber, dass er die Ruhepole dazwischen sträflich vernachlässigt, die das Genre oft erst erträglich gestalten. Vielleicht kann es ein „Zuviel“ ausgerechnet im Katastrophenfilmgenre nicht geben, möglicherweise kann man für Emmerichs weitgehenden Verzicht auf den zähen Pathos früherer Vertreter der zweiten Generation der Disaster Movies nur dankbar sein. Fakt bleibt, dass 2012 den neuen Höhepunkt der sich munter drehenden Effektschlacht-Spirale bildet, die aus unüberblickbar vielen Einzelzündungen den einen Mega-Schauwert zu entfachen versucht. Neu ist bei Emmerich allenfalls, dass er sich mitunter selbstironisch gibt, wenn er einerseits die Blödsinnigkeit der drögen Dialoge karikiert, andererseits das sadistische Moment des Katastrophenfilms durch manch schöne Überzeichnung andeutet.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

CAPITALISM: A LOVE STORY

2009-11-24T16:09:00.001+01:00

Die Zeiten, in denen Michael Moore in gewissen amerikanischen und weiten Kreisen Europas als heilsbringender Moralapostel gegolten hatte, sind vorbei. Drei eigene Filme und mehrere empörte Gegenprojekte nach seiner sogar oscargekrönten Dokumentation Bowling for Columbine war es zuletzt ruhig um Moore geworden. Das konnte dem stämmigen Filmemacher nur recht sein, ließ es schließlich auch jene Schreihälse erstummen, die ihn zur personalisierten Massenmanipulation erkoren hatten. Was selbstredend ebenso falsch ist, wie in egal wessen dokumentarischem Film die Wahrheit und nichts als die Wahrheit zu erwarten.

Nun also, geradezu unvermeidlich, ein Liebesbrief an den Kapitalismus. In Michael Moores bissiger Ironie, versteht sich. Pünktlich zum vermutlichen Höhepunkt der so genannten Banken- und Finanzkrise ist Capitalism: A Love Story ein erwartungsgemäßer Schritt des unermüdlichen Kritikers jeglicher Missstände. Und es ist ein grundsätzlich richtiger, soviel lässt sich bereits resümieren, bevor man auch nur ein Bild des Werkes gesehen hat. Dass die auch diesmal wieder in so rasanter Schrittfolge auf uns einprasseln, dass man sich beizeiten die Pause-Taste einer Fernbedienung herbeisehnt – geschenkt. Man muss die in der Tat höchst manipulativen Elemente von Moores Filmen nicht gutheißen, aber sie lassen sich als Masche des Regisseurs zähneknirschend akzeptieren. Natürlich liegt er in seinen Schlussfolgerungen nicht immer goldrichtig, wirken gerade die unvermeidlichen Vergleiche mit den mutmaßlich paradiesischen Zuständen in Deutschland weiterhin etwas niedlich.

Schnell erweist sich, dass die Liebesgeschichte des Titels keineswegs nur ironisch gemeint ist. Wie Moore schlüssig darlegt, darf das Verhältnis zwischen der amerikanischen Oberschicht und der Idee Kapitalismus gewiss eine Beziehung voller Zuneigung und Treue genannt werden. Vollkommen richtig ist auch, dass Capitalism: A Love Story die Übel seines Untersuchungsgegenstandes historisch herleitet. Wenn Moore die bezeichnenden Dokumente der Anfänge des Niedergangs immer wieder mit arg exponierten Einzelschicksalen kollidieren lässt, darf man neben zulässiger Betroffenheit und abwehrendem Augenrollen nicht vergessen, an welches Publikum sich auch dieser Film zuallererst richtet. Das gilt ebenso für den sachlichen Argumentationsgang, mit dessen simplem Duktus Moore hierzulande etwas unterfordern mag, in den USA aber ganz sicher keine offenen Türen einrennen wird.

Wie auch die früheren Werke Moores ist Capitalism im strengen Sinne kein Dokumentarfilm, sondern viel eher als filmischer Essay zu verstehen. Und als solcher sollte er jedermann überall auf der Welt zumindest nachdenklich stimmen. Auch wenn die „erste“ Reaktion auf den organisierten Verfall des menschlichen Treibens auf diesem unserem Planeten nicht viel mehr als ein ausdauerndes Kopfschütteln sein kann – beweist eben dieses Erschrecken über nicht im eigentlichen Sinn neue Begebenheiten die Wichtigkeit des Erinnerns und Sich-Erinnerns. Die (Wieder-)Erkenntnis der eigenen Machtlosigkeit gehört hierzu ganz naturgemäß. Diese Machtlosigkeit differenziert zu verarbeiten und vernünftige Schlüsse daraus zu ziehen, gehört zu den schweren Aufgaben, die Moores Film seinem Zuschauer hinterlässt.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

>>> Filmstarts 5. November 2009:

2009-11-24T15:58:00.001+01:00

A Christmas Carol (Disneys Eine Weihnachtsgeschichte, USA 2009, Regie: Robert Zemeckis)
Couples Retreat (All Inclusive, USA 2009, Regie: Peter Billingsley)
The Informant! (Der Informant, USA 2009, Regie: Steven Soderbergh)
Jennifer’s Body (USA 2009, Regie: Karyn Kusama)
Looking for Eric (F/I/U.K./B 2009, Regie: Ken Loach)
Muukalainen (Der Besucher, D/U.K./Finnland/Estland 2008, Regie: J.-P. Valkeapää)
Seelenvögel (D 2009, Regie: Thomas Riedelsheimer)
La Teta Asustada (Eine Perle Ewigkeit, E 2008, Regie: Claudia Llosa)
Weltstadt (D 2008, Regie: Christian Klandt)

THE INFORMANT!

2009-11-24T15:55:00.001+01:00

Im Filmemachen steckt – wie in jeder anderen Erzählform auch – die Lüge. In aller Regel wird sie dort natürlich nicht als störend empfunden, sondern als willkommenes Stilmittel geradezu vorausgesetzt. Doch auch die Narrenfreiheit des filmischen Lügens hat ihre Grenzen, besonders in den ziemlich willkürlich hier und da aufkeimenden Realismusforderungen des Publikums. Die vorangestellte Behauptung „Based on a true story“ gilt dennoch seit Jahrzehnten als gewisser Garant für das Interesse des Zuschauers. Tony Scott hat dieses recht leere Versprechen zuletzt in Domino durch den ins Bild rasenden Zusatz „sort of“ („sozusagen“) herrlich ad absurdum geführt.

Auch Steven Soderbergh spielt zu Beginn seines neuen Filmes The Informant! mit der ausgelutschten Texteinblendung. Dass er darauf hinweist, einige Personen und Umstände seiner Geschichte seien verändert oder ergänzt worden, wäre kaum erwähnenswert und hat zudem eine juristische Notwendigkeit. Ein netter Affront ist dagegen das „Ätsch!“, das darunter prangert. Aber natürlich will uns Soderbergh im Folgenden nicht ärgern. Diese herausgestreckte Zunge ist schlicht ein erster Hinweis auf die Gangart seines Filmes – und auf den Kommentar, den Soderbergh auch ganz grundsätzlich über das Verfilmen „wahrer Begebenheiten“ für uns parat hält.

Den titelgebenden Informanten hat es in der Tat gegeben. Matt Damon in absoluter Höchstform spielt jenen Mark Whitacre, dessen Whistleblowing in den frühen 1990ern die amerikanische Öffentlichkeit in Atem gehalten hat. Obwohl Whitacre als leitender Angestellter jährlich sechsstellig verdient, vertraut er sich zwei FBI-Agenten an: Sein Arbeitgeber betreibe systematische Preisabsprachen mit der ausländischen Konkurrenz, teilt er den staunenden Beamten mit. Um die nötigen Beweise zu beschaffen, erklärt sich Whitacre während der jahrelangen Ermittlungen mehrfach bereit, Abhörgeräte zu tragen. In seiner Rolle als Informant der Bundesbehörde gefällt er sich immer besser, stellt sich aber keineswegs stets geschickt an. Über anfängliche Tollpatschigkeiten können die Agenten noch lachen. Bald stellt sich jedoch heraus, dass Whitacre seinerseits ein erhebliches Problem mit der Wahrheit hat und nicht nur im Sinne des FBI ein Doppelleben führt.

Jeder andere Regisseur hätte die wahrhaft unglaubliche Story des außer Kontrolle geratenen Spitzels wohl als spannenden Spionage-Thriller umgesetzt. Steven Soderbergh wagt mit The Informant! ein Novum: Indem er den Irrwitz der Begebenheiten in den Vordergrund seiner Erzählung hievt, inszeniert er die verzwickte Wirtschaftskriminalgeschichte als schwarze Komödie. Die skandalösen Fakten des zugrunde liegenden Sachbuches („Der Informant“ von Kurt Eichenwald) kleidet Soderbergh in eine haarsträubend anachronistische Optik und lapidare Dialoge. Diese wiederum sind durch skurrile Off-Kommentar-Fetzen des Protagonisten verbunden, der idiotische Binsenweisheiten zum Besten gibt.

Die prägnanteste Szene in The Informant! ist ein kurzer Moment, in dem Matt Damon als Mark Whitacre inmitten einer Unterredung sein grässliches Toupet deutlich sichtbar zurechtrückt. Diese beiläufige Geste mag ein absichtlich belassener Fehler sein oder wenigstens ein großartige Improvisation. In jedem Fall sagt er alles über die herrlich respektlose Herangehensweise dieses Filmes an seine ach so wahre Begebenheit.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■□□□ (12/15)

JENNIFER'S BODY

2009-11-24T15:53:00.002+01:00

Das Herzstück von Jennifer’s Body ist das Drehbuch von Diablo Cody, deren Skript zur großartigen Dramödie Juno 2008 mit einem Oscar prämiert worden ist. Entscheidender noch als der wüste Plot ihres neuen Buches ist aber die Sprache der Dialoge. Ähnlich wie im Vorgängerfilm entwickelt Cody eine zunächst eigenartig wirkende Kommunikationsform, die sich schnell als größter Gewinn von Jennifer’s Body erweist. Zusammengesetzt aus Versatzstücken verschiedener Teenagerslangs lässt Cody ihre Charaktere eine Kunstsprache sprechen, die dennoch alles andere als konstruiert daherkommt. Oft sind es nur einzelne Worte oder Ausdrücke, die in einem neuen Zusammenhang gestellt oder durch Eigenkreationen ersetzt werden. Wie zu erwarten, eliminiert die deutsche Synchronfassung diesen Aspekt nicht nur, sondern verleiht den Dialogen durch seine peinlichen Nachahmungsversuche des Originaltextes eine ungewollte und unpassende Lächerlichkeit.

Dass Jennifer’s Body in seinem Kinotrailer als Horrorthriller angepriesen wird, ist irreführend. Stattdessen erzählt der Film eine recht klassische Highschool-Story mit teils eher ungewöhnlichen Mitteln und Momenten. Jene Slasher- und Splatterelemente sind aber wenig aufregend, immerhin erzeugt Regisseurin Karyn Kusama eine mitunter recht spannende Atmosphäre. Insgesamt erweist sich Kusama aber nicht gerade als Glücksfall für Codys tolles Drehbuch. Ihrer dritten Regiearbeit nach Girlfight und Aeon Flux fehlt eine nachwirkende Initialzündung und die letzte Stringenz. Auch die schauspielerischen Leistungen müssen sich an meisterlichen Vorgängern messen lassen: Zwar sind Megan Fox als Jennifer und Amanda Seyfried als Erzählerin Needy gute, weil offensichtliche Besetzungen. An die freche Würde der Juno -Pendants Ellen Paige und Oilvia Thirlby reichen sie aber nie heran.

Nach einem Song der Courtney-Love-Band Hole ist die süß-saure Komödie Jennifer’s Body benannt. Tatsächlich geht es dem Duo Cody/Kusama aber viel eher um den Reifungs- und Selbstbehauptungsprozess einer durchschnittlichen Außenseiterin. Was nebenbei mit Jennifers Körper geschieht, bleibt dagegen nur spektakulärer Aufhänger und mäßig beeindruckendes Beiwerk. Jegliche Ansätze einer Genderorientierung von Jennifer’s Body, das Weibliche als unergründlich, furchteinflößend oder gar abjekt zu entwickeln, erstickt die platte Regie im Keim. Da hatte Sam Raimis gewaltige Horror-Parabel Drag Me to Hell kürzlich noch Einiges mehr zu bieten.

Wertung: ■■■■■■■□□□□□□□□ (7/15)

>>> Filmstarts 29. Oktober 2009:

2009-10-27T15:01:00.000+01:00

[28.10.:] Michael Jackson’s This Is It (USA 2009, Regie: Kenny Ortega)
Endstation der sehnsüchte (D/Südkorea 2009, Regie: Sung Hyung Cho)
I Love You, Beth Cooper (USA 2009, Regie: Chris Columbus)
Imagine That (Zuhause ist der Zauber los, USA/D 2009, Regie: Karey Kirkpatrick)
Qué tan lejos (Wie weit noch?, Ecuador 2006, Regie: Tania Hermida)
The Race (Das grosse Rennen, D/Irland 2009, Regie: André F. Nebe)
Die Standesbeamtin (CH 2009, Regie: Micha Lewinsky)
Trilogia II: I Skoni tou Hronou (Dust of Time, D/F/I/Griechenland/Russland 2008, Regie: Theodoros Angelopoulos)

>>> Filmstarts 22. Oktober 2009:

2009-10-23T16:13:00.002+02:00

(500) Days of Summer (USA 2009, Regie: Marc Webb)
The Cove (Die Bucht, USA 2009, Regie: Louie Psihoyos)
Orphan (USA 2009, Regie: Jaume Collet-Serra)
Die Päpstin (D/U.K. 2009, Regie: Sönke Wortmann)
Pettson & Findus - Glömligheter (Kuddelmuddel bei Pettersson & Findus, S 2009, Regie: Anders Sørensen, Jørgen Lerdam)
Wendy & Lucy (USA 2008, Regie: Kelly Reichardt)

>>> Filmstarts 15. Oktober 2009:

2009-10-23T16:05:00.001+02:00

Away We Go (Auf nach Irgendwo, USA/U.K. 2009, Regie: Sam Mendes)
G-Force (USA 2009, Regie: Hoyt Yeatman)
Hangtime (D 2009, Regie: Wolfgang Groos)
My Life in Ruins (My Big Fat Greek Summer, USA/E 2009, Regie: Donald Petrie)
Ein Teil von mir (D 2008, Regie: Christoph Röhl)
Thirst [Bakjwi] (Durst, Südkorea 2009, Regie: Park Chan-Wook)
Das weisse Band (D/Ö/F 2009, Regie: Michael Haneke)

AWAY WE GO

2009-10-23T16:01:00.000+02:00

Klammheimlich hat Sam Mendes einen neuen Film gedreht. Während die internationalen Lobeshymnen auf seine großartige Tragödie Revolutionary Road kaum ausgeklungen sind, hat der britische Regisseur bereits einen Nachfolger fertig gestellt. In der nicht minder fantastischen Drama-Komödie Away We Go verzichtet Mendes auf die großen Namen des Vorgängerensembles: Statt Kate Winslet und Leonardo DiCaprio spielen nunmehr Maya Rudolph und John Krasinski die Hauptrollen. Doch die erweisen sich als ebenso vortreffliche Besetzungen – und sollen echten Filmkennern bei näherem Hinsehen auch durchaus ein Begriff sein. Maya Rudolph, die übrigens mit dem weltbesten Filmemacher unserer Tage, Paul Thomas Anderson, liiert ist, kann man aus Robert Altmans finalem Film A Prairie Home Companion kennen. Subtrahiert man seinen jetzigen Dreiwochenbart, wird man feststellen, dass John Krasinski der schnieke Quarterback aus George Clooneys verkannter Regiearbeit Leatherheads ist.

Das Drehbuch, das Rudolph und Krasinski unter dem bedachten Zepter von Sam Mendes grandios ausspielen, ist oscarreif. Geschrieben hat es, und das ist in jeder Zeile unverkennbar, ein ganz reales Ehepaar. Away We Go erzählt von Burt und Verona, die bald ein Baby erwarten. Als Burts Eltern beichten, dass sie noch vor der Geburt des Kindes nach Europa auswandern werden, überdenkt das junge Paar die eigene Lebenssituation. Auf der Suche nach einem geeigneten Ort der Familiegründung reisen Burt und Verona über den Kontinent. Eine Odyssee nicht nur durch die USA und Kanada, sondern durch den schier unerschöpflichen Dschungel gegensätzlicher Lebensentwürfe. Wirklich wohl fühlen sich die beiden zunächst nirgendwo. Eine grässlich schrille Ex-Kollegin (toll: Allison Janney), eine ins Esoterische abgedriftete Sandkastenfreundin (genial: Maggie Gyllenhaal), das eigene Glück spielende Kommilitonen – all das sind für Burt und Verona bloß abschreckende Beispiele. Was das verblüffend normale Pärchen sucht, ist elementarer, aber weitaus bescheidener. Dass die beiden ihren ganz eigenen Weg schließlich finden werden, man zweifelt nie ernsthaft daran.

Nach den großen Gefühlen des Academy-Dramas Revolutionary Road ist der luftig-lockere Away We Go ein überraschender Film von Sam Mendes, mit einem subtilen Gespür für visuelle Schönheit fotografiert von Ellen Kuras. Der ehrliche, warme Humor und der leicht skurrile Alltagswahnsinn sind neu im Werk des ehemaligen Theaterregisseurs. Auf ein großes Publikum zielt diese wunderbare Mischung aus Roadmovie und leicht dramatischer Komödie sicher nicht. In den Programmkinos und Blu-Ray-Sammlungen dieser Welt wird der Film aber sehr bald seinen sicheren Platz gefunden haben.

Wertung: ■■■■■■■■■■■□□□□ (11/15)

G-FORCE

2009-10-23T16:00:00.000+02:00

Hätte jemand vor, sagen wir: fünf Jahren behauptet, Hollywood-Producer Jerry Bruckheimer würde einen Film drehen lassen, dessen Hauptfiguren possierlich-resolute Kampfmeerschweine sind, man wäre für einen schlechten Scherzbold gehalten worden. Inzwischen zeugen freilich längst Plakate und Trailer von der milde erschütternden Realität dieser irren Idee. G-Force heißt das Ganze dort, inklusive schickem Superhelden-Logo. „G“, weil die kleinen Säuger im Englischen – ähnlich merkwürdig wie die deutsche Bezeichnung – guinea pigs benannt sind. Und „Force“, weil die Meerschweinchen Darwin, Blaster und Juarez einer Abteilung des FBI angehören, die für die Regierung gefährliche Geheimaufträge ausführt.

Damit sich das nicht ändert und das Programm “G-Force“ gar eingestellt wird, müssen Erfolge her. Gemeinsam mit einem computerversierten Maulwurf und einer dressierten Stubenfliege sollen die drei speziellen Spezialagenten in das Haus eines mächtigen Konzernchefs eindringen, der Übles im Schilde führt. Unterstützt von ihrem menschlichen Abteilungsleiter und allerlei niedlichen Gadgets ermittelt die tierische Bande, dass die Pläne des Missetäters – wer hätte es gedacht – den Fortbestand der Welt bedrohen. Weil das die Chefetage der Bundespolizei aber natürlich erst viel später begreifen wird, sind die Meerschweinchen in ihrer Rettungsaktion des Planeten schnell auf sich gestellt.

G-Force ist ein Film ohne echte Zielgruppe. Zwar kommen die pelzigen Protagonisten dezidiert süß daher und ist besonders die detaillierte Miniaturausstattung tatsächlich nett anzusehen. Als Abenteuer für Kinder können das gewaltige Special-Effects-Feuerwerk und einige inhaltliche Gemeinheiten aber nicht gedacht sein. Andererseits scheint der Film nie ernstlich daran interessiert, eine seriöse, will sagen: wenigstens einigermaßen nachvollziehbare Handlung aufzubauen. Stattdessen verheizen Bruckheimer und Konsorten bekannte Stars wie Nicolas Cage oder Penelope Cruz als Synchronsprecher und Charaktermimen wie Zach Galifinakis (der Vollbärtige aus The Hangover) oder Bill Nighy (Schlauchgesicht Davy Jones aus Pirates of the Carribean) als Darsteller neben dem animierten Getier.

Für G-Force hat Produzent Bruckheimer den Spezialeffekte-Verantwortlichen früherer Projekte wie The Rock und Armageddon auf den Regiestuhl gehievt. Ohne Herrn Yeatman zu nahe zu treten zu wollen: Dass der Debütant keinen Schimmer von inszenatorischer Stringenz abseits seines Knallbumm-Fachgebietes hat, ist doch überdeutlich.

Übrigens ist G-Force der erste Realfilm von Disneys digitaler 3D-Technik und als solcher auch hierzulande in ausgewählten Kinos zu sehen. Die dritte Dimension mag ein wenig von den Löchern in Handlung und Umsetzung ablenken – ein passabler Film wird daraus aber natürlich dennoch nicht.

Wertung: ■■■■■□□□□□□□□□□ (5/15)

HANGTIME

2009-10-23T15:59:00.000+02:00

Wer bei dem amerikanischen Begriff „Hangtime“ ans Klettern denkt oder gar an den guten alten Galgen, der kennt sich im Basketball nicht aus. Der in Fankreisen gebräuchliche Ausdruck beschreibt den Moment, in dem ein Spieler auf dem Weg zum Korb vom Boden abgehoben ist und somit gewissermaßen in der Luft „hängt“. Der große Michael Jordan gilt als Meister dieser Kunst: Experten wollen bis zu drei Sekunden gestoppt haben, bis die Erde den Mann mit dem trefflichen Spitznamen „Air“ wiederhatte. Um einen vergleichsweise kurzen Augenblick geht es also bei der „Hangtime“, ein Augenblick, der indes Welten bedeuten kann. Lebensmetapher, ick hör’ Dir trapsen.

Diesem Gedanken folgend hat Filmemacher Christian Zübert, Autor und Regisseur von Lammbock, unter dem Titel Hangtime ein Drehbuch geschrieben, das von einem jungen Basketballer in Hagen/Nordrhein-Westfalen handelt. In der zweiten Bundesliga ist Vinz bereits ein hoffnungsvoller Nachwuchsspieler, nun wartet die nächste Karrierenstufe. Doch welche genau das sein soll, versuchen Vinz und sein großer Bruder Georg, mit dem er seit dem Tod der Eltern in einer schäbigen Plattenbauwohnung haust, herauszufinden. Ein College in den USA? Der Sprung in die deutsche Eliteklasse? Oder doch noch ein Jahr bei den heimischen Phoenix Hagen? Ein paar grenzdebile Freunde, findige Talentscouts und die Bekanntschaft mit einer mehr oder minder paarungswilligen Dame erschweren Vinz den Weg in die viel versprechende Zukunft zunächst.

Der wohl beste Spielfilm zum Thema Basketball stammt aus dem Jahr 1998 und heißt He Got Game. Denzel Washington und der echte Spielerstar Ray Allen spielen darin die Hauptrollen. Hangtime verhält sich zu Spike Lees B-Ball-Drama wie der deutsche Profi-Basketball zur amerikanischen Elite-Liga NBA: Irgendwie gehören auch die hiesigen Nachahmungsversuche zur selben Gattung – aus Amerika kommt aber eben das ungeschminkte Original. Stattdessen reiht sich Hangtime viel eher in die schier endlose Abfolge konventioneller Sportfilme ein, die es natürlich auch zuhauf in den USA gibt. Coach Carter (2005) und Glory Road (2006) sind da nur die basketballerischen Beispiele aus der jüngsten Vergangenheit, hinzu kommen unzählige Klischee-Dramen über American Football und Baseball, die in Übersee noch beliebteren Sportarten.

Viele dieser Mainstreamkino-Erzeugnisse sind durchaus erträglich, wenn man den sportlichen Faktor der Filme als reine Aufhänger akzeptiert. Den Genuss einer packenden Live-Übertragung können diese fiktiven Sportszenarien nie ersetzen. In diesem Sinne ist auch Hangtime ein schlichtes Coming-of-Age-Drama, dessen bemühte Basketballszenen ein netter Zusatz sind, aber keinen Fan vom Hocker reißen werden. Soll noch einer behaupten, in Deutschland verstünde man sich nicht auf straighte Genrefilme.

Wertung: ■■■■■■■□□□□□□□□ (7/15)

>>> Filmstarts 8. Oktober 2009:

2009-10-23T15:57:00.001+02:00

Aliens in the Attic (Die Noobs, USA 2009, Regie: John Schultz)
The Children of Huang Shi (Die Kinder der Seidenstrasse, China/Australien/D 2008, Regie: Roger Spottiswoode)
Lippels Traum (D 2009, Regie: Lars Büchel)
Männerherzen (D 2009, Regie: Simon Verhoeven)
Mein halbes Leben (D/Ö 2008, Regie: Marko Döringer)
Midsummer Madness (U.K./Russland/Lettland/Ö 2007, Regie: Alexander Hahn)
Unter bauern (D 2009, Regie: Ludi Boeken)

>>> Filmstarts 1. Oktober 2009:

2009-10-23T15:56:00.000+02:00

Carriers (USA 2009, Regie: David & Àlex Pastor)
Es kommt der Tag (D 2008, Regie: Susanne Schneider)
Gigante (D/E/Argentinien/Uruguay 2009, Regie: Adrián Biniez)
Män Som Hatar Kvinnor (verblendung, DK/D/S 2009, Regie: Niels Arden Oplev)
Pandorum (D/USA 2009, Regie: Christian Alvart)
Shorts (Das Geheimnis des Regenbogensteins, USA 2009, Regie: Robert Rodriguez)
Svetat e Golyam i Spasenie Debne Otvsyakade (Die Welt ist Gross und Rettung lauert überall, D/Bulgarien/Slowenien/Ungarn 2008, Regie: Stephan Komandarev)
Turtle: The Incredible Journey (Tortuga – Die unglaubliche Reise der Meeresschildkröte, U.K./Ö 2008, Regie: Nick Stringer)
The Ugly Truth (Die nackte Wahrheit, USA 2009, Regie: Robert Luketic)

CARRIERS

2009-10-23T15:54:00.000+02:00

Vier Mittzwanziger sind im tiefen Süden der USA mit einem teuren Auto unterwegs. Als ein Geländewagen den verlassenen Highway blockiert, reagieren die eben noch herumalbernden Reisenden nervös. Gerade als sich ein Mann, er bittet verzweifelt um Benzin, dem Auto nähert, entdecken sie ein kleines Mädchen auf dem Rücksitz des Geländewagens. Es trägt einen Mundschutz, der blutverschmiert ist. Es ist infiziert. Teils aus Mitleid, teils aus der eigenen Not heraus, nehmen die vier Freunde den Mann und seine kranke Tochter mit – mit auf eine gespenstische Reise durch einen Landstrich, der durch einen tödlichen Virus verwüstet worden ist.

Viel mehr verrät uns Carriers nicht über seine Protagonistin, eine offenbar weltweit grassierende Seuche, die über die Atemwege übertragen wird. Die Gefahr ist dennoch allgegenwärtig. Infizierte im Endstadium, über die das unfreiwillige Reisegrüppchen immer wieder – wortwörtlich – stolpert, ähneln grässlichen Zombies. Aber selbst wer erst ein wenig Blut hustet, ist längst verdammt. Innerhalb von drei Tagen rafft das Virus jedes menschliche Wesen grausam dahin. Um dem sicheren Tod zu entfliehen, sind die Vier auf dem Weg zu einem abgelegenen Strand: Der schroffe Brian (Chris Pine), seine Freundin Bobby (Piper Perabo), Brians ruhiger Bruder Danny (Lou Taylor Pucci) und dessen Kommilitonin Kate (Emily VanCamp) gehören zu den wenigen Überlebenden.

Carriers konzentriert sich ausschließlich auf die Perspektive dieser Vierergruppe. Dass der Film dabei fast völlig auf eine Außenwelt verzichtet, fällt zwar schnell auf, geht als radikale Maßgabe aber in Ordnung. Auch in der sonstigen Ausgestaltung ihres simplen Plots bemüht sich das Duo Alex und David Pastor, das gemeinsam für Buch und Regie verantwortlich zeichnet, gängigen Horror- und Katastrophenfilmklischees entgegenzuwirken. Das gelingt zwar nicht durchgängig, einige Entwicklungen lassen sich – besonders in der zweiten Filmhälfte – doch früh erahnen. Dennoch ist Carriers ein insgesamt angenehm ungewöhnlicher Thriller, der phasenweise große Spannung zu erzeugen vermag. Eine Revolution des Genres sähe gleichwohl anders aus.

Wertung: ■■■■■■■■■□□□□□□ (9/15)

>>> Filmstarts 24. September 2009:

2009-09-24T14:41:00.001+02:00

Desert Flower (Wüstenblume, D/Ö/U.K. 2009, Regie: Sherry Hormann)
Lauras Stern und der geheimnisvolle Drache Nian (D 2009, Regie: Thilo Graf Rothkirch, Piet De Rycker)
Louise-Michel (Louise Hires a Contract Killer, F 2008, Regie: Gustave de Kervern, Benoît Delépine)
Short Cut to Hollywood (D 2009, Regie: Marcus Mittermeier, Jan Henrik Stahlberg)
The Taking of Pelham 1 2 3 (Die Entführung der U-Bahn Pelham 123, USA 2009, Regie: Tony Scott)
Vision – Aus dem Leben der Hildegard von Bingen (D 2009, Regie: Margarethe von Trotta)

THE TAKING OF PELHAM 1 2 3

2009-09-24T14:36:00.001+02:00

Wer sich unter dessen Originaltitel die Verfilmung der Autobiografie des Rödelheimer 90er-Jahre-Rappers Moses Pelham („Wie ich lernte, bis drei zu zählen“) vorstellt, wird von The Taking of Pelham 123 enttäuscht. Ausnahmsweise klärt der deutsche Verleihtitel einmal unmissverständlich auf: In Die Entführung der U-Bahn Pelham 123 gibt Denzel Washington nicht etwa einen rundlichen Proll-Musiker, sondern er bemüht sich in der Tat, die Entführung der U-Bahn Pelham 123 zu beendigen. Hier einmal nicht als Polizist, obwohl er schnell sämtliche Aufgaben der Ordnungsmacht auf seine Person vereint: Als jüngst degradierter Leitstellen-Funker verhandelt Walter Garber direkt mit dem kaltblütigen Kopf der Bande (John Travolta), die einen Wagon der nämlichen Zuglinie samt Fahrgästen gekapert hat und Lösegeld fordert.

Dass es sich bei The Taking of Pelham 123 um das neue Werk Tony Scotts handelt, stellt bereits der durch hektische Nachzieheffekte und noch plötzlichere Schnittfolgen verhackstückte Vorspann des Filmes klar. Wie er im Zuge dessen Jay-Zs druckvolle Anklage „99 Problems“ audiovisuell verunstaltet, dürften wohl nur Kenner des grandiosen Original-Musikvideos von Mark Romanek bemerken. Wenige Augenblicke darauf ist dann aber allerseits offensichtlich, dass die wüste Clip-Ästhetik des jüngeren Scott-Bruders der gradlinigen Kriminalstory weitaus schlechter steht, als das noch in Man on Fire oder Domino der Fall gewesen ist. Diese Bürde des nervös Stockenden verliert Pelham 123 bis zum erwartungsgemäßen Schluss nicht. Der Fluss, den Scotts Stakkato in den vorangegangenen Filmen noch in seiner Gesamtheit entwickelt hat, fehlt diesem lieblos zusammengeschusterten Actionthriller völlig. Erschwerend kommt hinzu, dass Denzel Washington als ungewollte Schlüsselfigur des Geschehens eine für seine Verhältnisse nur mittelmäßige Leistung abliefert und John Travoltas monoton schimpfender Bösewicht in die gewohnte Vier-minus-Kategorie gehört.

Und dann ist da ja noch die vernichtende Tatsache, dass The Taking of Pelham 123 das Remake eines gleichnamigen Filmes von 1974 ist. Im Vergleich zum dicht geknüpften Original säuft der unausgegorene 2009er Aufguss endgültig ab: Während Joseph Sargents Film noch mit schnörkellosem Spannungsaufbau und herrlich frechem New Yorker Humor aufwartete, hakt es in Scotts zeitgemäß aufpolierter Neufassung an allen Ecken und Enden. Alleine der Vergleich von Walter Matthaus trockenem „dumb son of a bitch“ mit Travoltas affektiertem „motherfucker“ sagt im Grunde alles.

Wertung: ■■■■■□□□□□□□□□□ (5/15)

>>> Filmstarts 17. September 2009:

2009-09-18T22:41:00.001+02:00

Disgrace (Schande, Australien/Südafrika 2008, Regie: Steve Jacobs)
Dung Che Sai Duk (Ashes of Time: Redux, HK/China/Taiwan 2008, Regie: Wong Kar-Wai)
Extreme Movie (USA 2008, Regie: Andrew Jacobsen, Adam Jay Epstein)
Katyń (Das Massaker von Katyn, Polen 2007, Regie: Andrzej Wajda)
The Time Traveler’s Wife (Die Frau des Zeitreisenden, USA 2009, Regie: Robert Schwentke)
La Torre de Suso (Susos turm, E 2007, Regie: Tom Fernandez)
Up (Oben, USA 2009, Regie: Pete Docter, Bob Peterson)

>>> Filmstarts 10. September 2009:

2009-09-18T22:27:00.000+02:00

[09.09.:] Wickie und die starken Männer (D 2009, Regie: Michael Herbig)
Antichrist (D/I/F/S/DK 2009, Regie: Lars von Trier)
Berlin ’36 (D 2009, Regie: Kaspar Heidelbach)
District 9 (USA 2009, Regie: Neill Blomkamp)
Fighting (USA 2009, Regie: Dito Montiel)
Les Plages d’Agnès (Die Strände von Agnès, F 2008, Regie: Agnès Varda)
Solo für Sanije (D 2009, Regie: Alexandra Czok)
Storm (Sturm, D/NL/DK 2009, Regie: Hans-Christian Schmid)

WICKIE UND DIE STARKEN MÄNNER

2009-09-18T22:22:00.000+02:00

Am Schwierigsten seien die Nacktszenen gewesen, erklärt der zehnjährige Jonas Hämmerle trocken. Ein herrlicher Versprecher (gemeint waren die Nachtszenen!), dessen Witz dem pfiffigen Darsteller des berühmtesten aller Wikingerjungen auf der Pressekonferenz seines Debütfilmes entgangen ist. Sonst erweist sich der Protagonist von Wickie und die starken Männer dagegen als überaus schlagfertig. Die dümmliche Frage, ob er nun ein Star sei, gibt er postwendend zurück: Das müsse der Kollege sich schlicht selbst beantworten.

Ebenso unbekümmert, wie Jungschauspieler Hämmerle der Presse begegnet, ist Michael „Bully“ Herbig die Kinoadaption der beliebten Kinderserie „Wickie“ angegangen. Die wohl größte Gefahr, eine Parodie des Originals zu fabrizieren, umschifft der erfolgreichste deutsche Regisseur der vergangenen Jahre sicher. Im Gegensatz zu Der Schuh des Manitu oder (T)Raumschiff – Periode 1 ist seine Wickie-Realverfilmung keine vor Witzen überbordende Achterbahnfahrt, sondern eine verdichtete und detailversessene Neuauflage der Abenteuer der sympathischen Wikinger. Angelehnt sowohl an die ursprünglichen Romane des schwedischen Kinderbuchautors Runer Jonsson als auch die Zeichentrickserie der Siebziger erzählt Bully von den Anfängen des kleinen Wickie. Wie der Rotschopf sich gegen die chauvinistischen Pläne des Vaters zu behaupten versucht und seine notorische List schließlich erstmals in den Dienst seines Heimatdorfes Flake stellen darf. Als eine Horde skrupelloser Fremder die Wikinger überfällt und sämtliche Kinder des Dorfes entführt, bricht Wickie mit seinem Vater und den starken Männern zu einer verzweifelten Rettungsaktion auf.

Als abwechslungsreicher Kinderfilm wird Wickie und die starken Männer zumindest seine eigentliche Zielgruppe spielend für sich gewinnen. Dass nicht jeder Witz auch für ältere Semester zündet, ist lediglich der Preis für klare Ausrichtung des Projektes. Restlos überzeugen kann dagegen die Besetzung – und zwar bis in die kleineren Nebenrollen. Das seinerzeit oft belächelte Konzept, die nicht unwichtigen „starken Männer“, das Gros der Wikingercrew also, in einer TV-Show zu casten, ist voll aufgegangen. Alleine wie ähnlich die teils unausgebildeten Akteure den Serienfiguren optisch sind, das ist wirklich erstaunlich. Selten sind einst animierte Charaktere derart passend durch menschliche Darsteller ersetzt worden. Auch die wenigen bekannten Gesichter – unter anderem Günther Kaufmann als Schrecklicher Sven sowie die von der tollen Maske noch stärker entstellten Christoph Maria Herbst und Jürgen Vogel – fügen sich nahtlos in das grandiose Schauspielerensemble ein.

Mit Wickie und die starken Männer ist Michael „Bully“ Herbig eben das gelungen, was er sich vorgenommen hat: eine präzise, liebevolle und unterhaltsame Huldigung der famosen Kinderserie, an der unser Nachwuchs auch heute noch einen Riesenspaß haben wird.

Wertung: ■■■■■■■■■□□□□□□ (9/15)

ANTICHRIST

2009-09-18T21:50:00.000+02:00

Prolog

Manch ein Filmkritiker, der sich in die Samstagabendvorstellung eines Multiplexes verirrt, erlebt einen gehörigen Kulturschock. Wer sich vorher den Schmerz einer schlechten Synchronisation als größtes Übel eines allzu gemeinen Kinoerlebnisses ausgemalt hat, sieht sich zumeist getäuscht. Krachendes Popcorn, desinteressiert schwätzende Sitznachbarn, gegrölte Kommentierungen des Leinwandgeschehens – all das kennt der Filmjournalist aus seinem Alltag ebenso wenig. Pressevorführungen verlaufen in aller Regel recht gesittet.

Erstes Kapitel

Lars von Trier ist ein umstrittener Filmemacher. Nicht nur ob der oft radikalen Form seiner Werke. Gerne wird ihm zudem eine – natürlich nie in sich stimmige – Agenda unterstellt, die er als Künstler verfolge. Besonders gerne angegriffen wird sein „Frauenbild“, mit Verweis auf die Torturen, die er seinen Darstellerinnen immer wieder zumute.

In Wahrheit ist von Trier vor allem ein vielleicht anstrengender, aber sicherlich ebenso bewusster Filmemacher, stets auf die Geschichte des Mediums, aktuelle gesellschaftliche Zusammenhänge und auch sein eigenes Gesamtwerk bedacht. Er ist der Mitbegründer der ‚Dogma’-Bewegung, eines formalen Experimentes, das erst sehr verzögert filmwissenschaftliche Akzeptanz erlangt hat – und vielerorts bis heute unverstanden bleibt. In Pressekonferenzen gerät von Trier regelmäßig ins Kreuzfeuer empörter Fragesteller, die ihm allzu oft bloß ihr Missfallen ausdrücken möchten. Der Regisseur begegnet diesen Attacken zumeist gelassen. Als er in Cannes kürzlich sein neues Werk Antichrist vorstellt, hagelt es erneut heftige Kritik. Von Trier lässt die wütenden Angriffe souverän ins Leere laufen und liefert der Journaille ein willkommenes Zitat, als er sich zum „besten Regisseur der Welt“ erklärt.

Zweites Kapitel

Glaubt man vielen Filmkritikern, sind von Triers Name und der Begriff des Skandals synonym zu gebrauchen. Dass die Boulevard- bzw. die boulevardeske Filmpresse des Regisseurs cinematografischen Zündstoff in aller Regel auf (angeblich) außergewöhnliche Drehpraxen oder (vermeintliche) Gewaltausbrüche reduzieren, kann dem ernsthaften Kinofreund nur ein müdes Lächeln entlocken. Wie so oft in solchen Grenzfällen des Geschmacks und Verständnisses wird eine seriöse Auseinandersetzung mit den kritisierten Inhalten unter dem fadenscheinigen Verweis auf dessen Ungebührlichkeit verweigert. Eben jene pauschale Ablehnung widerfährt in diesem Jahr auch von Triers Antichrist. Man kann sich nur allzu gut ausmalen, wie aufmerksame Kirchenverbände schon die vorformulierten Boykottaufrufe herausgekramt haben, bevor überhaupt die erste Klappe des Drehs in den Wäldern Nordrhein-Westfalens gefallen ist. Erst nachdem sich im Frühjahr offenbar herumspricht, das Werk habe kein religiöses Gewicht (was freilich nicht stimmt), schießt sich der unvermeidliche Entrüstungssturm auf die nämlichen Gewalt- und – ebenso beliebt – Sex-Darstellungen des Films ein.

Es ist in der heutigen weltweiten Vernetzung eine Selbstverständlichkeit, aber ein mindestens genau so großer Jammer, dass einem Film wie Antichrist somit nirgendwo in der Welt auch nur halbwegs unvoreingenommen begegnet werden kann. Der von einer Handvoll Schreihälsen fabrizierte Ballast unsinniger Vorurteile begleitet die Veröffentlichung eines solchen Kunstproduktes wie eine bösartige Wucherung.

Drittes Kapitel

Natürlich ist die Vorstellung unverfälschter, unbelasteter Kinorezeption ein realitätsferner Traum. Selbst in überraschenden Sneak Previews wird sich kein einziger Zuschauer ohne ein mehr oder minder umfassendes Vorwissen finden lassen. Jedem aufmerksamen Beobachter sollte aufgefallen sein, dass sich beinahe jede Kunstkritik auf die Ausrichtung der eigenen Erwartungshaltung zurückführen lässt; nur ein konsequenter Relativist würde daran aber gar die Berechtigung einer jeden Beanstandung scheitern lassen.

Wenn die künstliche Brisanz einen Film jedoch derart überrollt, wie es auch bei Antichrist einmal mehr der Fall ist, hat das mit einem gesunden Verhältnis zwischen Adressat, Adressenten und Medium nichts mehr gemein. So wird den wenigen, die sich von Triers Werk – und sei es gerade wegen der kolportierten Skandalträchtigkeit – überhaupt noch ansehen, die wirklich interessante Vorgeschichte des Drehbuches entgangen sein. Dass von Trier die Geschichte als eine Art Selbsttherapie einer schweren Depression ersonnen hat. Dass er bewusst – oder gezwungenermaßen – auf eine schlüssige Dramaturgie verzichtet hat. Dass er Buch und Film „ohne großen Enthusiasmus“ fertig gestellt hat, wie er unumwunden zugibt.

Viertes Kapitel

In ihrer gierigen Suche nach Bestätigung der eigenen Vorurteile werden viele übersehen, dass Antichrist vollkommen absichtlich keinem moralischen Kodex folgt und sich somit zwangsläufig einer konventionellen gender- oder genrespezifischen Einordnung entzieht. Dass von Triers Natur- und Gesellschaftskritik in Dimensionen operiert, die zwar in der Tat übermütig sind, jede Oberflächenkritik aber locker schluckt. Dass die oft verstreuten, mehr kompilierten denn montierten Albraumbilder gar kein Gerüst haben dürfen, einer subjektiven Verknüpfung dagegen ultimativ bedürfen.

Das eigene Unverständnis, die eigene Scham gegen deren Auslöser zu verwenden, ist sicher menschlich. Einem Film, der einerseits – und das in der Tat auch irrational – bestehende, beobachtete Zustände abbildet, andererseits einen progressiven Schritt aus einer Urproblematik wagt, Naivität vorzuwerfen, ist dagegen fatal. Nicht der in seinen Mitteln begrenzte Filmemacher ist es hier, der scheitert, sondern der Rezipient, dem es nicht gelingt, sich auf den internen Höllentrip eines anderen wenigstens einzulassen.

Fünftes Kapitel

Um eine Frau und einen Mann geht es in Antichrist. Sie haben ihr Kind verloren und versuchen in der Abgeschiedenheit einer Waldhütte, den Verlust zu verarbeiten. Dass er Psychologe ist und sie, die offen trauert, mit verbissener Ignoranz zu therapieren versucht, spannt die Situation bis zur schieren Unerträglichkeit an: Eine wahrhaft gepeinigte Seele trifft auf einen heillos befangenen Lehrbuch-Seelendoktor. Dass diese fatale Konstellation in eine weitere, finale Tragödie münden wird, davon kündet dieser neblige Mix aus Horror, Drama und Kammerspiel von seinem ersten Moment an.

Den Vorstoß zu des Pudels Kern wird das selbstgerechte Niederschreiben der Journaille den allermeisten erfolgreich verwehrt haben. Wie gewaltsam, aber doch konstruktiv sich der Filmautor von Trier hier nicht nur seinen eigenen Ängsten stellt, sondern universelle Verhältnisse aufbricht – zu dieser Bedeutungsebene werden nur die am dicksten Gepanzerten vordringen. Ganz zu schweigen von der hochspannenden Frage nach dem Filmtitel: Antichrist ist neben seiner selbsttherapeutischen Funktion eine parabelhafte Auseinandersetzung mit der Religion, an die sich in dieser Schlagkraft noch kein Filmemacher von Format gewagt hat. Am (wissentlich vorbelasteten) Beispiel des trauernden Ehepaares exerziert von Trier das Aufeinandertreffen der menschlichen Selbstverwirklichung mit dem Anderen. Weiter kann man nicht ausholen – wenigstens nicht auf dem Gebiet fiktiver Kunst.

Epilog

Ausnahmen bestätigen die Regel, heißt es allenthalben. Die Frankfurter Pressevorstellung von Antichrist, zum Beispiel. Das Drama kündigt sich früh an. Bereits vor der Vorführung liegt eine unangenehme Nervosität in der Luft. Von Unvoreingenommenheit keine Spur. Schon jetzt gibt es lautstarke Unkenrufe, ängstliche Witze, gar vorgeschobene Resümees.

Als aus den Lautsprechern das erste Wort tönt, raunt die Menge. Dass die deutsche Synchronfassung geboten wird, ist einigen Kollegen entgangen. Es vergehen nur wenige Minuten, bis das erste gehässige Gelächter die Stille durchbricht. Die Haltung der Mehrheit ist schnell klar. Im Verbund der Dunkelheit wird hier der Aufstand geprobt. Eine grimmige Revolte gegen die gleichgültige Leinwand. Es folgen zischende Kommentare, mehr als einmal wird der Regisseur persönlich adressiert. Der kollektive Widerwille, die kaschierte Angst entlädt sich gemeinsam mit dem großen Gewaltausbruch des Films: Schallendes Lachen, dass den Horror zur Komödie vergewaltigt. Eine renommierte Kritikerin fasst das infantile Gehabe ungewollt zusammen: „Kindergarten!“ befindet sie über eine Szene, deren beißende Ironie nicht nur ihr entgangen ist.

Wertung: ■■■■■■■■■■■■■□□ (13/15)

DISTRICT 9

2009-09-18T21:49:00.001+02:00

Lange war es ruhig um Peter Jackson. Nachdem sich der Neuseeländer in der ersten Hälfte dieses Jahrzehnts mit nur drei Filmen seinen Platz im Regie-Pantheon gesichert hatte, schafften es die vermeintlichen Nachfolgevorhaben stets nicht über den Status wilder Gerüchte hinaus. Nun kehrt das gemütliche Genie ins Kino zurück – als Produzent. Dem von Jackson betreuten Projekt District 9 geht ein gehöriger (Internet-)Hype voraus, eine PR-Maßnahme, die so geschickt ist, dass sie dem eigentlichen Film vielleicht mehr schadet denn nützt. Je nach Höhe der jeweiligen Erwartungshaltung, die die zeitgemäße Kampagne geschürt hat, dürfte es den tatsächlichen 112 Minuten schwer fallen, seinen Vorschusslorbeeren gerecht zu werden.

Dabei bietet das Regiedebüt von Neil Blomkamp in der Tat einen innovativen Ansatz. Elegant verflüchtigt sich die Dramaturgie vom anfänglichen Dokumentarstil, der an sich wohl nur noch wenige überraschen wird, in ein atemloses Thrillertempo. Dass District 9 mit allem gebotenen Ernst im Science-Fiction-Genre operiert, versucht Blomkamp gar nicht erst zu vertuschen. Ebenso dankenswert offen geht der Film mit dem ewigen Problem des Verbergens oder Zeigens außerirdischer Kreaturen um.

Die beste Voraussetzung, von der Schonungslosigkeit dieser düsteren Gegenwartsvision angemessen überrumpelt zu werden, besteht in einem möglichst geringen Wissen über den Plot und das genaue Erscheinungsbild des Films. Eine Inhaltsbeschreibung entfällt daher hier aus taktischen Gründen. Ein Hinweis vielleicht: Dem etwas tiefgründiger interessierten Zuschauer sei – unter Verweis auf den Ort der Handlung – der ergiebige Begriff der historisch-politischen Parabel ans Herz gelegt, dem Film eine zweite Bedeutungsebene hinzuzufügen.

Vielleicht, so lässt sich spekulieren, wäre District 9 ohne seine gezielte Werbekampagne ein Selbstläufer geworden. Ein durch aufgeregte Mundpropaganda langsam grassierender Geheimtipp, der früher oder später ganz alleine den Olymp des Kultes erklommen hätte. Aber dann hätte Peter Jackson wohl nur unter einem Pseudonym die Schirmherrschaft dieses Filmes übernehmen dürfen.

Wertung: ■■■■■■■■■■□□□□□ (10/15)

FIGHTING

2009-09-18T21:08:00.000+02:00

ein Film selten dämlich Fighting – und bietet genau das. Wobei das Werk bei einer wohlwollenden Rezeption dann doch eine gewisse ungewollte Komplexität erhält, wenn sich ausgerechnet die Lückenfüller zwischen den Actionszenen als zumindest halbwegs interessant erweisen.

Channing Tatum spielt in Fighting einen gut gebauten jungen Mann, der sich in den Straßen New Yorks mit dem Verkauf gefälschter Bücher und DVDs gerade so über Wasser hält. Eines verkorksten Tages läuft er einem alternden Überlebenskünstler/Gauner (Terrence Howard) über den Weg, der sich ihm als Mentor anbietet. Im Nu findet sich der junge Mann inmitten der zwielichtigen Welt illegaler Mann-gegen-Mann-Kämpfe wieder. Schnell steigt er zum Star der Untergrundszene auf, gewinnt einen Fight nach dem anderen. Mit den Erfolgen steigen auch die Verdienstmöglichkeiten des ungewöhnlichen Duos, die sich durch inoffizielle Wetten zusätzlich vervielfachen lassen. Gleichzeitig bandelt der furchtlose Kämpfer mit einer schönen Kellnerin an und zeigt seine menschliche Seite.

Während die Kampfsequenzen, auf die der Film ausgerichtet ist, dröge und austauschbar bleiben, liegt die einsame Stärke von Fighting in der seltsamen Kraft seiner Dialoge. Wenn der junge Kämpfer mit seinem leicht penetranten Charme die scheinbar unerreichbare Angebetete umwirbt, wirkt das denkbar holprig – und darum sehr glaubwürdig. Die schauspielerische Glanzleistung des vor sich hinmurmelnden Terrence Howard und die ehrliche Einfachheit der zwischenmenschlichen Begegnungen machen Fighting zu einem eben noch erträglichen Kampfsportdrama, das sonst bis ins kleinste Detail vorhersehbar bleibt.

Auch wenn die beiden Filme das Allervordergründigste gemein haben, die illegalen bareknuckle fights nämlich, möchte bitte niemand auf die Idee kommen, Vergleiche zu David Finchers Fight Club zu ziehen. Während jener der wohl wichtigste US-Film der Jahrtausendwende ist, bleibt Fighting mittelmäßige Kinokost, die aus abstrusen Gründen erstaunlich angenehm anzusehen ist. Mehr nicht.

Wertung: ■■■■■■□□□□□□□□□ (6/15)

>>> Filmstarts 3. September 2009:

2009-09-18T20:59:00.001+02:00

Dance Flick (USA 2009, Regie: Damien Wayans)
The Final Destination (Final Destination 4, USA 2009, Regie: David R. Ellis)
Julie & Julia (USA 2009, Regie: Nora Ephron)
Käsky (Tears of April, D/Finnland/Griechenland 2009, Regie: Aku Louhimies)
Taking Woodstock (USA 2009, Regie: Ang Lee)
Whisky mit Wodka (D 2009, Regie: Andreas Dresen)